Το τραγούδι, που ερμηνεύεται ως μια από τις αρχαιότερες μορφές μουσικής τέχνης, δεν έγινε αμέσως. Πάντα ήταν και παραμένει συνδεδεμένο με την πρωταρχική και οργανικά εγγενή ανάγκη για συναισθηματική έκφραση στον άνθρωπο. Και αυτή η πρωταρχική ανθρώπινη ανάγκη, όχι λιγότερο από την άμεση κοινωνική αναγκαιότητα, καθορίζει την εξαιρετική θέση που κατέχει το τραγούδι στον πολιτισμό της ανθρωπότητας.
Ερευνώντας τους λόγους που γεννούν το τραγούδι, ο N. Chernyshevsky έγραψε: «Το τραγούδι είναι πρωτότυπο και ουσιαστικό, όπως η συζήτηση, ένα έργο ανθρώπινης φύσης και όχι ένα έργο τέχνης». Η παρατήρηση αυτή ισχύει με την έννοια ότι το πρώτο και κύριο μουσικό όργανο που έλαβε ο άνθρωπος από τη φύση ήταν η φωνή του. Και έγινε τραγουδιστής υπό την επίδραση του συναισθήματος, ως αποτέλεσμα της αυθόρμητης, ακούσιας αυτοέκφρασης, η οποία καθορίζεται και διαμορφώνεται από τη γενική ατονική ατμόσφαιρα μιας συγκεκριμένης εποχής. Και με αυτή την έννοια, κάθε τραγούδι είναι μια συμπεριφορά που μαθαίνεται.Σαν μέρος της λαογραφικής παράδοσης, το τραγούδι μπορεί να είναι και τέχνη και όχι τέχνη. Στη λαογραφία, τα πάντα προκύπτουν, αναπτύσσονται και λειτουργούν σε μια οργανική σχέση με όλα τα στοιχεία της ζωής του λαού: με την ιστορική, κοινωνική και εργασιακή εμπειρία, τον τρόπο ζωής, τα ήθη, τα έθιμα, με την κοσμοθεωρία, τις ηθικές και αισθητικές του ιδέες.
Δεδομένου ότι η λαογραφία είναι τόσο τέχνη όσο και μη, η επικοινωνία μεταξύ των ομιλητών της πραγματοποιείται τόσο με τη μορφή αισθητικών όσο και μη αισθητικών συνδέσεων, αν και η ισορροπία τους σε διαφορετικά στάδια της ιστορίας της λαογραφίας και σε διαφορετικούς τύπους και είδη λαογραφίας δεν είναι το ίδιο. Αυτή η ίδια η συλλογική δημιουργικότητα είναι στενά συνδεδεμένη με την εργασία και την καθημερινή ζωή, με τη συνολική δραστηριότητα της ζωής των ανθρώπων και αποτελεί μέρος ενός αναπόσπαστου συμπλέγματος κοινωνικοποιημένων κανόνων σχέσεων. Η γνώση τους καθιστά δυνατό να ακούσουμε την παράδοση από μέσα και να την αξιολογήσουμε σύμφωνα με τους δικούς της νόμους.
Προτείνεται η ακόλουθη τυπολογία μορφών επικοινωνίας στη λαογραφία, με βάση τον προσδιορισμό της φύσης και των λειτουργιών των συνδέσεων που σχηματίζονται στη διαδικασία της τραγουδοποιίας:
- Επικοινωνία στη διαδικασία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, που σχετίζεται άμεσα με την εργασιακή δραστηριότητα. Τα άτομα που τραγουδούν και εργάζονται ταυτόχρονα ενώνονται με κοινά θετικά συναισθήματα και μια συλλογική αισθητική στάση απέναντι στη δουλειά.
- Επικοινωνία στη διαδικασία της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, που συνδέεται έμμεσα με την εργασιακή δραστηριότητα με τις μορφές της μυθολογικής σκέψης και την αντίστοιχη τελετουργική αναπαραγωγή της εργασιακής διαδικασίας ή άλλη μαγική επίδραση στις δυνάμεις της φύσης. Αυτός ο τύπος επικοινωνίας, που ενώνει σε ένα ένα σύμπλεγμα εννοιών: άνθρωπος - έργο - φύση, πραγματοποιείται στην ημερολογιακή-τελετουργική λαογραφία, σε τρεις κύριες μορφές: α) ως άμεση τελετουργική επικοινωνία με τις δυνάμεις της φύσης. β) ως επικοινωνία με συμβολικές τελετουργικές φιγούρες όπως η Κολιάδα, η Μασλένιτσα. γ) ως επικοινωνία με τη βοήθεια ενός ζωντανού μεσολαβητή, ενός ιερέα.
Η λαογραφία του τραγουδιού παραμένει ένα ζωντανό, διαδικαστικό φαινόμενο όσο διατηρούνται οι χαρακτηριστικές του μορφές επικοινωνίας μέσα στην ομάδα που το δημιουργεί και παύει να είναι, μόλις αυτές οι μορφές παραχωρήσουν τη θέση τους σε άλλες. Παύει να είναι παραγωγική διαδικασία και γίνεται εξαιρετικό μνημείο λαϊκής τέχνης, υλικό για επαγγελματίες.
Υπό το πρίσμα των παραπάνω, αποκτά η γνώση των νόμων της λαϊκής παράστασης και η κατανόηση της φύσης της λαογραφίας, που είναι απαραίτητες για μια διακριτική, τεκμηριωμένη επιλογή και ερμηνεία του ρεπερτορίου και τον καθορισμό του βέλτιστου μέτρου της καλλιτεχνικής του προσαρμογής στη σκηνή. ιδιαίτερη σημασία.
Για τους ερμηνευτές, είναι σημαντικό να κατανοήσουν τη λαογραφία όχι μόνο ως καλλιτεχνικό κείμενο, αλλά και ως μια ζωντανή ερμηνευτική διαδικασία με όλες τις ιδιαιτερότητες της επικοινωνίας χωρίς κείμενο, της καλλιτεχνικής υφής και των ειδών παράστασης.
Το τραγούδι και το τραγούδι στη λαϊκή ζωή είναι πάντα ανοιχτά σε όλους. Αυτή η «ευρυχωρία», η «μη έμφαση στην ιδιότητα του τραγουδιστή» διασφαλίζεται από την εκπληκτική ευελιξία της παράδοσης. Σε μια τραγουδιστική κοινότητα, διαφορετικοί άνθρωποι με διαφορετικούς βαθμούς ταλέντου και δεξιοτήτων αισθάνονται άνετα. Ο καθένας τραγουδάει πρωτίστως για τον εαυτό του, συνειδητοποιώντας το «εγώ» του. Ταυτόχρονα, η καλλιτεχνική συνδημιουργία γίνεται στόχος της επικοινωνίας, του συλλογικού τραγουδιού - μια πράξη όχι μόνο μουσική, αλλά και συμπεριφορική, ένα πολυφωνικό τραγούδι - που αποκαλύπτει όχι μόνο τον μουσικό τονισμό, αλλά και τις ανθρώπινες σχέσεις.
Το νόημα της κοινής μουσικής για τους φορείς των τραγουδιστικών παραδόσεων δεν έγκειται μόνο στον συντονισμό των φωνητικών μερών, αλλά σε κάτι περισσότερο, στις βαθιές σχέσεις των τραγουδιστών, για τους οποίους δεν υπάρχει σαφής διαχωρισμός μεταξύ «μουσικής» και «μη μουσικό», αισθητικό και μη, φυσικό και τυχαίο.
Επομένως, η λαογραφία δημιουργείται πάντα εκ νέου. Ο αυθορμητισμός είναι παρών ακόμα και όταν οι άνθρωποι τραγουδούν ένα τραγούδι που γνωρίζουν καλά. Οι «εκπλήξεις» που αναπόφευκτα προκύπτουν δεν είναι ελαττώματα στο τραγούδι, αλλά η φυσική του ιδιότητα, η εσωτερική του ζωή, το νόημά του.
L.V. Shamina
«Βασικές αρχές της παιδαγωγικής του δημοτικού τραγουδιού»
ημερομηνία « _____________ »
Θέμα μαθήματος .
Στόχοι:
Παρουσίαση των μαθητών σεκλασικά της παγκόσμιας μουσικής
Rνα αναπτύξουν δεξιότητες στην εκφραστική απόδοση τραγουδιού.
Να καλλιεργήσει ένα αίσθημα σεβασμού για την εθνική κουλτούρα του Καζακστάν, την πλούσια μουσική κληρονομιά του λαού του Καζακστάν.
ΧΜάθημα από:
1. Οργανωτική στιγμή . Χαιρετισμός, ψαλμωδία
2. Ασμα.
3. Νέες τεχνολογίες «Κάθετη θεματική»
4 . Διαμόρφωση νέας γνώσης .
Μουσικές παραδόσεις του ρωσικού λαού
Όποιος τραγουδάει δεν έχει μπελάδες.
Ρωσική παροιμία
Το μουσικό φολκλόρ του ρωσικού λαού είναι πλούσιο σε μελωδικά τραγούδια, χαρούμενα τραγούδια, παιχνιδιάρικα πειράγματα, μεγαλοπρεπή έπη, πιασάρικους στρογγυλούς χορούς και χορούς. Μουσικοί και skomo rohi συνόδευσαν το τραγούδι παίζοντας την ανήσυχη μπαλαλάικα, το αγαπημένο τους ακορντεόν.
Και οι βοσκοί οι μελωδίες εκτελούνταν σε ένα ρινικό, ελαφρώς λυπηρό οίκτο και σε έναν κουδουνίσιο σωλήνα.
Ο συνθέτης πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε ένα ρωσικό χωριό. Εδώ ήταν περιτριγυρισμένος από την αγάπη των αγαπημένων προσώπων και το τραγούδι των χωρικών, τις εικόνες και τους ήχους της γενέτειράς του και το χτύπημα των καμπάνων της εκκλησίας.
ΜΙ. Η Γκλίνκα θυμάται: «...Κατά τη διάρκεια του δείπνου, συνήθως έπαιζαν ρωσικά πιάνα. Μου άρεσαν εξαιρετικά αυτοί οι θλιβεροί, τρυφερόι, αλλά αρκετά προσιτοί για μένα ήχοι. Ήταν πηγή των πιο ζωηρών απολαύσεων. Ίσως γι' αυτό άρχισα να αναπτύσσω τη ρωσική λαϊκή μουσική. Η μουσική είναι η ψυχή μου! Διάσημα είναι και άλλα λόγια του συνθέτη, στα οποία μιλά για τη μεγάλη σημασία της λαϊκής μουσικής:
"Κλασσικός - μετάφραση από τα λατινικά - καλύτερο, υποδειγματικό. «Η μουσική δημιουργείται από τους ανθρώπους και εμείς - οι συνθέτες - την κανονίζουμε μόνο 2 " Επιβεβαιώνει αυτή την ιδέα με την περίφημη φαντασία του για συμφωνική ορχήστρα«Καμαρίνσκαγια». ΜΙ. Ο Γκλίνκα χρησιμοποίησε δύο μελωδίες ρωσικών λαϊκών τραγουδιών στη φαντασία του για μια συμφωνική ορχήστρα: «Λόγω των βουνών, ψηλά βουνά» και «Καμαρίνσκαγια» 3 . Και τα δύο τραγούδια αλλάζουν συνεχώς την εμφάνισή τους, όπως η διάθεση ενός ανθρώπου. Το έργο ξεκινά με μια μικρή επική εισαγωγή, σαν να μας λέει ο συνθέτης: «Μια φορά κι έναν καιρό...»
Στο "Kamarinskaya" ο συνθέτης πραγματοποίησε το μουσικό του όνειρο, μια εφεύρεση. Η μουσική του έργου είναι περίεργη και απρόβλεπτη. Ίσως αυτή είναι μια εικόνα της αγροτικής ζωής, της φύσης ή η εικόνα ενός Ρώσου που άλλοτε είναι λυπημένος και άλλοτε χαρούμενος.
Τα όργανα μιας συμφωνικής ορχήστρας συμμετέχουν στη δημιουργία μουσικών εικόνων στη συμφωνική φαντασίωση του Μ. Γκλίνκα. Μιμούνται τα ηχοχρώματα των ρωσικών λαϊκών οργάνων. Τα ξύλινα πνευστά δημιουργούν έναν απλό, ειλικρινή ήχο ενός οίκτου, ενός σωλήνα, μιας κόρνας. Τα έγχορδα όργανα αναπαράγουν τη χαρούμενη μελωδία των μπαλαλάικων.
5. Ακούγοντας: συμφωνική φαντασία "Kamarinskaya"
6. Τραγούδι:
7. Περίληψη μαθήματος
8. Εργασία για το σπίτι
Ρωσική μουσική του 19ου αιώνα. - Αυτή είναι μια φωτεινή και λαμπρή εποχή στην ανάπτυξη της μουσικής κουλτούρας. Συνδέεται με τη διαμόρφωση μιας εθνικής σύνθεσης και σχολής παραστάσεων παγκόσμιας σημασίας. Η εισαγωγή των καλύτερων μουσικών επιτευγμάτων της Δυτικής Ευρώπης είχε ευεργετική επίδραση στη γενική φύση της ανάπτυξής της και η πρωτοτυπία και η πρωτοτυπία καθόρισαν σε μεγάλο βαθμό την τήρηση των λαϊκών παραδόσεων. Τον 19ο αιώνα Εμφανίστηκαν νέα είδη φωνητικής και συμφωνικής μουσικής. Έχουν γίνει μεγάλα βήματα στην τέχνη της όπερας. Το έργο τέτοιων υπέροχων Ρώσων συνθετών όπως οι M.I. Glinka, M.P. Mussorgsky, A.P. Ο Borodin, N.A. Rimsky - Korsakov, P.I. Tchaikovsky, μπήκε στο θησαυροφυλάκιο του παγκόσμιου μουσικού πολιτισμού.
Ειδύλλια "Μην πειράζεις" "Αμφιβολία"; «Μην τραγουδάς, ομορφιά, μπροστά μου» «Θυμάμαι μια υπέροχη στιγμή». Συμφωνική μουσική "Kamarinskaya"; "Αραγονέζικη jota"; "Νύχτα στη Μαδρίτη"; Ρωσική εθνική όπερα «Μια ζωή για τον Τσάρο» («Ιβάν Σουσάνιν»). Όπερα-παραμύθι "Ρουσλάν και Λιουντμίλα".
Μ.Α. Balakirev (1836 – 1910); Τσ.Α. Cui (1835 – 1918); Ο Α.Π. Borodin (1833 – 1887); Μ.Π. Mussorsky (1839 – 18810; N.A. Rimsky-Korsakov ().
Ο διοργανωτής και ο ιδεολογικός εμπνευστής αυτής της φιλικής ένωσης, που δημιουργήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1850, ήταν ο Mily Alekseevich Balakirev, ένας υπέροχος πιανίστας και συνθέτης που κατάφερε να ενώσει γύρω του όχι μόνο λάτρεις της μουσικής, αλλά και ταλαντούχους ερμηνευτές και συνθέτες. Οι εξαιρετικές του ικανότητες, οι άριστες εκτελεστικές και καλλιτεχνικές του ικανότητες, οι ευέλικτες μουσικές γνώσεις και το οξυδερκές, διορατικό μυαλό του τον χαροποιούσαν και του παρείχαν ακλόνητη εξουσία.
Μ.Α. Ο Μπαλακίρεφ είναι συγγραφέας πολλών υπέροχων έργων. Δημιούργησε μουσική για την τραγωδία «King Lear», συμφωνικά ποιήματα «Tamara» βασισμένα σε ποιήματα του M.Yu. Lermontov, “Rus” και “In the Czech Republic”, “Spanish Overture”, “Overture on the Themes of Three Russian Songs”. Για το πιάνο, το αγαπημένο του μουσικό όργανο, δημιούργησε μια ανατολίτικη φαντασία «Islamey», εμπνευσμένη από τις εντυπώσεις του από ένα ταξίδι στον Καύκασο. Σαράντα ειδύλλια, σονάτες, μαζούρκες, νυχτερινά και βαλς, συλλογές ρωσικών τραγουδιών είναι τα καλύτερα επιτεύγματα του συνθέτη.
Η δημιουργική κληρονομιά του συνθέτη είναι αρκετά εκτεταμένη: 14 όπερες, μεταξύ των οποίων «The Son of a Mandarin» (1859), «William Ratcliffe» (μετά τον Heinrich Heine, 1869), «Angelo» (βασισμένο στο δράμα του Victor Hugo, 1875), "Saracen" (μετά βασισμένο στην πλοκή του πατέρα του Αλέξανδρου Δουμά, 1898), "Η κόρη του καπετάνιου" (μετά τον A. S. Pushkin, 1909), 4 παιδικές όπερες. Έργα για ορχήστρα, μουσικά σύνολα δωματίου, πιάνο, βιολί, τσέλο. χορωδίες, φωνητικά σύνολα, ρομάντζα (πάνω από 250), που διακρίνονται από λυρική εκφραστικότητα, χάρη, λεπτότητα φωνητικής απαγγελίας The Mandarin's Son 1859 William Ratcliffe στον Heinrich Heine 1869 Angelo πλοκή του δράματος από τον Victor Hugo 1875 The Du Saramasen από τον Alexandre Saracen 1898 The Captain's Daughter to A. S. Pushkin 1909 ειδύλλια για πιάνο βιολί βιολί Chely
Ο Alexey Porfirievich Borodin, ως σημαντικός επιστήμονας και χημικός, αφιέρωσε όλο τον χρόνο του στην επιστημονική έρευνα. Κατά τη δική του ομολογία, έπρεπε να συνθέτει μουσική μόνο σε περιόδους ασθένειας. Η μουσική δημιουργική κληρονομιά του συνθέτη είναι μικρή, αλλά η συμβολή του στην ανάπτυξη της ρωσικής μουσικής κουλτούρας είναι σημαντική. Τα έργα του Borodin αποτελούν τη δόξα και το καμάρι της ρωσικής μουσικής. Τρεις συμφωνίες. 15 ειδύλλια βασισμένα σε ποιήματα Ρώσων ποιητών. Η μοναδική όπερα "Prince Igor"
Η δημιουργική κληρονομιά του Modest Petrovich Mussorgsky, ενός από τους εξέχοντες Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα, είναι τεράστια και μοναδική. Η σύντομη ζωή του σημαδεύτηκε από λαμπρά έργα στον τομέα της συμφωνικής και της οπερατικής μουσικής. Μετά την αποφοίτησή του από τη σχολή σημαιοφόρων φρουρών, εγκατέλειψε τη λαμπρή στρατιωτική του καριέρα και αποσύρθηκε το 1858 με τη μόνη σκέψη - να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη μουσική. Το ένα μετά το άλλο, δημιουργεί μια ολόκληρη σειρά από μουσικά αριστουργήματα, σηματοδοτώντας μια νέα εποχή στην ιστορία της μουσικής τέχνης.
Μια φωτεινή σελίδα της ρωσικής μουσικής κουλτούρας του 19ου αιώνα. Συνδέεται με το έργο του Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. Η αρχή της μουσικής του καριέρας ήταν λαμπρή. Το 1867 ζωγράφισε τον συμφωνικό πίνακα "Sadko" βασισμένος στο διάσημο έπος του Νόβγκοροντ. Ένα χρόνο αργότερα, ο συνθέτης έγραψε μια συμφωνική εικόνα "Antar" βασισμένη στην πλοκή των αραβικών λαϊκών παραμυθιών. Αργότερα, το 1888, ο Rimsky-Korsakov στράφηκε ξανά σε ανατολίτικα μοτίβα στη σουίτα "Scheherazade" βασισμένη σε μεσαιωνικά αραβικά παραμύθια από τη διάσημη συλλογή "Χίλιες και μία νύχτες"
Όπερες «The Pskov Woman», «The Tsar's Bride», «The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia», «The Snow Maiden», «The Tale of Tsar Saltan», «The Golden Cockerel», «Kashchei the Immortal», «May Night», «The Night Before Merry Christmas», «Mozart and Salieri»; Περίπου 80 ειδύλλια ("Η θυελλώδης μέρα έχει σβήσει", "Όχι ο άνεμος, που φυσάει από τα ύψη", "Η ιπτάμενη κορυφογραμμή των σύννεφων αραιώνει")
Η ζωή του εξαιρετικού Ρώσου συνθέτη Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) κάλυψε μόλις 53 χρόνια και ο εκτενής κατάλογος των έργων που δημιούργησε περιλαμβάνει δέκα όπερες, τρία μπαλέτα, εννέα προγραμματικές συμφωνίες, συναυλίες, κουαρτέτα, μουσική για δραματικές παραστάσεις, περισσότερα από εκατό ειδύλλια και πολλά άλλα.δοκίμια. Ο Τσαϊκόφσκι είπε: «Έμπνευση είναι ένας επισκέπτης που δεν του αρέσει να επισκέπτεται τους τεμπέληδες. εμφανίζεται σε όσους την αναγνωρίζουν».
Ο Τσαϊκόφσκι κατάφερε να βρει το δικό του μοναδικό και πρωτότυπο στυλ, το οποίο καθόρισε την ιδιαίτερη θέση του στην ιστορία της παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Στον τομέα της συμφωνικής μουσικής, ανέπτυξε το είδος του προγραμματικού συμφωνικού ποιήματος («φαντασία» ή «ουβερτούρα - φαντασία»). Οι όπερες κατέχουν σημαντική θέση στο έργο του Τσαϊκόφσκι. Τα καλύτερα έργα όπερας του συνθέτη είναι ο Ευγένιος Ονέγκιν και η Βασίλισσα των Μπαστούνι. Η μουσική μπαλέτου του P.I. φωτίζεται με ένα υπέροχο ρομαντικό φως. Τσαϊκόφσκι, στο οποίο εμφανίζεται όχι μόνο ως λαμπρός μεταρρυθμιστής, αλλά και ως πρωτοπόρος. Ο μουσικοκριτικός G.A. Ο Laroche έγραψε: «Όσον αφορά τη μουσική, η Λίμνη των Κύκνων είναι το καλύτερο μπαλέτο που έχω ακούσει ποτέ…»
Οι απαρχές της ρωσικής μουσικής ανάγονται στη δημιουργικότητα των ανατολικών σλαβικών φυλών που κατοικούσαν στην επικράτεια της Αρχαίας Ρωσίας πριν από την εμφάνιση του πρώτου ρωσικού κράτους τον 9ο αιώνα. Τα παλαιότερα είδη ανατολικοσλαβικής μουσικής μπορούν να κριθούν υποθετικά από μεμονωμένα ιστορικά στοιχεία, υλικά από αρχαιολογικές ανασκαφές, καθώς και από ορισμένα στοιχεία επιβίωσης που διατηρούνται σε μεταγενέστερα παραδείγματα της λαογραφίας του τραγουδιού. Την εποχή του σχηματισμού του αρχαίου ρωσικού κράτους με κέντρο το Κίεβο, το δημοτικό τραγούδι κατείχε σημαντική θέση στην οικογενειακή και κοινωνική ζωή και ήταν γνωστά μουσικά όργανα διαφόρων τύπων. Ήδη τον 6ο αιώνα, το gusli ήταν ένα από τα αγαπημένα όργανα των Σλάβων.
Η τελετουργική λαογραφία που σχετίζεται με παγανιστικές θρησκευτικές πεποιθήσεις και τελετουργικές ενέργειες που αναπτύχθηκαν κατά την εποχή του κοινοτικού-φυλετικού συστήματος έγινε ευρέως διαδεδομένη. Πολλές ειδωλολατρικές τελετουργίες συνέχισαν να ζουν μεταξύ των ανθρώπων ακόμη και μετά την εισαγωγή του Χριστιανισμού στη Ρωσία (τέλη 10ου αιώνα), παρά τη σφοδρή καταδίκη και τον διωγμό από την εκκλησία. Μέχρι τον 17ο αιώνα, οι εκκλησιαστικές αρχές εξέδιδαν διατάγματα και επιστολές εναντίον των «δαιμονικών» παιχνιδιών και τραγουδιών που αγαπούσε ο λαός. Με τον καιρό, ο παγανισμός ως αναπόσπαστο σύστημα πεποιθήσεων και ιδεών για τον κόσμο έσβησε και το παγανιστικό τελετουργικό, χάνοντας το μαγικό-λατρευτικό του νόημα, έγινε στοιχείο του παιχνιδιού. Ταυτόχρονα όμως διατηρήθηκαν οι εξωτερικές μορφές του τελετουργικού και κάποιες όψεις που ρύθμιζαν την εκτέλεσή του.
Στην Αρχαία Ρωσία δεν υπήρχαν ανεπτυγμένες μορφές επαγγελματικής κοσμικής μουσικής, που καθόριζαν έναν ιδιαίτερα μεγάλο ρόλο της λαογραφίας στη ζωή της κοινωνίας. Το δημοτικό τραγούδι δεν υπήρχε μόνο στις εργατικές μάζες, αλλά και στους ανώτατους φεουδαρχικούς κύκλους, μέχρι την πριγκιπική αυλή. Οι κύριοι φορείς της κοσμικής καλλιτεχνικής κουλτούρας ήταν οι μπουφόν, οι οποίοι ήταν ένας τύπος μεσαιωνικού συγκρετικού ηθοποιού και μουσικού. Διέφεραν ως προς την κοινωνική θέση και τη φύση της τέχνης τους. Οι περιπλανώμενοι μπουφόν που εμφανίζονταν μπροστά στον απλό κόσμο στους δρόμους και τις πλατείες ήταν έξω από την κοινωνική ιεραρχία της φεουδαρχικής κοινωνίας και στερούνταν κάθε δικαιώματος. Οι «υπηρέτες» μπουφόν, που ήρθαν στην υπηρεσία των φεουδαρχών και των πριγκίπων, ήταν πιο εύποροι και απολάμβαναν την προστασία του προστάτη τους. Μεταξύ των μπουφούνων υπήρχαν guslars, gudoshniks και "svirtsy" (ερμηνευτές σε πρωτόγονα πνευστά). Το ρεπερτόριό τους αποτελούνταν κυρίως από δημοτικά τραγούδια και χορούς. Μόνο τον 17ο αιώνα, υπό την επίδραση των γενικών πολιτιστικών αλλαγών, η μπουφονιά έχασε τη σημασία της και απωθήθηκε από τις κεντρικές περιοχές της Ρωσίας στα βόρεια προάστια.
Με την υιοθέτηση του Χριστιανισμού ως κρατικής θρησκείας στα τέλη του 10ου αιώνα, άρχισε να αναπτύσσεται η εκκλησιαστική μουσική. Οι μορφές του παλαιού ρωσικού εκκλησιαστικού τραγουδιού, και σε μεγάλο βαθμό, πιθανώς ακόμη και οι μελωδίες του, δανείστηκαν από το Βυζάντιο. Από εκεί υιοθετήθηκε το σύστημα στερέωσής τους με τη βοήθεια ενός ειδικού είδους συμβατικών πινακίδων, που ήταν ένα είδος μη αριθμητικής γραφής.
Ως αποτέλεσμα της επανεξέτασης των δανεικών βυζαντινών μορφών, προέκυψε ένας εντελώς πρωτότυπος τύπος αρχαίας ρωσικής τραγουδιστικής τέχνης - znamenny singing ή znamenny chant. Δεν είναι δυνατό να εντοπιστούν τα στάδια αυτής της διαδικασίας, καθώς οι πρώιμες μορφές της γραφής Znamenny δεν έχουν αποκρυπτογραφηθεί.
Τα πρώτα γνωστά μνημεία της αρχαίας ρωσικής μουσικής γραφής χρονολογούνται στα τέλη του 11ου - αρχές του 12ου αιώνα. Παράλληλα, υπήρχε προφορική παράδοση στην άσκηση του εκκλησιαστικού τραγουδιού. Μόνο στους XV - XVII αιώνες. Όλοι οι τύποι εκκλησιαστικών ψαλμωδών «βάζονταν στο πανό» και το τραγούδι «στα αγκίστρια» (ο γάντζος είναι το πιο κοινό σημάδι του γράμματος znamenny) τέθηκε σε γενική χρήση.
Τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά της αρχαίας ρωσικής τραγουδιστικής τέχνης ήταν: αυστηρά συνεπής μονοφωνία, χωρίς συνοδεία οργάνων, ομαλότητα μελωδικής κίνησης, απουσία αλμάτων σε μεγάλα διαστήματα, στενή σύνδεση της μελωδίας με το λεκτικό κείμενο, που αποτελείται από γραμμές άνισου μήκους, όπως συνέπεια αυτού - ελευθερία της μετρορυθμικής οργάνωσης, ασυμμετρία της δομής των μελωδιών, οικοδόμηση μιας μελωδίας βασισμένης σε έτοιμες αγιοποιημένες φόρμουλες μέσω της συνένωσής τους και του μετασχηματισμού παραλλαγής. Το άθροισμα των ψαλτικών τύπων που συνθέτουν το μελωδικό ταμείο του τραγουδιού znamenny καλύφθηκε από το σύστημα osmoglas.
Στη Ρωσία του Κιέβου, μαζί με το συνηθισμένο znamenny, υπήρχε ένα ιδιαίτερο είδος τραγουδιού kondakar, που διακρίνεται από μια πληθώρα μελωδικών διακοσμήσεων και μακροσκελής ψαλμωδίες συλλαβών.
Μετά την κατάρρευση της Ρωσίας του Κιέβου, προέκυψαν μια σειρά από σχολές τραγουδιού, μεταξύ των οποίων ξεχώρισε ιδιαίτερα το Νόβγκοροντ. Κατά την περίοδο του φεουδαρχικού κατακερματισμού, το Νόβγκοροντ ήταν ο κύριος θεματοφύλακας των αρχαίων ρωσικών τραγουδιστικών παραδόσεων. Από τα τέλη του 14ου αιώνα, η Μόσχα αναδείχθηκε ως ένα πανρωσικό κέντρο τραγουδιστικής τέχνης, ενώνοντας και συνθέτοντας τα επιτεύγματα των τοπικών σχολείων.
Τον 16ο αιώνα, δημιουργήθηκε μια υποδειγματική χορωδία από κυρίαρχους γραφείς τραγουδιού, η οποία, εκτός από τη συμμετοχή σε βασιλικές ακολουθίες, εκτελούσε καθήκοντα επιθεώρησης της κατάστασης του εκκλησιαστικού τραγουδιού στη χώρα.
Στα μέσα του 16ου αιώνα, εμφανίστηκε μια σχολή τραγουδιστών και τραγουδιστών της Μόσχας, η οποία έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της εκκλησιαστικής τέχνης. Ο Savva Rogov θεωρείται ο ιδρυτής του· ο Fyodor Krestyanin, ο Ivan Nos και ο Stefan Golysh ήταν διάσημοι μεταξύ των μαθητών και των οπαδών του.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, το άσμα znamenny έφτασε στο αποκορύφωμά του και προέκυψαν πολλές μελωδικές παραλλαγές. Από το άσμα znamenny διακλαδίστηκαν ειδικές ποικιλίες μονωδικού χορωδιακού τραγουδιού - ντεμεσικό άσμα και ταξιδιωτικό άσμα.
Ο 17ος αιώνας ήταν ένα σημείο καμπής στην ιστορία της ρωσικής μουσικής, ολοκληρώνοντας την αρχαία και ταυτόχρονα προετοιμάζοντας μια νέα περίοδο ανάπτυξής της. Η κρίση της μεσαιωνικής κοσμοθεωρίας, η κατάρρευση της συνήθους δομής των εννοιών και των απόψεων, αποτυπώθηκε σε διαμάχες για ζητήματα εκκλησιαστικού τραγουδιού, στις οποίες συγκρούστηκαν δύο κατευθύνσεις. Ο ένας από αυτούς προσπάθησε να ενισχύσει την παλιά παράδοση μέσω μερικών μεταρρυθμίσεων, ο άλλος πρότεινε και υπερασπίστηκε νέες μορφές που συνδέονται με ένα διαφορετικό σύστημα αισθητικών απόψεων, μια διαφορετική κατανόηση της τέχνης στη ζωή.
Στα μέσα του 17ου αιώνα εισήχθησαν τα σήματα κιννάβαρου (γράμματα που τοποθετούνταν πάνω από την κύρια σειρά τραγουδιστικών πινακίδων και δήλωναν το ακριβές ύψος του ήχου). Αυτό το σύστημα βασίζεται στη λεγόμενη καθημερινή κλίμακα των δώδεκα διατονικών βημάτων, που χωρίζονται σε τέσσερις «συμφωνίες». Μαζί με την ανάπτυξη και τη συστηματοποίηση των θεωρητικών θεμελίων του τραγουδιού Znamenny τον 17ο αιώνα, έλαβε χώρα ο περαιτέρω μελωδικός εμπλουτισμός του, προέκυψαν νέα άσματα και οι παραλλαγές τους, στυλ τραγουδιού ή όπως ονομάζονταν τότε άσματα - Κίεβο άσμα, βουλγαρικό άσμα, ελληνικό άσμα. .
Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα καθιερώθηκε ένα νέο στυλ χορωδιακής πολυφωνίας - το τραγούδι partes, το οποίο αναπτύχθηκε αρχικά στην Ουκρανία και τη Λευκορωσία (N. Diletsky, I. Korenev). Οι απλούστεροι τύποι τραγουδιού partes βασίστηκαν στις μελωδίες του znamenny. Η υψηλότερη μορφή τραγουδιού partes ήταν η χορωδιακή συναυλία a cappella για 8-12 ή περισσότερες φωνές.
Τον 17ο αιώνα, το τσέμπαλο, το όργανο και άλλα ευρωπαϊκά όργανα εμφανίστηκαν στην αυλή και στα σπίτια των διαφωτισμένων Ρώσων βογιάρων και δημιουργήθηκαν οικιακά ορχηστρικά παρεκκλήσια. Η μουσική κατέλαβε μεγάλη θέση στο αυλικό θέατρο (1672 - 1676).
Ορισμένες από τις στυλιστικές μορφές και τα είδη της ρωσικής μουσικής που αναπτύχθηκαν τον 17ο αιώνα συνέχισαν να ζουν και τον επόμενο αιώνα. Έτσι, η συναυλία partes παρέμεινε το πιο σημαντικό είδος δημιουργικότητας των Ρώσων συνθετών μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα. Μεταξύ των πολλών δασκάλων του είναι οι N. Kalashnikov, N. Bavykin, F. Redrikov.
Κάτω από την άμεση επίδραση των προοδευτικών δημοκρατικών τάσεων στη ρωσική κοινωνική σκέψη και λογοτεχνία, σχηματίστηκε μια εθνική σχολή συνθετών στο τελευταίο τρίτο του 18ου αιώνα. Οι εκπρόσωποί της προσπάθησαν να συνδυάσουν στο έργο τους τις υφολογικές αρχές και μορφές του πρώιμου ευρωπαϊκού κλασικισμού με θέματα και εικόνες από τη ρωσική ζωή, με τη μελωδική δομή των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. Εμφανίστηκαν οι πρώτες έντυπες συλλογές λαϊκών τραγουδιών - Trutovsky, Lvov και Prach. Πολλές από τις ηχογραφήσεις λαϊκών μελωδιών που περιέχονταν σε αυτές χρησιμοποιήθηκαν από συνθέτες.
Το είδος της όπερας κατείχε τη σημαντικότερη θέση στο έργο των συνθετών του 18ου αιώνα. Οι πιο εξέχοντες συνθέτες αυτής της εποχής ήταν οι V.A. Pashkevich, E.I. Fomin, D.S. Bortnyansky, M. Berezovsky, I. Khandoshkin και άλλοι.
Εισαγωγή
1. Η κουλτούρα του τραγουδιού της Ρωσίας τον 19ο αιώνα
2. Ρωσική σχολή σύνθεσης
2.1 Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα
2.2 Alexander Sergeevich Dargomyzhsky
2.3 "The Mighty Handful"
2.4 Πιότρ Ίλιτς Τσαϊκόφσκι
3. Ρωσική μουσική κουλτούρα των αρχών του 20ου αιώνα.
συμπέρασμα
Βιβλιογραφία
Εισαγωγή
Η Ρωσία τον 19ο αιώνα έκανε ένα τεράστιο άλμα στην ανάπτυξη του πολιτισμού και συνέβαλε ανεκτίμητη στον παγκόσμιο πολιτισμό. Αυτό ήταν προκαθορισμένο από διάφορους λόγους. Η πολιτιστική άνοδος οφειλόταν στη διαδικασία διαμόρφωσης του ρωσικού έθνους κατά τη μετάβαση σε νέες καπιταλιστικές σχέσεις και την ανάπτυξη της εθνικής αυτοσυνειδησίας. Ένας άλλος παράγοντας που συνέβαλε στην εντατική ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού είναι η στενή αλληλεπίδραση με τους πολιτισμούς άλλων χωρών και λαών. Η δυτικοευρωπαϊκή κοινωνική σκέψη είχε μεγάλη επιρροή στη ρωσική κουλτούρα. Η ρωσική κοινωνία αποδέχτηκε τα προηγμένα επιτεύγματα των πολιτισμών των ευρωπαϊκών χωρών, διατηρώντας παράλληλα την πρωτοτυπία του εθνικού της πολιτισμού. Η διανόηση αρχίζει να συμμετέχει ενεργά στην ανάπτυξη του εθνικού πολιτισμού. Στην αρχή, αυτό το κοινωνικό στρώμα σχηματίστηκε από τους ευγενείς και τους κληρικούς, αλλά ήδη από τον 18ο αιώνα. εμφανίζονται κοινοί και στις αρχές του 19ου αι. - δουλοπάροικη διανόηση (ηθοποιοί, καλλιτέχνες, αρχιτέκτονες, μουσικοί, ποιητές). Τον 18ο - το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, ο κύριος ρόλος στην πολιτιστική ανάπτυξη ανήκε στην ευγενή διανόηση, στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - στους απλούς ανθρώπους. Οι απλοί άνθρωποι περιελάμβαναν μορφωμένους εκπροσώπους της φιλελεύθερης και δημοκρατικής αστικής τάξης, αξιωματούχους, κτηνοτρόφους, εμπόρους και αγρότες. Γι' αυτό τον 19ο αιώνα. Στη Ρωσία υπάρχει μια διαδικασία εκδημοκρατισμού του πολιτισμού. Ο αριθμός των συγγραφέων, ποιητών, καλλιτεχνών, συνθετών, επιστημόνων από μη προνομιούχες τάξεις αυξάνεται.
Σε αυτό το δοκίμιο θα προσπαθήσω να δώσω μια γενική περιγραφή της μουσικής κουλτούρας της Ρωσίας τον 19ο και τις αρχές του 20ου αιώνα, για να εντοπίσω την προέλευση και τη συνέχεια της ρωσικής μουσικής τέχνης. Είναι απαραίτητο να τονιστεί η σημασία της μελέτης της ιστορίας του πολιτισμού, αφού το παρόν βασίζεται στο παρελθόν. Ακόμη και τα πιο επαναστατικά μουσικά έργα της εποχής μας επηρεάζονται είτε άμεσα είτε έμμεσα από το παρελθόν. Ο σκοπός του δοκιμίου είναι να αναλύσει την κατάσταση της μουσικής κουλτούρας στη Ρωσία τον 19ο και στις αρχές του 20ου αιώνα, να εντοπίσει τα χαρακτηριστικά της, να μιλήσει για τους συνθέτες αυτής της εποχής και τα έργα τους και επίσης να ανακαλύψει τη σημασία της ρωσικής μουσικής εκείνης της περιόδου. για τον παγκόσμιο πολιτισμό.
1. Η κουλτούρα του τραγουδιού της Ρωσίας τον 19ο αιώνα
Τον 19ο αιώνα Οι Ρώσοι συνθέτες έδωσαν μεγάλη προσοχή στη μελέτη της λαογραφίας και θεωρούσαν τη λαϊκή μουσική πηγή έμπνευσης. Συγκέντρωναν δημοτικά τραγούδια και τα χρησιμοποιούσαν συχνά στα έργα τους. Εμφανίζονται νέα μουσικά είδη, παλιές φόρμες (καθημερινά τραγούδια, τραγούδια με θέμα την περιπλάνηση, σατιρικά τραγούδια) μεταμορφώνονται υπό την επίδραση των νέων συνθηκών ζωής, αλλάζει η φύση των εικόνων και των τονικών-εκφραστικών μέσων. Μεγάλα κοινωνικοπολιτικά γεγονότα εθνικής σημασίας αποτυπώνονται στα καθημερινά δημοτικά τραγούδια. Ο Πατριωτικός Πόλεμος του 1812 αντικατοπτρίστηκε ευρέως στα δημοτικά τραγούδια.Έχει φτάσει μέχρι εμάς ένας κύκλος τραγουδιών για το 1812 που σχετίζονται με την προφορική λαογραφική παράδοση. Έχουν μεγάλη ποικιλία ως προς το περιεχόμενο και τις μουσικές και ποιητικές φόρμες τους. Αυτός ο πόλεμος έγινε η αιτία για την εμφάνιση λυρικών τραγουδιών που κατέλαβαν βαθιά εθνική θλίψη, θλίψη, θλίψη που προκλήθηκε από τις καταστροφές της πατρίδας, την καταστροφή της πατρίδας τους και το θάνατο αγαπημένων προσώπων.
Το ρωσικό λαϊκό τραγούδι κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα και διανεμήθηκε σε πολλές πρωτότυπες διασκευές - για χορωδία, φωνή με συνοδεία και μεμονωμένα όργανα. Το 1806 - 1815, η συλλογή του Pracha επανεκδόθηκε πολλές φορές. Στη βάση του, δημιουργήθηκαν συλλογές τραγουδιών δημοσίως προσβάσιμου τύπου.
Η Danila Kashin, που καταγόταν από τη δουλοπαροικία, απέκτησε μεγάλη φήμη και δημιούργησε πολλές διασκευές λαϊκών τραγουδιών. Το 1833-1834. Η συλλογή του «Ρωσικά δημοτικά τραγούδια» εκδόθηκε σε τρία μέρη. Στη δεκαετία του σαράντα, η συλλογή επανεκδόθηκε, γεγονός που υποδηλώνει τη δημοτικότητά της.
Ο Ιβάν Ρούπιν συνέλεξε επίσης αγροτικά τραγούδια και τα επεξεργάστηκε· το έργο του χαρακτηρίζεται από μια σύνθεση λαϊκών τραγουδιών και αστικούς ρομαντικούς τόνους. Το επώνυμό του προφερόταν από τους συγχρόνους του με την ιταλική κατάληξη - Rupini, που υποδηλώνει τη φήμη του. Το 1831 εκδόθηκε η συλλογή τραγουδιών του. Ταυτόχρονα με τις καθημερινές μεταγραφές των δημοτικών τραγουδιών, αναπτύσσεται ένα λυρικό συναισθηματικό ειδύλλιο. Σε αυτό το είδος, η απλότητα των μέσων συνδυάζεται με τον αυθορμητισμό και την ειλικρίνεια της έκφρασης. Οι συνθέτες Alyabyev, Varlamov, Gurilev και Verstovsky είχαν μεγάλη σημασία στην εξέλιξη του ρωσικού ρομαντισμού του 19ου αιώνα.
Ο Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851) ήταν από τους ευγενείς. Υπηρέτησε στο στρατό και πήρε μέρος στον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812. Μετά τη σύνταξη, αφοσιώθηκε στη δημιουργικότητα. Ο Alyabyev είναι ο συγγραφέας δημοφιλών ρομάντζων: "Σε αγάπησα", "Winter Road" (και τα δύο βασίζονται σε ποιήματα του A.S. Pushkin), "The Nightingale" και άλλα. Το «The Nightingale» είναι ένα από τα πιο διάσημα τραγούδια του Alyabyev. Τα πάντα σχετικά με αυτό είναι απλά και ταυτόχρονα ειλικρινή. Το τραγούδι προηγείται εισαγωγή για πιάνο. Από τους πρώτους τόνους του φωνητικού μέρους ξεδιπλώνεται μια σαγηνευτικά ομαλή, στοχαστική μελωδία. Σαγηνεύει αμέσως με την πνευματικότητά της.
Συνθέτης Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - συγγραφέας δημοφιλών ρομάντζων. Δημιούργησε περισσότερα από εκατό έργα αυτού του είδους, βασισμένα κυρίως σε ποιήματα Ρώσων ποιητών ("Red Sundress", "A Blizzard is Sweeping Along the Street", "At Dawn Don't Wake Her Up", "The Lonely Sail Is Λευκό», κ.λπ.). Ο Varlamov διακρίθηκε επίσης ως τραγουδιστής, μαέστρος, κιθαρίστας και δάσκαλος. Είναι συγγραφέας ενός εγχειριδίου για τραγουδιστές - "The Complete School of Singing" (1840).
Ο Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) ήταν γιος ενός δουλοπάροικου μουσικού. Ο συνθέτης, πιανίστας, βιολιστής, βιολίστας και δάσκαλος, ο Gurilev είναι γνωστός ως συγγραφέας τραγουδιών και ρομάντζων. Τα πιο γνωστά είναι τα τραγούδια του «Mother Dove», «Bell», «Sarafan», «Swallow Floats» και τα ειδύλλια «Separation» και «You Can’t Understand My Sadness». Εκτός από τους φωνητικούς στίχους, ο συνθέτης εργάστηκε στα είδη της μουσικής για πιάνο, συνέλεξε και διασκεύασε δημοτικά τραγούδια.
Το έργο των Alyabyev, Varlamov και Gurilev είναι μια ανεκτίμητη συνεισφορά στο θησαυροφυλάκιο της ρωσικής μουσικής. Τα τραγούδια και τα ειδύλλια τους περιλαμβάνονται ακόμα στο ρεπερτόριο των συναυλιών των τραγουδιστών, των χορωδιών και ερμηνεύονται από απλούς ανθρώπους.
- Σε επαφή με 0
- Google+ 0
- Εντάξει 0
- Facebook 0
