Διάσημοι πίνακες του Gustav Klimt. Κατάλογος πινάκων του Gustav Klimt και οι περιγραφές τους με τίτλους. Τελευταία χρόνια ζωής και μεταθανάτια επιτυχία

Ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους του παρελθόντος είναι ο Gustav Klimt, του οποίου οι πίνακες έχουν μεγάλη ζήτηση σήμερα. Δυστυχώς, δεν υπάρχουν τόσα πολλά από τα έργα του και όλα έχουν βρει εδώ και καιρό τη θέση τους στις καλύτερες συλλογές του κόσμου. Όταν όμως συμβαίνει ένα θαύμα και οι πίνακές του βγαίνουν σε δημοπρασία, η αξία τους είναι υπέροχη.

η αρχή του χρόνου

Ένας άνθρωπος του οποίου το όνομα είναι γνωστό σε κάθε διανοούμενο σήμερα γεννήθηκε κοντά στην αυστριακή πρωτεύουσα, στην πόλη Baumgarten. Ο Γκούσταβ, που γεννήθηκε στις 14 Ιουλίου 1862, ήταν το δεύτερο παιδί. Ο πατέρας του ήταν χαράκτης και κοσμηματοπώλης, γι' αυτό έδωσε σε όλα του τα πολλά παιδιά τα πρώτα τους μαθήματα στη χειροτεχνία. Η οικογένεια ζούσε άσχημα, αλλά σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών το νεαρό ταλέντο μπήκε σε μια σχολή τεχνών και χειροτεχνίας. Εκεί, ο Gustav Klimt, του οποίου οι πίνακες εκπλήσσουν όλους ανεξαιρέτως, σπούδασε με διακεκριμένους ανθρώπους όπως ο Ferdinand Laufberger και ο Julius Victor Berger. Λίγα χρόνια αργότερα, ο μικρότερος αδερφός του καλλιτέχνη, ο Ernst, μπήκε επίσης στο ίδιο ίδρυμα. Μαζί ζωγράφισαν πορτρέτα ευγενών πολιτών από φωτογραφίες και τα πούλησαν για έξι φιορίνια. Αυτό ήταν το πρώτο τους ανεξάρτητο εισόδημα.

Τα πρώτα βήματα στην τέχνη

Το 1879, ο καλλιτέχνης Gustav Klimt, ο αδερφός του και ο Franz von Mach σχεδίασαν την αυλή του Μουσείου Kunsthistorisches της Βιέννης, μετά την οποία έλαβαν την πρώτη τους σοβαρή παραγγελία. Από το παλάτι του Stureny («Τέσσερις αλληγορίες») και τα λουτρά στο Carlsbad, αναδύεται ένα ιδιαίτερο στυλ που θα ξεχωρίσει τους πίνακες του Gustav Klimt από τα έργα άλλων ζωγράφων. Ως εκ τούτου, το τρίο των καλλιτεχνών σταματά να συνεργάζεται και ο καθένας ξεκινάει το δικό του ταξίδι στη ζωή.

Βρίσκοντας το δικό σας στυλ

Ο καλλιτέχνης Klimt έλαβε σχεδόν αμέσως αναγνώριση από ένα απαιτητικό κοινό. Από τα χέρια του αυτοκράτορα Franz Joseph λαμβάνει τον Χρυσό Σταυρό για υπηρεσίες στην τέχνη μετά την ολοκλήρωση της εργασίας στο Burgtheater. Ως εκ τούτου, στέλνετε τον πλοίαρχο σε ένα ταξίδι στον Παλαιό Κόσμο, κατά τη διάρκεια του οποίου επισκέπτεται το Μόναχο και τη Βενετία. Αυτό το ταξίδι του έδωσε πολλές εντυπώσεις και έμπνευση για περαιτέρω δουλειά.

Έχοντας ολοκληρώσει τη ζωγραφική της κύριας σκάλας του Μουσείου Ιστορίας της Τέχνης της πρωτεύουσας, ο Gustav απομακρύνεται από το ακαδημαϊκό στυλ της ζωγραφικής. Το ιδιαίτερο στυλ ερμηνείας του έχει ήδη αποκτήσει την τελειωμένη του μορφή. Τα επόμενα χρόνια, ο καλλιτέχνης Gustav Klimt, τους πίνακες του οποίου κάθε συλλέκτης ονειρεύεται να έχει στην κατοχή του, έγινε μέλος της Ένωσης Καλών Τεχνών. Όμως το 1892 τον περιμένουν βαριές απώλειες: πρώτα πεθαίνει ο πατέρας του και μετά ο αδελφός του Ερνστ. Το 1894, ο Klimt, μαζί με τον επί χρόνια σύντροφό του Franz Matsch, διακόσμησαν το Πανεπιστήμιο της Βιέννης· πριν από αυτό, ο Gustav εργάστηκε στις αίθουσες του ουγγρικού κάστρου Esterházy.

Αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής

Οι εργασίες στους εσωτερικούς χώρους των χώρων, ιδιαίτερα η εκτέλεση αλληγορικών εικόνων, των τριών σχολών «Φιλοσοφία», «Νομολογία» και «Ιατρική» ώθησαν τον καλλιτέχνη να ζωγραφίσει καμβάδες. Ίδρυσε το Secession στη Βιέννη και έγινε πρόεδρός του, ζωγράφισε τα πρώτα του τοπία και άρχισε να ενδιαφέρεται για τον εξπρεσιονισμό. Οι πίνακες του Gustav Klimt εκείνης της περιόδου διακρίνονται από την αγάπη του για τα ψηφιδωτά και τις διακοσμητικές απεικονίσεις μορφών. Αυτό είναι ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα των έργων του πλοιάρχου στο μέλλον.

Ο Γκούσταβ Κλιμτ, οι πίνακες του οποίου βραβεύτηκαν με χρυσό μετάλλιο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι (πίνακας «Φιλοσοφία»), δημιουργεί τις τοιχογραφίες του Μπετόβεν. Αυτό το έργο του, που ολοκληρώθηκε το 1902, συζητήθηκε ζωηρά από το κοινό και ο Ροντέν το θαύμασε. Ο πλοίαρχος πηγαίνει ένα ταξίδι στην Ιταλία, γίνεται περιζήτητος και ο κόσμος τον ακούει. Το 1908, ο καλλιτέχνης οργάνωσε τη δική του έκθεση, όπου παρουσίασε δεκαέξι πίνακες. Δύο από αυτά αποκτήθηκαν αμέσως από έγκριτα ιδρύματα - η Πινακοθήκη Μοντέρνας Τέχνης στη Ρώμη και η Αυστριακή Κρατική Πινακοθήκη.

Στο Παρίσι, το οποίο επισκέφτηκε ο Κλιμτ το 1909, γνώρισε τα έργα των Τουλούζ Λωτρέκ, Βαν Γκογκ, Γκωγκέν, Ματίς, Μουνκ, Μπονάρ. Ένα χρόνο αργότερα, έλαβε μέρος στον ένατο πίνακα, «Θάνατος και Ζωή», ο οποίος εγκωμιάστηκε ιδιαίτερα στην Παγκόσμια Έκθεση του 1911 στη Ρώμη. Μετά από αυτό, ο καλλιτέχνης πηγαίνει ξανά σε ένα ταξίδι στην Ευρώπη.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής του μεγάλου ζωγράφου

Παρά την αγάπη του κοινού, τα έργα του Γκούσταβ Κλιμτ επικρίθηκαν από τους Εξπρεσιονιστές. Μετά τον θάνατο της μητέρας του το 1915, ο καλλιτέχνης επέλεξε όλο και περισσότερο τα σκούρα χρώματα στην παλέτα του. Συνεχίζει να συμμετέχει στις πιο σημαντικές εκθέσεις στον κόσμο, γίνεται επίτιμο μέλος της Ακαδημίας Τεχνών στο Μόναχο και τη Βιέννη και ζωγραφίζει αριστουργηματικούς πίνακες. Ο καλλιτέχνης πέθανε από καρδιακή προσβολή στις 6 Φεβρουαρίου 1918, αφήνοντας μεγάλο αριθμό ημιτελών έργων. Μετά από αυτόν έφυγαν και άλλοι μεγάλοι ζωγράφοι της εποχής εκείνης.

«Το φιλί» του Γκούσταβ Κλιμτ είναι ο πιο διάσημος πίνακας του καλλιτέχνη

Αυτό το έργο θεωρείται δικαίως ένα από τα καλύτερα μεταξύ της κληρονομιάς του πλοιάρχου. Δημιουργήθηκε το 1907 και αμέσως μετά την παρουσίασή του αγοράστηκε από την κυβέρνηση της Αυστροουγγαρίας. Συναισθηματικό, εκθαμβωτικά ζωηρό, «The Kiss» του Gustav Klimt αναγνωρίζεται ως η πιο εκφραστική εικόνα στην ιστορία της ζωγραφικής του εικοστού αιώνα. Τι το ιδιαίτερο έχει;

Υπάρχουν διάφοροι τύποι μοτίβων στον καμβά: διασκορπίσματα από διαφοροποιημένα λουλούδια, απλωμένες μπούκλες, σκακιστικό μοτίβο από μαύρα, άσπρα και πράσινα ορθογώνια, αραβουργήματα με κορδέλα, στριφτές σπείρες. Μια αφαίρεση φτιαγμένη από θραύσματα φυσιολατρικά ερμηνευμένων μορφών και φανταχτερά στολίδια φαίνεται απλά πολυτελής σε χρυσό φόντο. Το ζευγάρι, που απεικονίζεται στο κέντρο, αγκαλιάστηκαν και ενώθηκαν σε ένα παθιασμένο φιλί. Τα μωσαϊκά ρούχα των ερωτευμένων ενισχύουν μόνο την επίδραση των έντονων παθών, που δημιουργεί ο πλοίαρχος με τη βοήθεια διακοσμητικών λεπτομερειών και τη βαθιά αντίθεση τους με νατουραλιστικά στοιχεία. Το πρόσωπο, τα χέρια και τα πόδια του κοριτσιού είναι ζωγραφισμένα πολύ ρεαλιστικά. Αλλά τα μέρη του σώματος περιβάλλονται, και σε ορισμένα σημεία καλύπτονται πλήρως, από αεροπλάνα με ένα αφηρημένο μοτίβο που ταιριάζει με τα χρώματα στο έδαφος και την υφή του υφάσματος.

Ο πίνακας έχει την αγαπημένη μορφή του καλλιτέχνη - τετράγωνο. Ο Γκούσταβ αγνοεί τον ορίζοντα και το βάθος του χώρου, ωθεί την πραγματικότητα και τον τρέχοντα χρόνο στο παρασκήνιο. Έτσι, το φιλί ενός ερωτευμένου αγοριού και ενός κοριτσιού παίρνει παγκόσμια κλίμακα.

Συμβολισμός του "The Kiss"

Ο Gustav Klimt, του οποίου οι πίνακες έχουν πάντα νόημα, χρησιμοποίησε επίσης συμβολισμό στο "The Kiss". Έτσι, με την πρώτη ματιά, τα ορθογώνια που απεικονίζονται στα ρούχα ενός άνδρα έχουν μόνο διακοσμητικό νόημα. Αλλά αυτά είναι φαλλικά σύμβολα που αντιπροσωπεύουν την αρρενωπότητα. Συγχωνεύονται με τη γυναικεία αρχή, κρυπτογραφημένη στο μοτίβο της γυναικείας ρόμπας. Πρόκειται για σπείρες, κύκλους και οβάλ, που μπορούν να θεωρηθούν καλλιτεχνικά σημάδια των γυναικείων γεννητικών οργάνων. Αυτή η ένωση είναι αρμονική και ενεργητική, γεννά τη ζωή και τη συνεχίζει.

Ο καμβάς "Kiss" είναι εντελώς ασυνήθιστος και συγκλονιστικός. Όπως όλα τα προηγούμενα έργα, είχε θαυμαστές και σκληρούς αντιπάλους. Ωστόσο, σηματοδοτεί το υψηλότερο σημείο της λεγόμενης χρυσής περιόδου του έργου του καλλιτέχνη. Ο πίνακας έγινε το έμβλημα της Βιεννέζικης Απόσχισης, μαγνητίζοντας με τη χρυσή λάμψη, τον σιωπηλό ερωτισμό (εξάλλου, μόνο τα χέρια, τα πόδια και τα πρόσωπα των χαρακτήρων φαινόταν ανοιχτά στο μάτι) και την εμφανή αγνότητα.

Cherchez la femme, ή Ψάξε για γυναίκα

Το αγαπημένο μοτίβο του Gustav Klimt ήταν οι γυναίκες και το σώμα τους. Του άρεσε να ζωγραφίζει σκηνές από τη μυθολογία, βιβλικούς χαρακτήρες, Ολύμπιες θεές, νύμφες και συνηθισμένα κορίτσια που έγιναν απόκοσμα. Περιτριγυρισμένα από χρυσό φως (πολλά από τα έργα της ιδιοφυΐας είχαν ακριβώς ένα τόσο κομψό φόντο), έμοιαζαν να είναι το ιδανικό της ομορφιάς, όμορφα και σαγηνευτικά ταυτόχρονα. Ως αληθινός καλλιτέχνης, ειδωλοποίησε το ωραίο φύλο, το θείο δέος, τον αισθησιασμό, τον μυστικισμό και τη θηλυκότητά του.

Ζωγράφισε γυμνές γυναίκες στους καμβάδες του και μόνο τότε έντυσε το σώμα τους με υπέροχα, πολύτιμα ρούχα. Η μυστηριώδης λάμψη των πολύτιμων λίθων, τα ρέοντα μαλλιά, η λάμψη του μεταξένιου δέρματος και ο λεπτότερος ιστός αράχνης του φορέματος δημιούργησαν έναν πειρασμό, καλύπτοντας το ημίγυμνο σώμα.

Μοιραίες κυρίες ιδιοφυΐας

Ο καλλιτέχνης της αλλαγής του αιώνα απορρόφησε όλες τις αμφιλεγόμενες απόψεις εκείνης της εποχής. Έψαχνε για μια ιδανική και σύγχρονη γυναίκα και την απεικόνιζε στους πίνακές του. Δεν ζωγράφισε μόνο πραγματικούς ανθρώπους, όπως η Sonya Knips, της οποίας το πορτρέτο εκφράζει ταυτόχρονα ελαφρότητα, αθωότητα, άγχος και στοχασμό. Κάθε κυρία που απεικονίζει ο Gustav είναι μοιραία. Στον πίνακα «Love», το πρόσωπο της ηρωίδας είναι παγωμένο από γλυκιά έκσταση, αλλά οι σκιές μαζεύονται στο βάθος. Άλλωστε, τα γηρατειά και ο θάνατος περιμένουν τον νεαρό και το κορίτσι. Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα τέτοιων ομορφιών είναι οι ακόλουθοι πίνακες: "Γοργόνα", "Χρυσόψαρο", και οι δύο εκδοχές του "Judith", "Water Snakes". Το έργο «Τρεις εποχές μιας γυναίκας» είναι επίσης γεμάτο με βαθιά φιλοσοφία, που απεικονίζει ένα κοριτσάκι, μια γυναίκα στην ακμή της ζωής και της ομορφιάς και μια ηλικιωμένη γυναίκα.

Είναι ενδιαφέρον ότι ο κύριος δεν ήταν παντρεμένος, αν και είχε πολλές υποθέσεις. Μάλλον δεν βρήκε ποτέ το ιδανικό του...

Ονομα Gustav Klimt (1862-1918)συνεργάζεται με το "The Kiss", το "Golden Adele" και άλλες ταινίες της "Χρυσής περιόδου", σπάνια θυμάται τα γραφικά. Αυτό είναι κατανοητό. Στην εκθαμβωτική πολυτέλεια των καμβάδων, ένα απλό μολύβι γραφίτη σε χαρτί περιτυλίγματος χάνει τη σημασία του.

Αλλά ο Gustav Klimt είναι ένας λαμπρός γραφίστας, παρόλο που τα σχέδιά του έχουν μια πικάντικη λεπτομέρεια που τρομάζει τους απλούς ανθρώπους. Αποτελούνται από ενενήντα τοις εκατό πορνογραφία και ο ίδιος ο καλλιτέχνης ονομάζεται ηδονοβλεψός και του αποδίδουν σεξουαλικές διαταραχές. Ένα καυτό θέμα της εποχής μας, έτσι δεν είναι;

Αφορμή για το άρθρο ήταν η εν εξελίξει έκθεση γραφικών του καλλιτέχνη και του οπαδού του Egon Schiele. Στην όψιμη δουλειά του Klimt, ένας απροετοίμαστος θεατής θα δει μόνο μια γυναίκα που παίρνει οργασμό, αυνανίζεται, δείχνει τα γεννητικά της όργανα, κάνει σεξ και κοιμάται ευδαιμονικά μετά τον οργασμό. Η ερωτική και η πορνογραφία έχουν ένα κρυφό νόημα, το οποίο μπορεί να γίνει κατανοητό μόνο αν μάθουμε βαθύτερα για την προσωπικότητα του καλλιτέχνη. Αν και ο ίδιος κάλεσε για αυτό να δοθεί προσοχή στα έργα του, υπάρχουν ακόμα σημεία που χρήζουν διευκρίνισης.

Ο Γκούσταβ Κλιμτ σκόπευε να γίνει δάσκαλος τέχνης, αλλά έγινε καλλιτέχνης παγκόσμιας κλάσης. Λόγω των συντηρητικών συναισθημάτων της βιεννέζικης κοινωνίας, χρειάστηκε πολύς χρόνος μέχρι να καταφέρει να φτάσει στο δικό του στυλ και να δημιουργήσει ανεξάρτητα από τον Οίκο των Καλλιτεχνών της Βιέννης. Παραδόξως, μια άλλη κυβερνητική εντολή και ένα επαναστατικό πνεύμα τον βοήθησαν στην τελική του εξέλιξη. Η περίφημη τριάδα των ζωγραφιών της σχολής, όπως και ο ίδιος ο Klimt, δέχθηκαν σκληρή κριτική από τους καθηγητές και την κοινωνία συνολικά. Νέες ειλικρινείς ερμηνείες των κλασικών αλληγοριών της επιστήμης πλήττουν σκληρά την ηθική μιας κοινωνίας κολλημένης στα ιδεαλιστικά θεμέλια.

Η «Φιλοσοφία», η «Ιατρική» και η «Νομολογία» ήταν οι πρώτοι πίνακες στους οποίους εκφραζόταν ξεκάθαρα το ατομικό στυλ του Κλιμτ. Ήταν αυτό το γεγονός που χρησίμευσε ως ανάπτυξη της Art Nouveau στη Βιέννη. Όταν η σύγκρουση συμφερόντων έφτασε στα όριά της, ο καλλιτέχνης αποφάσισε από εδώ και στο εξής να μην δέχεται ποτέ κυβερνητικές εντολές που περιόριζαν σοβαρά τη δημιουργικότητα. Αγόρασε και τους πίνακες από το κράτος. Η Απόσχιση της Βιέννης εμφανίστηκε ως αντίβαρο στο Σπίτι των Καλλιτεχνών και η ιδέα της ελευθερίας έγινε τελικά το κύριο κίνητρο ολόκληρης της δημιουργικής καριέρας του Κλιμτ. Ακόμη και με ρούχα, έδειξε τη στάση του απέναντι σε ξεπερασμένες αρχές, φορώντας μια φαρδιά μπλούζα μέχρι το πάτωμα πάνω από το γυμνό σώμα του. Παρεμπιπτόντως, ο καλλιτέχνης αποδείχθηκε επίσης ταλαντούχος σχεδιαστής μόδας και βοήθησε την Emilia Flege να αναπτύξει μοτίβα για φορέματα.

Με την άρνηση των κυβερνητικών εντολών, ο καλλιτέχνης δεν έμεινε χωρίς βιοπορισμό. Άνθρωποι με επιρροή στη Βιέννη, κυρίως Εβραίοι, υποστήριξαν σθεναρά τον Κλιμτ και του παρήγγειλαν πορτρέτα των συζύγων και των κορών τους, θαυμάζοντας την προσέγγιση του καλλιτέχνη στην τέχνη. Αυτά τα πορτρέτα στερούνται ανοιχτού ερωτισμού, αλλά το βλέμμα των γυναικών πάνω τους σημαίνει εκατό φορές περισσότερα από το γυμνό σώμα. Είναι αδύναμος, δυνατός και ελκυστικός. Ο καλλιτέχνης κατανοούσε καλά τη φύση της γυναικείας σεξουαλικότητας και τα μητρικά ένστικτα. Από εδώ προέκυψαν πολλές εικόνες μιας εγκύου, οι τρεις ηλικίες της και σκηνές φύλου.

Υπήρχαν πάντα μοντέλα στο στούντιο του καλλιτέχνη. Πολλές από αυτές ήταν ιερόδουλες, γεγονός που εξηγεί τη χαλαρότητα και το ποζάρισμα στα σκίτσα των σεξουαλικών πράξεων. Τα μοντέλα κουβέντιασαν και χαλάρωσαν, έτοιμα να ανταποκριθούν στη χειρονομία του καλλιτέχνη και να αρχίσουν αμέσως να ποζάρουν. Ο Κλιμτ κατέγραψε λεπτές χειρονομίες, μέρη του σώματος και πόζες σε σημειωματάρια και σε ξεχωριστά φύλλα χαρτιού. Κάτω από το μολύβι του, ομαλές γραμμές σχημάτιζαν ζωή, διαμορφωμένες σε μια ενιαία σύνθεση, άξια ανεξαρτησίας από το γενικό σχέδιο της εικόνας. Στην αναζήτηση του ιδανικού, εμφανίστηκαν έως και εκατό σκίτσα για ένα μόνο κομμάτι. Ο καλλιτέχνης επεξεργάστηκε τις λεπτομέρειες μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια, περιστρέφοντας αριστοτεχνικά το θέμα του σκίτσου στον τρισδιάστατο χώρο του φύλλου. Ο Κλιμτ δεν θεωρούσε ότι τα σχέδιά του ήταν ανεξάρτητα έργα, αφού για αυτόν ήταν μόνο ένα μέσο για την επίτευξη ενός σκοπού. Σε δεκάδες χιλιάδες γραφικά σχέδια κατέγραψε με μαεστρία τις στιγμές της ζωής των αμέτρητων μοντέλων του. Από αυτά τα πολλά, έχουν διασωθεί μόνο λίγο περισσότερα από τέσσερις χιλιάδες σκίτσα. Μερικά από αυτά βρίσκονται σε γκαλερί σε όλο τον κόσμο, άλλα σε ιδιωτικές συλλογές.

Το έργο του Αυστριακού χαρακτηρίζεται από αλληγορίες και συμβολισμούς. Χρησιμοποιώντας το παράδειγμα της «Δανάης», μπορεί κανείς να κατανοήσει καλύτερα την πρόθεση του συγγραφέα, σημειώνοντας ταυτόχρονα πώς το αρχικό σκίτσο έχει υποστεί αλλαγές. Το προπαρασκευαστικό σκίτσο είναι πολύ πιο αποκαλυπτικό από τον ίδιο τον καμβά. Η χαλαρή πόζα της Ελληνίδας αντικαθίσταται τελικά από μια σεμνή.

Κι όμως, η πλοκή μένει, μόνο η μορφή έχει αλλάξει: Ο Δίας, με χρυσή βροχή, εισχωρεί στη μήτρα της Δανάης, κυοφορώντας τον Περσέα. Προφανώς, το χρυσό ντους είναι ο σπόρος του Δία, το μαύρο ορθογώνιο σύμβολο της αρρενωπότητας και οι κύκλοι στο ύφασμα δεν είναι τίποτα άλλο από το αρχικό σχήμα του εμβρύου. Στο μέλλον, αυτά τα σύμβολα θα εμφανίζονται περισσότερες από μία φορές σε πίνακες, υπονοώντας βιολογικές διεργασίες. Στα ρούχα των εραστών του “The Kiss”, γύρω από τη χρυσή Adele, στο φόρεμα του “Hope II” και σε πολλά άλλα έργα του καλλιτέχνη.

Οι αλλαγές στο στυλ φαίνονται ξεκάθαρα στα σκίτσα διαφόρων ετών. Με την απομάκρυνση από τον ακαδημαϊσμό, το σκίτσο απέκτησε διαφορετικό χαρακτήρα. Από εδώ και πέρα, η προσοχή επικεντρώνεται στη μεταφορά της θέσης της φιγούρας στον καμβά, στις χειρονομίες και στη συμπεριφορά της. Με τον καιρό, ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε τις σπασμένες γραμμές που προτιμούσε πριν από το 1900. Η απλότητα εμφανιζόταν στα σκίτσα του, χωρίς να μειώνει την ακρίβεια του μηνύματος. Η μέθοδος της απεικόνισης έγινε το περίγραμμα και το θέμα του καλλιτεχνικού πάθους ήταν το ανθρώπινο σώμα. Την ίδια εποχή, γύρω στο 1904, ο Klimt αντικατέστησε το συνηθισμένο δίδυμο χαρτιού περιτυλίγματος και μαύρου κραγιόν με πιο απαλό ιαπωνικό χαρτί και μολύβι γραφίτη, μερικές φορές καταφεύγοντας στο μπλε και το κόκκινο.

Για παράδειγμα, το σχέδιο "Reclining Nude" (1913) είναι εντελώς με κόκκινο χρώμα, στο σκίτσο για το "Judith II" (1908) υπάρχει μπλε, στο σκίτσο για το πορτρέτο της Friederike Maria Beer (1915-1916) τα χείλη είναι ελαφρώς βαμμένα κόκκινα. Διαφορετικά, ο Klimt σπάνια πρόδιδε τον κλασικό γραφίτη. Αλλά πίσω από όλες τις τεχνικές πτυχές υπάρχει μια κύρια αλλαγή - η εστίαση τελικά μετατοπίζεται στη γυναίκα και στη ζωή που αναδύεται μέσα της.

Στις αρχές του εικοστού αιώνα, η ανάπτυξη των ιατρικών και βιολογικών επιστημών στη Βιέννη κέρδισε δυναμική. Οι μελέτες του ανθρώπινου εγκεφάλου έχουν οδηγήσει σε μια σειρά από ανακαλύψεις, συμπεριλαμβανομένων των πρωτόγονων ενστίκτων που είναι εγγενείς σε αυτόν. Ο Κλιμτ άρχισε να ενδιαφέρεται για το ανθρώπινο σώμα αφού γνώρισε τα έργα του Δαρβίνου και ήρθε στο ασυνείδητο από τον Ροκιτάνσκι, τον Μάινερτ και τον Φρόιντ. Ο προστάτης των τεχνών και θαυμαστής του έργου του Klimt, Emil Zuckerkandl, δίδαξε ανεπίσημα στον καλλιτέχνη βιολογία, τον μύησε στην εμβρυολογία και μάλιστα τον προσκάλεσε σε αυτοψίες. Οι κοινωνικές συγκεντρώσεις στο σαλόνι της συζύγου του, Bertha Zuckerkandl, ενθάρρυναν τον διάλογο μεταξύ επιστημόνων και καλλιτεχνών. Οι μοντερνιστές συνειδητοποίησαν γρήγορα τον σημαντικό ρόλο του ασυνείδητου στην ανθρώπινη συμπεριφορά. Συγκεκριμένα, ο διάλογος με την επιστήμη επηρέασε το έργο του Κλιμτ. Ρίχνοντας μια πιο προσεκτική ματιά, μπορείτε να βρείτε μια ομοιότητα με κελιά στα χρωματιστά μοτίβα στους καμβάδες και τα στολίδια, και στα γραφικά από το 1904 υπάρχει όλο και περισσότερο σεξουαλικό πλαίσιο. Μέσα από την εικόνα μητέρας και παιδιού, τα θέματα του θανάτου, της σύλληψης και των τριών ηλικιών μιας γυναίκας, ο καλλιτέχνης κάλεσε την κοινωνία να σκεφτεί τα μυστήρια της φύσης, αλλά μεταξύ των συγχρόνων του κέρδισε μόνο παρεξήγηση και καταδίκη.

Συνοψίζοντας, θα πω ακόμα λίγα λόγια για την ίδια την έκθεση. Η συλλογή σχεδίων στον Πουσκίνσκι είναι μέτρια όχι μόνο ως προς τον αριθμό των εκθεμάτων, αλλά και ως προς το περιεχόμενό τους. Ακόμη και πρωτίστως ως προς το περιεχόμενο. Προφανώς, η κοινωνία στη χώρα μας δεν είναι ακόμα έτοιμη να επανεξετάσει το έργο του Κλιμτ και να το ανυψώσει στην τάξη της τέχνης και όχι της πορνογραφίας. Υπάρχει η υπόθεση ότι στη διάρκεια της ζωής μας τα πιο ενδιαφέροντα σχέδια για μελέτη θα συνεχίσουν να ταξιδεύουν σε όλο τον κόσμο, παρακάμπτοντας τη χώρα μας. Φυσικά, όλα τα έργα αξίζουν προσοχής, αλλά, κατά τη γνώμη μου, το θέμα που συζητείται στο άρθρο είναι πιο ενδιαφέρον για πολλούς θαυμαστές του έργου του Αυστριακού καλλιτέχνη.

G. Klimt «Girlfriends»

Ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους του παρελθόντος είναι ο Gustav Klimt, του οποίου οι πίνακες έχουν μεγάλη ζήτηση σήμερα. Δυστυχώς, δεν υπάρχουν τόσα πολλά από τα έργα του και όλα έχουν βρει εδώ και καιρό τη θέση τους στις καλύτερες συλλογές του κόσμου. Όταν όμως συμβαίνει ένα θαύμα και οι πίνακές του βγαίνουν σε δημοπρασία, η αξία τους είναι υπέροχη.

Ο Gustav Klimt, ως αληθινός καλλιτέχνης, πέρασε όλη του τη ζωή αναζητώντας και βρίσκοντας έμπνευση για τη γυναικεία ομορφιά. Αλλά, ως αληθινός γνώστης, δεν έμεινε με καμία ομορφιά για πολύ, και επομένως κανένας από αυτούς δεν κατάφερε να λάβει την τιμή να ονομαστεί μούσα του Klimt.

Ο Gustav Klimt γεννήθηκε στο προάστιο Baumgarten της Βιέννης στην οικογένεια του χαράκτη και κοσμηματοπώλη Ernest Klimt, του δεύτερου από τα επτά παιδιά - τρία αγόρια και τέσσερα κορίτσια. Ο πατέρας του Klimt ήταν ντόπιος της Βοημίας και χαράκτης χρυσού· η μητέρα του, Anna Klimt, το γόνο Finster, προσπάθησε αλλά δεν κατάφερε να γίνει μουσικός. Ο Κλιμτ πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της παιδικής του ηλικίας στη φτώχεια, καθώς η οικονομική κατάσταση στη χώρα ήταν δύσκολη και οι γονείς του δεν είχαν μόνιμες δουλειές. Και οι τρεις γιοι του Έρνεστ Κλιμτ έγιναν καλλιτέχνες.

Αρχικά, ο Γκουστάβ έμαθε να ζωγραφίζει από τον πατέρα του και στη συνέχεια, από το 1876, στη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας της Βιέννης στο Αυστριακό Μουσείο Τέχνης και Βιομηχανίας (δάσκαλοι Karl Grachovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser), το οποίο έγραψε και ο αδελφός του Ernst. το 1877. Ο Gustav Klimt σπούδασε εκεί μέχρι το 1883 και ειδικεύτηκε στην αρχιτεκτονική ζωγραφική.

Στη Σχολή Τέχνης και Βιομηχανίας, όπου ο Κλιμτ και τα αδέρφια του σπούδασαν με υποτροφίες, παρατήρησαν έναν πολλά υποσχόμενο μαθητή. Χάρη στα μαθήματα του πατέρα του, ο Gustav ήρθε στο σχολείο ως εξαιρετικός σχεδιαστής και δεξιοτέχνης σχεδιαστής, αλλά δεν επέτρεψε στον εαυτό του καμία παραχώρηση. Μελέτησε σοβαρά, επιμελώς και στοχαστικά, εντυπωσιάζοντας τους δασκάλους όχι μόνο με τις επιτυχίες του, αλλά και με τη φανατική επιθυμία να κατανοήσουν όσο το δυνατόν περισσότερα. Λέγεται ότι δωροδόκησε τον υπηρέτη του Hans Makart, του καλύτερου Βιεννέζου ζωγράφου εκείνων των χρόνων, για να μπει κρυφά στο εργαστήριο του ειδώλου του και να μελετήσει τις τεχνικές του έργου του σε ημιτελείς καμβάδες. Ωστόσο, ούτε τότε ούτε αργότερα το πάθος του για την υψηλή τέχνη εμπόδισε τον Κλιμτ να παραμείνει πραγματιστής - ενώ ήταν ακόμα στο σχολείο, έμαθε να βγάζει καλά χρήματα σχεδιάζοντας πορτρέτα από φωτογραφίες.

Πρότυπό του κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν ο ιστορικός ζωγράφος Hans Makart. Σε αντίθεση με πολλούς άλλους νέους καλλιτέχνες, ο Klimt συμφώνησε με τις αρχές μιας συντηρητικής ακαδημαϊκής εκπαίδευσης.

Ερνστ και Γκούσταβ Κλιμτσημείωσε αξιοσημείωτη πρόοδο πριν συμπληρώσει την ηλικία των 20 ετών. Το 1879, συνεργάστηκαν με τον φίλο τους στο Σχολείο Καλών Τεχνών, Franz Matsch, και άρχισαν να συνεργάζονται, αποκτώντας γρήγορα φήμη. Το 1880, το «τρίο» προσκλήθηκε να ζωγραφίσει το περίπτερο με μεταλλικό νερό στο Carlsbad (τώρα η πόλη του Κάρλοβι Βάρι στην Τσεχική Δημοκρατία).

Τα πρώτα έργα του καλλιτέχνη έγιναν σε νατουραλιστικό στυλ. Ωστόσο, ο Klimt σύντομα αναπτύσσει το δικό του στυλ, το οποίο τον διακρίνει από κάθε άλλο καλλιτέχνη.

Τρία χρόνια αργότερα, οι νέοι καλλιτέχνες άνοιξαν το δικό τους εργαστήρι στη Βιέννη, όπου για αρκετά χρόνια εκπλήρωναν παραγγελίες από επαρχιακές πόλεις της Αυστροουγγρικής. Αλλά με την ανάπτυξη της ίδιας της Βιέννης, προέκυψε η ανάγκη για καλλιτεχνικό σχεδιασμό νέων κτιρίων. Επομένως, το 1886 Klimtsκαι το Match συμμετείχαν στη δημιουργία του εσωτερικού του νέου κτιρίου του Εθνικού Θεάτρου, απεικονίζοντας σκηνές από την ιστορία του θεάτρου στο τύμπανο του αετώματος και στα φωτιστικά οροφής των κύριων σκαλοπατιών.

The Globe Theatre στο Λονδίνο – Gustav Klimt

Το 1885 εργάστηκαν για τη διακόσμηση του Μουσείου Kunsthistorisches, που ξεκίνησε από τον διάσημο καλλιτέχνη Hans Makart (1840-1884). Αυτή η εμπειρία, εκτός από ψυχολογική ικανοποίηση, τους απέφερε και καλά χρήματα, τα οποία επένδυσαν για να επεκτείνουν το εργαστήριό τους.

Το 1888, ο Klimt έλαβε ένα βραβείο από τον αυτοκράτορα Franz Joseph - τον «Χρυσό Σταυρό» για τις υπηρεσίες του στην τέχνη. Έγινε επίσης επίτιμο μέλος των Πανεπιστημίων του Μονάχου και της Βιέννης.

Το 1891, οι αδερφοί Klimt γνώρισαν τις αδερφές Flöge - Polina, Helena και Emilia. Οι κόρες του επιπλοποιού Hermann Flöge εργάστηκαν ως μοδίστρες και αργότερα, όταν ο πατέρας τους έγινε πλούσιος, έγινε ο πρώτος κατασκευαστής σωλήνων από σιρόπι σε ολόκληρη την αυτοκρατορία, μετακόμισαν στον τομέα της υψηλής μόδας - η μεγαλύτερη, η Polina, ήταν επικεφαλής της υψηλής ραπτικής. Σχολείο, οι μικρότερες αδερφές διαχειρίζονταν έναν οίκο μόδας, ένα σαλόνι μόδας και ένα εργοστάσιο κλωστοϋφαντουργίας. Ας επαναλάβουμε, αυτό έγινε μόνο αργότερα, οπότε ο Ernst Klimt ερωτεύτηκε την Helena Flöge αρκετά αδιάφορα. Αλλά αν οι συναντήσεις τους κορυφώθηκαν σε έναν γρήγορο γάμο, τότε η περίεργη σχέση του Γκούσταβ με την Εμίλια κράτησε για το υπόλοιπο της ζωής του - δεν είναι ακόμα σαφές πόσο μακριά πήγαν. Προφανώς, συγκεντρώθηκαν από μια τρομερή τραγωδία στην αρχή της γνωριμίας τους - το 1892, οι Klimts έχασαν τον πατέρα τους και τρεις μήνες αργότερα, ο νεαρός και πολλά υποσχόμενος Ernst πέθανε εντελώς απροσδόκητα από περικαρδίτιδα. Ο Γκούσταβ, που ήταν πάντα ευγενικός με την οικογένειά του, υπέστη αυτό το διπλό χτύπημα βαριά, έπεσε σε παρατεταμένη κατάθλιψη και σχεδόν εγκατέλειψε τη δημιουργικότητα. Ωστόσο, ο Flöge επισκεπτόταν το σπίτι τακτικά, επισκεπτόμενος την ενός έτους ανιψιά του και στηρίζοντας ηθικά τη νεαρή χήρα Helena. Η δεκαοχτάχρονη Αιμιλία ήταν η πρώτη που μάντεψε ότι η ειλικρινής συμπάθεια δεν θα έκανε κακό στον εαυτό του...

Στο τέλος, ο Κλιμτ κατάφερε να αποκαταστήσει την ψυχική του ηρεμία, αλλά πολλά άλλαξαν αμετάκλητα μέσα του. Η επίσημη ακαδημαϊκή ζωγραφική, στην οποία έφτασε σε όλα τα ύψη, τον είχε προ πολλού βαρεθεί. Μια δύσκολη κατάσταση ζωής ενίσχυσε το ατομικό στυλ του καλλιτέχνη, διαμορφώνοντάς το τελικά. Ο Κλιμτ αρχίζει να ζωγραφίζει τα πρώτα του τοπία ταξιδεύοντας με την Εμίλια στο Κάμερ. Ο εξπρεσιονισμός στο έργο του καλλιτέχνη αναπτύχθηκε ενεργά τη δεκαετία του '90.

Από τις αρχές της δεκαετίας του 1890, ο Klimt έκανε ετήσιες διακοπές με την οικογένεια Flöge στη λίμνη Attersee και ζωγράφισε πολλά τοπία εκεί. Το είδος τοπίου ήταν ο μόνος μη παραστατικός πίνακας που ενδιέφερε τον Κλιμτ. Τα τοπία του Κλιμτ είναι παρόμοια σε στυλ με τις απεικονίσεις μορφών του και περιέχουν τα ίδια σχεδιαστικά στοιχεία. Τα τοπία του Attersee είναι τόσο επιτυχώς ενσωματωμένα στο επίπεδο του καμβά που μερικές φορές θεωρείται ότι ο Klimt τα είδε μέσω τηλεσκοπίου.

Στους πίνακες που απεικονίζουν αλληγορικές φιγούρες που εκτελέστηκαν από τον Klimt το 1890-1891 στα θησαυροφυλάκια της μεγάλης σκάλας του Μουσείου Kunsthistorisches στη Βιέννη, εμφανίζονται για πρώτη φορά τα χαρακτηριστικά που έγιναν θεμελιώδη στο έργο του - μια σαφής σιλουέτα και μια τάση για διακοσμητικά. Μετά το 1898, τα έργα του Klimt πήραν μια πιο διακοσμητική, συμβολική όψη.

Είχε ήδη αποκτήσει τη φήμη του διάσημου καλλιτέχνη όταν, στις αρχές της δεκαετίας του '90, το στυλ του άλλαξε και απέκτησε έντονους συμβολικούς τόνους. Η διάδοση του στυλ Art Nouveau στην Ευρώπη, ή Jugendstil, όπως ονομαζόταν στην Αυστρία, όχι μόνο επηρέασε τον Klimt, αλλά αποδείχθηκε ότι ήταν ο πιο σημαντικός παράγοντας στην εξέλιξή του ως καλλιτέχνη.

Το γούστο για συμβολισμό, που εκφράστηκε στην Αγγλία στα έργα των αείμνηστων Προ-Ραφαηλιτών, στα γραφικά του O. Beardsley, στη Γαλλία στα έργα του G. More, απήχθη στον Klimt, τα έργα του οποίου απηχούν σε μεγάλο βαθμό τα έργα αυτών των καλλιτεχνών.

Το 1894 έγινε έτος ορόσημο στη δημιουργική του βιογραφία Γκούσταβ Κλιμτ. Τότε ήταν που ζητήθηκε από αυτόν και τον συνάδελφό του Match να ζωγραφίσουν τη Μεγάλη Αίθουσα του Πανεπιστημίου της Βιέννης. Αλλά λόγω διαφωνιών, οι καλλιτέχνες έπρεπε να αναλάβουν ξεχωριστούς πίνακες και σύντομα Αγώναςκαι εγκατέλειψαν εντελώς το κοινό τους εργαστήριο. Τι προκάλεσε τη σύγκρουση; Το θέμα ήταν ότι ο Franz Match παρέμεινε πιστός στην παλιά παραδοσιακή ζωγραφική, ΚλιμτΈψαχνα ενεργά για νέες προσεγγίσεις. Αυτό οδήγησε στο γεγονός ότι το 1897, μαζί με τους ομοϊδεάτες του, ίδρυσε και ηγήθηκε του επαναστατικού Vienna Secession, μιας ομάδας αντιφρονούντων καλλιτεχνών.

Έτσι, χάρη στην αποφασιστικότητα και το θάρρος του, Γκούσταβ Κλιμταπό καλλιτέχνης που εκπλήρωνε επαρχιακές εντολές, μετατράπηκε σε ηγέτη της αυστριακής πρωτοπορίας. Οι αλληγορικοί πίνακες «Φιλοσοφία», «Ιατρική» και «Νομολογία», γνωστοί ως «σχολή», ολοκληρώθηκαν μέχρι το 1900. Δέχθηκαν έντονη κριτική για τα θέματά τους, τα οποία ονομάστηκαν «πορνογραφικά».

Υποτίθεται ότι ο καλλιτέχνης, με παραδοσιακό τρόπο, θα απεικόνιζε τον θρίαμβο της επιστήμης πάνω στο παγκόσμιο χάος, αλλά ο Κλιμτ αποφάσισε διαφορετικά: «Η φιλοσοφία» στα σκίτσα του οδήγησε τους ανθρώπους σε μια αλληγορική ομίχλη, η «Ιατρική» απομακρύνθηκε αδιάφορα από το πλήθος. πεθαίνοντας, και η «Νομολογία» στο πρόσωπο των τριών μανιών επιτέθηκε αλύπητα στο ανθρώπινο θύμα. Και όλα αυτά ήταν αρωματισμένα με αρκετή ποσότητα απροκάλυπτου ερωτισμού.

Gustav Klimt «Πίνακες για το Πανεπιστήμιο» (Φιλοσοφία - Ιατρική - Νομολογία)

Το 1900, στην έκθεση Secession Γκούσταβ Κλιμτ, τέλος, παρουσίασε το «Philosophy» - το πρώτο του έργο στο πλαίσιο του σχεδιασμού του Πανεπιστημίου της Βιέννης. Σε απάντηση, ογδόντα επτά καθηγητές πανεπιστημίου απευθύνθηκαν στο υπουργείο Παιδείας με επιστολή στην οποία κατηγόρησαν Κλιμτότι «εκφράζει ασαφείς ιδέες χρησιμοποιώντας αόριστες μορφές» και ζήτησαν να του αφαιρεθεί η εντολή. Είναι περίεργο ότι την ίδια χρονιά, το 1900, η ​​«Φιλοσοφία» βραβεύτηκε με χρυσό μετάλλιο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι.

Ο Κλιμτ μεταμόρφωσε τις παραδοσιακές αλληγορίες και τα σύμβολα σε μια νέα γλώσσα, με μεγαλύτερη έμφαση στον ερωτισμό, και ως εκ τούτου πιο ερεθιστικό για τους συντηρητικούς θεατές. Δυσαρέσκεια εκφράστηκε από όλους τους κύκλους -πολιτικούς, αισθητικούς και θρησκευτικούς. Ως αποτέλεσμα, οι πίνακες δεν εκτέθηκαν στο κεντρικό κτίριο του πανεπιστημίου. Αυτή ήταν η τελευταία δημόσια παραγγελία που ο καλλιτέχνης συμφώνησε να εκπληρώσει. Μετά από αυτό, οι πίνακες αγοράστηκαν από τον φιλάνθρωπο August Lederer. Στη δεκαετία του 1930, οι ναζιστικές αρχές εθνικοποίησαν τη συλλογή έργων του Κλιμτ του Λέντερερ. Στο τέλος του πολέμου αυτά τα έργα μεταφέρθηκαν στο παλάτι Immerhof, αλλά το 1945 οι συμμαχικές δυνάμεις εισήλθαν στην περιοχή και τα στρατεύματα των SS που υποχωρούσαν πυρπόλησαν το κάστρο. Οι πίνακες χάθηκαν. Το μόνο που υπάρχει σήμερα είναι διάσπαρτα προκαταρκτικά σκίτσα, κακής ποιότητας ασπρόμαυρες φωτογραφίες τριών πινάκων και μία έγχρωμη φωτογραφία του Υγεία από την Ιατρική. Τα αστραφτερά χρυσά και κόκκινα χρώματά του δίνουν μια ιδέα για το πόσο ισχυρά ήταν αυτά τα τρία χαμένα έργα τέχνης.

Περίπου πεντακόσιοι π.Χ., οι Ρωμαίοι πληβείοι, προσβεβλημένοι από τους αλαζονικούς πατρικίους, εγκατέλειψαν την πόλη και αρνήθηκαν να επιστρέψουν μέχρι να ψηφιστούν δίκαιοι νόμοι που εξισώνουν τα δικαιώματα όλων των πολιτών. Δεν τα κατάφεραν πολύ καλά την πρώτη φορά, αλλά οι αντάρτες τελικά πέτυχαν τον στόχο τους: η δημοκρατία, αν και εν μέρει, θριάμβευσε, και το ίδιο το αποτέλεσμα έμεινε στην ιστορία ως «secessio plebis» - «χωρισμός των πληβείων».

Ο Gustav Klimt, ο ιδρυτής και μακροχρόνιος ηγέτης του «Vienna Secession» - του διάσημου κινήματος των επαναστατών καλλιτεχνών - παρά το γεγονός ότι γεννήθηκε στα περίχωρα της αυτοκρατορικής Βιέννης, ήταν επίσης τυπικός πληβείος εκ γενετής.

Ακολούθως Γκούσταβ Κλιμτδεν ασχολήθηκε ποτέ ξανά με κυβερνητικές παραγγελίες, προτιμώντας να δημιουργεί αλληγορικούς πίνακες μικρού σχήματος για ιδιωτικές συλλογές. Και αυτά ήταν κυρίως πορτρέτα, πολύ γνωστά σε πολλούς θαυμαστές του έργου του.

Και οι ξεδιάντροπες ομορφιές από τους πίνακες του Klimt συνέχισαν να πειράζουν με επιτυχία το συντηρητικό κοινό. Στην έκθεσή του, ο διάσημος συλλέκτης Κόμης Λασκορόνσκι, κρατώντας το κεφάλι του, έτρεχε από πίνακα σε πίνακα φωνάζοντας: «Τι φρίκη!». Και αυτή ήταν ακόμα μια αρκετά ακίνδυνη αντίδραση, αλλά στην πραγματικότητα, ο Κλιμτ προτάθηκε να δικαστεί, να εκδιωχθεί από τη χώρα και ακόμη και να ευνουχιστεί. Οι απαντήσεις των αποσχιστών ήταν πολύ πιο δημιουργικές. Ο ιδεολόγος του «Secession» Herman Bahr δημοσίευσε ένα προκλητικό βιβλίο «Against Klimt», συλλέγοντας τις πιο ανόητες και άγριες επιθέσεις - ο αναγνώστης έπρεπε να βεβαιωθεί ότι ο Klimt επιπλήσσονταν μόνο από ηλίθιους. Και ο ίδιος ο Κλιμτ ονόμασε τον επόμενο πίνακα του "To My Critics" - ολόκληρο το προσκήνιο της εικόνας καταλάμβανε ένα πολυτελές γυναικείο πισινό...

Και ξαφνικά, στη μέση της σφαγής, ο Κλιμτ έκανε και πάλι μια απότομη στροφή - άφησε τη θέση του ως επικεφαλής του Secession, ίδρυσε τη δική του Ένωση Αυστριακών Καλλιτεχνών και άλλαξε το δημιουργικό του στυλ, ανοίγοντας τη διάσημη «Χρυσή Περίοδο» του. Εμπνευσμένος από τα αρχαία βυζαντινά ψηφιδωτά, θυμήθηκε τις δεξιότητες στο κόσμημα που είχε αποκτήσει στα νιάτα του και άρχισε να συμπληρώνει τους πίνακές του με υπέροχα επιχρυσωμένα στολίδια. Τώρα ζωγράφιζε μόνο πρόσωπα και χέρια σε πορτρέτα - πλαισιωμένα από φανταστική διακόσμηση που αντικατέστησε ρούχα και φόντο, ήταν ακριβώς όπως εικόνες σε χρυσά πλαίσια. Και το κύριο ιερό αυτού του πάνθεον ήταν το "Golden Adele" - ένα πορτρέτο της νεαρής ομορφιάς Adele Bloch-Bauer - τώρα ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο.

Είναι απίθανο κάποιος να μπορέσει να μετρήσει έστω και τον κατά προσέγγιση αριθμό ιστοριών που σχετίζονται με τα μυστηριώδη γεγονότα γύρω από τον πίνακα του Klimt "Portrait of Adele Bloch-Bauer", και όχι μόνο επειδή οι χαρακτήρες που είχαν άμεση σχέση με αυτό το αριστούργημα έχουν ήδη περάσει σε έναν άλλο κόσμο, και ο πίνακας, σαν να είναι ζωντανός, συνεχίζει να εξάπτει τη φαντασία των ανθρώπων με την ασυνήθιστη μοίρα του...

Μόνο το εβραϊκό μυαλό μπορεί να καταλήξει σε μια τιμωρία για τον παραβάτη, επιλέγοντας για αυτόν τον σκοπό τον ίδιο τον εχθρό που του προκάλεσε κακό. Το μυαλό στο οποίο ωρίμασε το σχέδιο εκδίκησης ανήκε στον επιχειρηματία Ferdinand Bloch-Bauer και ο «δράστης» ήταν ο Gustav Klimt, ο οποίος δεν μπορούσε να αντισταθεί στη γοητεία της γοητευτικής συζύγου του πλούσιου, Adele. Αυτό το μυθιστόρημα είχε συζητηθεί εδώ και καιρό στην πρωτεύουσα, αλλά δεν μπορούσε να γίνει λόγος για διαζύγιο, πολύ λιγότερο κοινότοπη σωματική τιμωρία για τους εραστές. Η σχέση μεταξύ του καλλιτέχνη και της Adele θα έπρεπε να είχε τελειώσει φυσικά, αλλά ο Bloch-Bauer αποφάσισε ότι έπρεπε να επιταχύνει τα πράγματα και ταυτόχρονα να επωφεληθεί από αυτή τη δυσάρεστη ιστορία, επειδή το όνομά του θα ήταν στον τίτλο του πίνακα.

Ο Κλιμτ χρειαζόταν συνεχώς νέες σχέσεις με τις γυναίκες, χωρίς αυτό το «ναρκωτικό» όχι μόνο θα μπορούσε να δημιουργήσει, αλλά απλώς να υπάρξει, επομένως, έχοντας παραγγείλει ένα πορτρέτο της γυναίκας του, ο βιομήχανος υπολόγιζε στον αναπόφευκτο κορεσμό των εραστών μεταξύ τους, που θα συνέβαινε ενώ δουλεύοντας στον καμβά. Το ποσό της σύμβασης για το έργο εξέπληξε τον καλλιτέχνη και για τέσσερα χρόνια εργάστηκε στο έργο, έχοντας προηγουμένως ολοκληρώσει περίπου εκατό σκίτσα.

Ενώ εργαζόταν στο πορτρέτο, ο Klimt χρησιμοποίησε ολόκληρο το δημιουργικό οπλοστάσιο που χαρακτηρίζει τη «χρυσή περίοδο» της ζωγραφικής του: το πρόσωπο και τα χέρια, ζωγραφισμένα με ρεαλιστικό τρόπο, συνδυάζονται με αφηρημένες διακοσμήσεις. Η ρόμπα και το φόντο της Adele είναι διακοσμημένα με εξωτικά σύμβολα και η ατμόσφαιρα έχει ένα διακριτικό πικάντικο «άρωμα».

Όλα τα «σημεία» του σχεδίου που περιέγραψε ο πελάτης εκπληρώθηκαν, αν και ίσως χωρίς την «φαινομενική» ιδέα του: η υγεία της συζύγου χειροτέρευε, κάπνιζε πολύ, μερικές φορές χωρίς να σηκωθεί από το κρεβάτι όλη την ημέρα και η εργασία συχνά διακόπτονταν . Όλοι ήταν ευχαριστημένοι με το αποτέλεσμα των προσπαθειών του Klimt.

Το 1938, όταν ο καλλιτέχνης και το μοιραίο μοντέλο του, που συνέβαλαν στη διαιώνιση των ονομάτων τους, καθώς και του επωνύμου Bloch-Bauer, δεν ζούσαν πια, ο ηλικιωμένος Φερδινάνδος, φυγαδεύοντας από τους Ναζί, άφησε τη «Χρυσή Αντέλ» για να την οικογένεια του αδελφού του και εγκαταστάθηκε στην Ελβετία. Η Maria Altman (πριν από το γάμο της - Bloch-Bauer), ανιψιά της Adele, έγινε για κάποιο διάστημα ιδιοκτήτρια τεράστιων οικογενειακών κοσμημάτων, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου πορτρέτου, αλλά στη συνέχεια εγκατέλειψε όλους τους θησαυρούς για να σώσει τον σύζυγό της. Ο Χίτλερ, αν και διέταξε να μην αγγίξουν το έργο του Κλιμτ, δεν μπόρεσε να δεχτεί τον πίνακα στη συλλογή του λόγω της αφθονίας των «εβραϊκών ριζών» που συνδέονται με την προέλευσή του. Το πορτρέτο εμφανίστηκε μετά το τέλος του πολέμου και η κατάστασή του ήταν ιδανική, κάτι που είναι πλεονέκτημα του Alois Kunst, ο οποίος κάποτε είχε τρυφερά συναισθήματα για τη Maria Bloch-Bauer και συνεργάστηκε με την Gestapo κατά τα χρόνια του πολέμου. Ο πίνακας πήρε τη θέση του στο Μουσείο Belvedere στη Βιέννη και ο Kunst συνέχισε να αποθηκεύει το έργο, αλλά με επίσημη ιδιότητα, και έγινε διευθυντής του μουσείου.

Η Maria Altman, η οποία εγκαταστάθηκε με τον σύζυγό της στην Αγγλία και στη συνέχεια στις ΗΠΑ, δεν θα γνώριζε ποτέ για την τύχη του πορτρέτου της θείας της, αλλά ο δημοσιογράφος Hubertus Chernin κατάφερε να ανακαλύψει ότι υπάρχει μια διαθήκη του Ferdinand Bloch-Bauer, σύμφωνα με την οποία «Golden Adele», και μαζί της και άλλα τιμαλφή πρέπει να ανήκουν στην οικογένεια, στην προκειμένη περίπτωση στη Mary.

Για την Αυστρία, η οποία θεωρούσε τον πίνακα εθνικό κειμήλιο, ήρθε η ώρα για ανησυχητικά γεγονότα που ανάγκασαν τους ανθρώπους, καθώς και όλους τους κυβερνητικούς θεσμούς, να συσπειρωθούν γύρω από την επιθυμία να αφήσουν τον πίνακα στη χώρα με κάθε μέσο. Η τιμή πέντε έργων, συμπεριλαμβανομένου αυτού του αριστουργήματος, αυξήθηκε από 155 εκατομμύρια δολάρια σε 300 εκατομμύρια. Το ποσό αυτό αποδείχθηκε δυσβάσταχτο για την Αυστρία.

Ο αποχαιρετισμός της «Χρυσής Αντέλ» θα μπορούσε να συγκριθεί με μια εθνική εκδήλωση, η οποία χωρίς καταναγκασμό συγκέντρωσε χιλιάδες ανθρώπους που ήθελαν να αποχαιρετήσουν έναν εθνικό θησαυρό.

Στις ΗΠΑ κατασκευάστηκε ένα κτίριο ειδικά για το «Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer», το οποίο ονομάζεται «Μουσείο Αυστριακής και Γερμανικής Τέχνης». Χτίστηκε από τον Ronald Lauder, τον ιδιοκτήτη του διάσημου γίγαντα αρωμάτων Estee Lauder, ο οποίος αγόρασε το πορτρέτο από τη Maria Altman για 135 εκατομμύρια δολάρια. Η ανιψιά της Adele έζησε μέχρι τα 94 της χρόνια και πέθανε ειρηνικά το 2011.

Για τον δημοσιογράφο Τσέρνιν, τον φτωχό γόνο της οικογένειας ενός κόμη, ο οποίος πίστευε ότι χάρη στην παροχή υπηρεσιών στη Μαρία Άλτμαν, μπορούσε να ζήσει με μεγαλειώδες στυλ, η μοίρα επιφύλασσε ένα πιο πεζό τέλος: πέρασαν μόνο τέσσερις μήνες μετά τον χωρισμό της Αυστρίας. Τα αριστουργήματα του Κλιμτ και, σύμφωνα με την επίσημη Σύμφωνα με την αστυνομία, ο δημοσιογράφος πέθανε από ανακοπή καρδιάς.

Πιθανότατα, κάτι ήξερε ο Ferdinand Bloch-Bauer όταν ζήτησε από τον Klimt ένα έργο που θα ζούσε για αιώνες.

Η «χρυσή περίοδος» του έργου του Κλιμτ χαρακτηρίστηκε από θετική ανταπόκριση από τους κριτικούς και ήταν η πιο επιτυχημένη για τον Κλιμτ. Το όνομα της περιόδου προέρχεται από τη χρύσωση που χρησιμοποιείται σε πολλά από τα έργα του καλλιτέχνη, ξεκινώντας από το « Παλάτι της Αθηνάς" () Και " Ιουδίθ"()), αλλά το πιο διάσημο έργο του από αυτήν την περίοδο είναι " Φιλί"(-). Το χρυσό φόντο και ο συμβολισμός, κοντά στο βυζαντινό, ανάγονται στα μωσαϊκά της Βενετίας και της Ραβέννας, που είδε ο Κλιμτ κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του στην Ιταλία. Παράλληλα, άρχισε να ενδιαφέρεται για τις διακοσμητικές τέχνες σε στυλ Art Nouveau. Το 1904, αυτός και μια ομάδα καλλιτεχνών έλαβαν παραγγελία να διακοσμήσουν το παλάτι Stoclet, το οποίο ανήκε σε έναν Βέλγο βιομήχανο και έγινε ένα από τα πιο διάσημα μνημεία Art Nouveau. Ο Klimt κατέχει τις λεπτομέρειες της διακόσμησης της τραπεζαρίας, τις οποίες ο ίδιος θεωρούσε από τα καλύτερα διακοσμητικά έργα του. Από το 1909, ο Klimt ολοκλήρωσε πέντε πορτρέτα γυναικών ντυμένων με γούνες.

Η Judith είναι γυναικείος χαρακτήρας· είναι μια χήρα που έσωσε ολόκληρη την εβραϊκή οικογένειά της από εχθρούς. Οι Ασσύριοι πολιόρκησαν την πατρίδα της, η χήρα έπρεπε να αλλάξει ρούχα και να πάει στο στρατόπεδο του καταραμένου εχθρού. Ήταν μια πολύ ελκυστική κοπέλα και ο εχθρός διοικητής δεν μπορούσε να αγνοήσει τη γοητεία της.

Στις κάμαρες του παρηγορήθηκε με το όμορφο κορμί του και έπινε κρασί. Αφού ο άντρας αποκοιμήθηκε, η κοπέλα έκοψε το κεφάλι του και το έφερε περήφανα στα πόδια των ανθρώπων της. Αυτή η ιστορία έχει εμπνεύσει πολλούς καλλιτέχνες όλων των εποχών. Ο Γκούσταβ Κλιμτ δεν αποτέλεσε εξαίρεση. Απεικόνισε την εικόνα του μια γενναία και απελπισμένη γυναίκα.

Κατά την κατανόησή του, η Judith είναι μια μοιραία γυναίκα. Την απεικόνισε να βγαίνει από τη σκηνή του εχθρού της. Η κοπέλα δεν πρόλαβε να τακτοποιήσει τον εαυτό της και δεν έκλεισε ούτε το στρίφωμα της ρόμπας της. Το στήθος της κρυφοκοιτάει ελαφρώς κάτω από το φόρεμά της. Το κεφάλι στο χέρι δεν γίνεται αμέσως αντιληπτό. Η συγγραφέας προσπάθησε να δείξει την περήφανη και ελαφρώς αλαζονική εμφάνισή της. Σε αυτή τη μάχη, έγινε πραγματική νικήτρια και δεν είχε καθόλου σημασία που ο εχθρός ήταν μεθυσμένος και σε κατάσταση ύπνου. Η ηρωίδα παραμένει ακόμα ένα εύθραυστο, θηλυκό άτομο που είναι έτοιμο να παλέψει μέχρι το τέλος.

Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε την εικόνα το 1901. Η σύζυγος ενός διάσημου τραπεζίτη στη Βενετία πόζαρε για αυτό το πορτρέτο. Η εργασία πραγματοποιήθηκε για αρκετά χρόνια και στη συνέχεια προέκυψε μια νέα σχέση με τη σύζυγο κάποιου άλλου. Ως αποτέλεσμα, ο κόσμος είδε μια αντιφατική εικόνα. Από τη μια, αυτή είναι μια γυναίκα που έγινε σωτήρια. Σκέφτηκε τη νίκη του λαού και γι' αυτό χάρισε τα γούρια της στον Ολοφέρνη. Πολλοί την καταδικάζουν, γιατί ήταν σε μεγάλο βαθμό εκδίκηση και ξέσπασμα θυμού εναντίον ολόκληρου του ανδρικού πληθυσμού.

Όλοι γνωρίζουν ότι η νεαρή κοπέλα ήταν δυστυχισμένη στο γάμο της· δεν έκλαψε καν όταν έμαθε για τον θάνατο του συζύγου της. Ο συγγραφέας χρησιμοποιεί ηλιόλουστα χρώματα ως σύμβολο νίκης και μια νέα περίοδο στη ζωή των Εβραίων. Αλλά τα μάτια της ηρωίδας είναι σχεδόν κλειστά· δεν είναι σαφές αν είναι χαρούμενη για αυτή την εκτέλεση ή μετανιώνει για τη δολοφονία που διέπραξε.

Οι βιογράφοι υποστηρίζουν ότι οφείλεται ακριβώς στην κλίση του στον μινιμαλισμό στο μέγεθος των έργων του που Γκούσταβ Κλιμτέλαβε τη μεγαλύτερη παραγγελία στη ζωή του - μια παραγγελία για να διακοσμήσει το νέο σπίτι του Βέλγου βιομήχανου Adolphe Stoclet, γνωστό ως Stoclet Frieze.

Από τα πιο διάσημα έργα του Κλιμτ είναι η ζωφόρος που εκτέλεσε στην τραπεζαρία του παλατιού Stoclet στις Βρυξέλλες, που έχτισε ο J. Hofmann. Το ίδιο το παλάτι Stoklet είναι ένα τυπικό έργο της αρ νουβό στην αρχιτεκτονική, και η ζωφόρος Klimt ταιριάζει με το στυλ του κτιρίου. Ο Κλιμτ εντυπωσιάστηκε πολύ από τα βυζαντινά ψηφιδωτά, τα οποία είναι ιδιαίτερα αισθητά στη διακόσμηση αυτού του παλατιού. Στην πραγματικότητα, ο μωσαϊκισμός ήταν επίσης εγγενής στο ζωγραφικό του στυλ - συνέθεσε ολόκληρες επιφάνειες στους πίνακές του από μεμονωμένα κομμάτια χρώματος, κάθε είδους μπούκλες και διακοσμητικά θραύσματα. Στη ζωφόρο του παλατιού Stoclet, εργάζεται απευθείας χρησιμοποιώντας την τεχνική του μωσαϊκού: μια ετερόκλητη σύνθεση που αποτελείται από χρωματιστό σμάλτο, γυαλί, κεραμικά, μέταλλο, μερικώς επιχρυσωμένο, ελεφαντόδοντο και φίλντισι.

Η χρήση ακριβών, εξωτικών υλικών σε αυτή τη ζωφόρο είναι επίσης αρκετά στη γεύση της Art Nouveau. Στο βάθος της ζωφόρου διακρίνονται δέντρα με στυλιζαρισμένα κλαδιά σε σπειροειδείς μπούκλες, με φύλλα και πουλιά. Υπάρχουν επίσης εικόνες ανθρώπινων μορφών στη ζωφόρο - "Αναμονή" με τη μορφή γυναικείας φιγούρας, της οποίας το φόρεμα είναι διακοσμημένο με ένα στολίδι από μπούκλες και τρίγωνα με την εικόνα ενός ματιού. Το πρόσωπο απεικονίζεται τόσο όμοιο με το ιαπωνικό που θα μπορούσε κανείς να σκεφτεί ότι αντιγράφηκε από ένα χαρακτικό του δημοφιλούς τότε Hiroige. Οι άλλες δύο φιγούρες συγχωνεύονται σε μια αγκαλιά, θυμίζοντας στη σύνθεση ένα μοτίβο που επαναλαμβάνεται πολλές φορές στους πίνακες του Klimt.

Ο Gustav Klimt ήταν ο ηγέτης της βιεννέζικης πρωτοπορίας στις αρχές του αιώνα, ενεργό μέλος της κοινότητας καινοτόμων καλλιτεχνών Secession. Τα καλύτερα έργα του Κλιμτ είναι τα μεταγενέστερα πορτρέτα του, με τις επίπεδες, μη σκιασμένες επιφάνειες, τα διαφανή χρώματα και σχήματα που μοιάζουν με μωσαϊκό, και τις λεπτές, περίτεχνες γραμμές και μοτίβα τους. Οι πίνακες του Klimt συνδυάζουν δύο αντίθετες δυνάμεις. Από τη μια πλευρά, υπάρχει μια δίψα για απόλυτη ελευθερία στην απεικόνιση των αντικειμένων, η οποία οδηγεί σε ένα παιχνίδι διακοσμητικών μορφών. Αυτά τα έργα είναι στην πραγματικότητα συμβολικά και πρέπει να ιδωθούν στο πλαίσιο του συμβολισμού ως έκφραση ενός ανέφικτου κόσμου πάνω από τον χρόνο και την πραγματικότητα. Από την άλλη, είναι η δύναμη της αντίληψης της φύσης, η επίδραση της οποίας αμβλύνει τη μεγαλοπρέπεια της διακόσμησης στους πίνακές του.

Ο Gustav Klimt δημιούργησε πίνακες που, στην καλλιτεχνική τους αντίληψη, ήταν κοντά σε αντικείμενα διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης. Οι ίδιες οι εντυπώσεις της πραγματικότητας χρησίμευσαν μόνο ως λόγος για την εικόνα, αλλά όχι ως περιεχόμενό της. Οι φιγούρες και τα αντικείμενα ήταν στυλιζαρισμένα στο πνεύμα της Art Nouveau. Το φόντο του Klimt ήταν πάντα επίπεδο, πλεγμένο με μικρά σχέδια. Σε αντίθεση με αυτό το φόντο ήταν απατηλές, τρισδιάστατα ερμηνευμένα μέρη της εικόνας - συνήθως το πρόσωπο.

Ο Κλιμτ απεικόνιζε φιγούρες ως επιμήκεις, συχνά καταφεύγοντας σε μια σιλουέτα που μοιάζει με νησί, εκφραστική. Η σκηνοθεσία των μορφών του Κλιμτ είναι καθαρά συμβατική, αγαλματώδης. αν απεικονίζει δύο άτομα, τότε αυτό είναι πιο συχνά το θέμα μιας αγκαλιάς ή ενός φιλιού· εάν υπάρχουν πολλές φιγούρες στη σύνθεση, τότε όλες συγχωνεύονται σε μια ομάδα και το ίδιο συμβατικό διακοσμητικό φόντο απλώνεται γύρω τους.

Τα μοντέλα που απεικονίζει ο Klimt χαρακτηρίζονται πάντα από αυξημένη συναισθηματικότητα: είναι νευρικά, τεταμένα, αισθησιακά, επιθετικά. Αυτός ήταν ο ατομικός του τόνος αντίληψης της πραγματικότητας. Αποκαλύφθηκε στις προπαρασκευαστικές εργασίες του Klimt - τα σχέδιά του. Ενώ κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη τα σχέδιά του ήταν ελάχιστα γνωστά και δεν δόθηκε μεγάλη σημασία, τα τελευταία χρόνια η γραφική κληρονομιά του Klimt έχει προσελκύσει μεγάλη προσοχή από το κοινό και τους συλλέκτες. Αρκετές εκθέσεις αφιερωμένες αποκλειστικά στα σχέδια του Klimt πραγματοποιήθηκαν με επιτυχία στην Ευρώπη.

Το 1909, ο Klimt συνέχισε το θέμα της Judith, χωρίς να λαμβάνει υπόψη την αρνητική αντίδραση της κοινωνίας στα προηγούμενα έργα του, τα οποία απείχαν πολύ από τα θέματα που περιγράφονται στη Βίβλο. Οι παραδοσιακές ιδέες για την αρετή έδωσαν και πάλι τη θέση τους στη δική τους άποψη για τον κόσμο, «εμποτισμένη» με αισθησιακό ερωτισμό.

Στον πίνακα «Judith II», ο ζωγράφος κατάφερε να δημιουργήσει μια εικόνα που δείχνει ποιες ισχυρές εσωτερικές δυνάμεις μπορούν να κρύβονται στην «αδύναμη» γυναικεία φύση. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου της ζωής και του έργου του Klimt, στην ερωτική του σχέση με την Adele Bloch-Bauer, πιθανότατα εξακολουθούσε να σιγοκαίει, διαφορετικά, πού θα ήταν αυτή η τρομερή, και ταυτόχρονα μαγευτική δύναμη της κακής ενέργειας, που έβγαινε σαν σιντριβάνι από τον καμβά, προέρχονται από;

Ο Κλιμτ δεν αντέδρασε ιδιαίτερα στη φασαρία γύρω από την πρώτη του Judith, η οποία προσέβαλε τις ευαισθησίες τόσο της εβραϊκής αστικής τάξης όσο και των χριστιανών, αλλά αυτή τη φορά αποφάσισε να μην βάλει μια επιγραφή στο πλαίσιο που να υποδεικνύει τον τίτλο του πίνακα, γνωρίζοντας ήδη ότι το έργο θα μιλούσε από μόνος του (το «Judith and Holofernes» παρουσιάστηκε σε χάλκινο πλαίσιο στο οποίο ήταν χαραγμένος ο τίτλος του).

Ο κόσμος αποφάσισε ότι αυτή η μοιραία γυναίκα, που τραβάει το βλέμμα αλλά απωθεί την ψυχή, μπορεί να είναι μόνο η Σαλώμη, της οποίας ο χορός πρέπει να είναι αφιερωμένος στον Έρωτα, που απεικονίζεται σε ένα ενδιαφέρον ντουέτο με τον Θάνατο. ο θεατής έπρεπε να περιμένει την «απαλλαγή», βιώνοντας αγωνιώδη ένταση. Σε πολλούς καταλόγους, το έργο καταγράφηκε με το όνομα της βιβλικής χορεύτριας που σκότωσε τον Ιωάννη τον Βαπτιστή με τον «κολασμένο» χορό της, αλλά το γεγονός ότι ο Κλιμτ δημιούργησε έναν γυναικείο χαρακτήρα που μπορούσε να ενσαρκώσει τις πιο μοχθηρές φαντασιώσεις, αποκαλώντας την με το όνομα η ευσεβής Judith, προκάλεσε και πάλι έντονη αρνητική αντίδραση από τους κριτικούς.

Ο καλλιτέχνης δεν έδωσε ποτέ εξηγήσεις σχετικά με οποιεσδήποτε λεπτομέρειες των έργων του, οπότε παρέμεινε άγνωστο τι κοινό θα μπορούσαν να έχουν, σύμφωνα με το σχέδιο του συγγραφέα, δύο τέτοιες αντιφατικές εικόνες.

Αν στους πίνακες και τις τοιχογραφίες του Klimt μπορεί κανείς να βρει πολλά «αποσπάσματα* από τη δουλειά άλλων καλλιτεχνών, ο εκλεκτικισμός της προέλευσης του στυλ του, η πομπώδης και υπερβολική στυλιζαρίωση της καλλιτεχνικής γλώσσας είναι εντυπωσιακά, τότε στα σχέδια όπου ο καλλιτέχνης κατέγραψε άπταιστα εντυπώσεις από; φύση και σχέδια για μελλοντικούς πίνακες, αποκαλύπτεται η διορατικότητά του. την ικανότητα να δείχνει την ουσία, τον χαρακτήρα ενός μοντέλου και να δημιουργεί μια εκφραστική καλλιτεχνική εικόνα χρησιμοποιώντας λακωνικά μέσα.

Ο αυθορμητισμός και η ειλικρίνεια του Κλιμτ ως συντάκτη εξηγούν στον ιστορικό γιατί αυτός, ως καλλιτεχνική προσωπικότητα, είχε τόσο τεράστια επιρροή στη Βιέννη στις αρχές του αιώνα. Ο Klimt ήταν ένας πολύ ταλαντούχος καλλιτέχνης, αλλά θεώρησε ότι ο στόχος της δουλειάς του δεν ήταν να αποκαλύψει μια ατομική άποψη του κόσμου, αλλά να δημιουργήσει ένα συγκεκριμένο στυλ κοινό στις καλές και διακοσμητικές τέχνες. Ως εκ τούτου, δανείστηκε και δημιούργησε ο ίδιος ορισμένα «κλισέ» εικόνων και στολιδιών, τα οποία χρησιμοποιούσε συνεχώς στα έργα του και που τα μοιάζουν τόσο μεταξύ τους. Προσπάθησε να δώσει στα έργα του βαθιές φιλοσοφικές και ψυχολογικές χροιές. Η ασάφεια των εικόνων και των συνειρμών που ενσαρκώνει ο Κλιμτ. φαίνεται να απηχεί τις ψυχαναλυτικές κατασκευές του σύγχρονου του, του Βιεννέζου γιατρού Sigmund Freud.

Η ασάφεια των συμβόλων που χρησιμοποίησε ο καλλιτέχνης, η τονισμένη ασάφεια στην ανάγνωση όλων των συνθέσεων του, βοήθησαν ώστε να μην προσφερθούν σε μια, με ακρίβεια καθιερωμένη αποκωδικοποίηση, αλλά να ερμηνευθούν από τον καθένα ανάλογα με την καλλιτεχνική του εμπειρία. Έτσι, μπορεί να υπάρχουν πολλαπλές ερμηνείες της σύνθεσής του «Hope», που δημιουργήθηκε το 1903 και απεικονίζει μια νεαρή γυμνή γυναίκα με ανοιχτή μήτρα, μέσα στην οποία βρίσκεται ένα παιδί. Πίσω της είναι ένας σκελετός και μερικά τέρατα, που θυμίζουν το γεγονός ότι η συνέχιση της ανθρώπινης ζωής περνά κάτω από το ζώδιο του θανάτου.

Ο Κλιμτ έκανε μια αρκετά απλή ζωή, δούλευε στο σπίτι του, αφιέρωσε όλο τον χρόνο του στη ζωγραφική (συμπεριλαμβανομένου του κινήματος Secession) και στην οικογένεια και δεν είχε φιλικές σχέσεις με άλλους καλλιτέχνες. Ήταν αρκετά διάσημος ώστε να λαμβάνει πολλές ιδιωτικές παραγγελίες και είχε την ευκαιρία να επιλέξει από αυτές ό,τι ήταν ενδιαφέρον για αυτόν. Όπως ο Ροντέν, ο Κλιμτ χρησιμοποίησε τη μυθολογία και την αλληγορία για να συγκαλύψει τη βαθιά ερωτική του φύση, και τα σχέδιά του συχνά προδίδουν ένα καθαρά σεξουαλικό ενδιαφέρον για τις γυναίκες. Κατά κανόνα, τα μοντέλα του συμφώνησαν να ποζάρουν σε οποιαδήποτε θέση, όσο ερωτική κι αν ήταν. πολλοί από αυτούς ήταν ιερόδουλες.

Ο Κλιμτ έγραψε πολύ λίγα για το όραμά του για την τέχνη ή τις μεθόδους του. Δεν κρατούσε ημερολόγιο και έστελνε καρτ-ποστάλ στο Flöge. Στο δοκίμιο «Σχόλιο για μια ανύπαρκτη αυτοπροσωπογραφία» αναφέρει: «Δεν έχω ζωγραφίσει ποτέ αυτοπροσωπογραφίες. Με ενδιαφέρει πολύ λιγότερο ο εαυτός μου ως θέμα μιας εικόνας από ό,τι για άλλους ανθρώπους, ειδικά για γυναίκες... Δεν υπάρχει τίποτα το ιδιαίτερο σε μένα. Είμαι ένας καλλιτέχνης που ζωγραφίζει μέρα με τη μέρα από το πρωί μέχρι το βράδυ... Όποιος θέλει να μάθει κάτι για μένα... θα πρέπει να εξετάσει προσεκτικά τους πίνακές μου».

Ο Γκούσταβ Κλιμτ δεν παντρεύτηκε ποτέ, αλλά είχε πολλές υποθέσεις. Του πιστώνεται ότι έχει από τρία έως σαράντα νόθα παιδιά. Για παράδειγμα, ο Αυστριακός σκηνοθέτης και εικονολήπτης Gustav Uczycki ισχυρίστηκε ότι ήταν γιος του Klimt.

Στη μακρύτερη και στενότερη σχέση του με γυναίκα, το σεξ μπορεί να απουσίαζε εντελώς, σύμφωνα με βιογράφους.

Στις τεχνικές «διαχείρισής» του, ο Κλιμτ θύμιζε εκπληκτικά έναν άλλο διάσημο κάτοικο της Βιέννης εκείνη την εποχή - τον Σίγκμουντ Φρόιντ, ο οποίος επίσης έκανε περιουσία από τις ιδιοτροπίες πλουσίων κυριών. Παρεμπιπτόντως, οι ομοιότητες δεν σταματούν εκεί. Ο ερωτισμός που διαποτίζει σχεδόν κάθε πίνακα του Κλιμτ αντηχεί αξιοσημείωτα με την πανταχού παρούσα φροϋδική λίμπιντο και η συμβολική μάχη των παγκόσμιων στοιχείων - άλλο ένα μοτίβο του έργου του - ερμηνεύεται παραδοσιακά μέσα από τη φροϋδική αντιπαράθεση μεταξύ του Έρωτα και του Θανάτου. Αν και είναι ακόμα άγνωστο τι συνέβη πριν, επειδή ο Φρόυντ ανέπτυξε αυτό το μέρος της θεωρίας του μετά τον θάνατο του Κλιμτ.

Το αν ο Κλιμτ είχε διαβουλεύσεις με τον Φρόιντ είναι, φυσικά, μια ενδιαφέρουσα ερώτηση. Φυσικά, ο Gustav, με την ελάχιστα κρυμμένη ερωτομανία του, ήταν ένα πραγματικό όφελος για τους ψυχαναλυτές, αλλά είναι απίθανο ο ίδιος να θεωρούσε την αδυναμία του ασθένεια που απαιτεί θεραπεία. Αντίθετα, φλέρταρε χαρούμενα με νεαρές καλλονές και όταν του το επέτρεπαν τα έσοδά του, κανόνισε στο εργαστήριό του ένα πραγματικό σεράλι. Όταν ο ιδιοκτήτης με σανδάλια και μια αρχαία ελληνική χλαμύδα σε γυμνό σώμα δούλευε στον καμβά, τρία ή τέσσερα γυμνά όμορφα μοντέλα συνήθως τριγυρνούσαν, ξάπλωναν και κάθονταν, τρώγοντας φρούτα - μια ανεξάντλητη πηγή έμπνευσης. Από καιρό σε καιρό φώναζε σε έναν από αυτούς «Πάγωσε!» και σκιαγράφησε τη πόζα που του έκανε εντύπωση - είχαν απομείνει αρκετές χιλιάδες τέτοια σκίτσα μετά τον Κλιμτ, χωρίς να υπολογίζουμε αυτά που έκαψε, θεωρώντας τα πλέον απαραίτητα.

Περιττό να πούμε ότι ο νεοσύστατος σουλτάνος ​​δεν περιορίστηκε στον πλατωνικό στοχασμό της παρθενικής ομορφιάς και τα μοντέλα του έκαναν τακτικά παιδιά. Φήμες αποδόθηκαν στον Κλιμτ μιάμιση ντουζίνα νόθα παιδιά, τα οποία, παρεμπιπτόντως, αναγνώρισε πρόθυμα ως δικά του και έδωσε χρήματα για τη συντήρησή τους. Ο Gustav ξεχώρισε ιδιαίτερα μια συγκεκριμένη Mizzi, τη Maria Zimmerman, η οποία του γέννησε έναν γιο και μια κόρη - την προστάτευσε σε όλη του τη ζωή, βοηθώντας όχι μόνο με χρήματα, αλλά και με καλές συμβουλές, αποτρέποντάς την κάποτε από μια σαγηνευτική αλλά επικίνδυνη καριέρα. καλλιτέχνης.

Ήταν κόρη του κατασκευαστή σωλήνων Hermann Flöge (1837-1897) και εκπαιδεύτηκε για πρώτη φορά ως μόδιστρος. Αργότερα έγινε σχεδιάστρια μόδας και, μαζί με την αδερφή της Helena, είχαν ένα σαλόνι υψηλής ραπτικής που ονομάζεται Flöge Sisters στη Βιέννη από το 1904.

Το βιβλίο της Elizabeth Hickey The Painted Kiss είναι αφιερωμένο στη ζωή της Emilia. Το ζωγραφισμένο φιλί) (αναφορά στον πίνακα του Klimt «The Kiss») (Wikipedia)

Το 1904, οι τρεις αδερφές Flöge ίδρυσαν έναν οίκο μόδας και έγιναν οι κορυφαίοι Βιεννέζοι couturier. Προσαρμόζοντας τις παριζιάνικες μόδες στα τοπικά γούστα και δημιουργώντας τα δικά τους σχέδια, οι αδερφές έντυσαν τις πιο κομψές -και πλούσιες- γυναίκες στην Αυστρία. Ο Klimt συνέβαλε στα μοντέλα του Flöge και βοήθησε να διακοσμήσει την αίθουσα επιδείξεων.

Σταδιακά, η Emilia και ο Gustav έγιναν αχώριστοι - τουλάχιστον στα επαγγελματικά. Πολλοί βιογράφοι και ειδικοί αμφιβάλλουν ότι είχαν σχέση. Η Emilia ήταν περήφανη για τη μοντερνότητά της, στην προσωπική της ζωή κανείς δεν μπορούσε να της υπαγορεύσει και ο Klimt, όπως φαίνεται, την αντιμετώπιζε ως ίσο άτομο.

Ωστόσο, ο Klimt ζωγράφισε μόνο μερικά πορτρέτα της Emilia. Ο πίνακας του 1902 αξίζει ιδιαίτερης προσοχής. Αποτίοντας φόρο τιμής στην αγαπημένη επιχείρηση της γυναίκας (ήταν συνιδιοκτήτρια του οίκου μόδας Flöge Sisters και ταλαντούχος σχεδιαστής μόδας), ο καλλιτέχνης την έντυσε με μια στολή με ένα περίπλοκο διακοσμητικό μοτίβο στο στυλ «υπογραφής» του. Αλλά αυτό που είναι πιο σημαντικό σε αυτόν τον πίνακα του Gustav Klimt είναι η φροντίδα με την οποία είναι ζωγραφισμένα το πρόσωπο και τα χέρια της Emilia. Οι ερευνητές πιστεύουν ότι μια τέτοια λεπτομέρεια δείχνει ότι γνώριζε καλά αυτό το πρόσωπο και τα χέρια.

Οι βιογράφοι εξακολουθούν να μην μπορούν να συμφωνήσουν σχετικά με το είδος της σχέσης που συνέδεσε τον Klimt και τον Flöge. Κάποιοι ισχυρίζονται ότι ήταν η μόνιμη ερωμένη του, την οποία δεν πρόλαβε ποτέ να παντρευτεί. Άλλοι είναι σίγουροι ότι η σχέση τους ήταν καθαρά πλατωνική και γι' αυτό η Αιμιλία δεν γέννησε παιδί για τον καλλιτέχνη. Όπως και να έχει, η σχέση μεταξύ του Klimt και του Flöge διήρκεσε 27 χρόνια και, σύμφωνα με αυτόπτες μάρτυρες, τα τελευταία λόγια του καλλιτέχνη μετά το εγκεφαλικό που τον χτύπησε ήταν ένα αίτημα να στείλει την Emilia.

Γιατί να ταπεινώσεις μια άξια γυναίκα μέσω της πλασματικής οικειότητας με έναν σεξουαλικό μανιακό που την απατούσε σχεδόν κάθε μέρα; Ακριβώς με το επιχείρημα ότι κάποιος είδε το πρόσωπο της Emilia στο περίφημο "Kiss" του Klimt; Αυτή είναι λοιπόν μόνο μία από τις υποθέσεις· η ηρωίδα του "The Kiss" δεν μοιάζει πολύ με αξιόπιστα πορτρέτα της Emilia. Αλλά αν ο Klimt ήθελε να απεικονίσει την Emilia, θα το έκανε χωρίς δυσκολία - με τη φωτογραφική του ακρίβεια... Επιπλέον, δύο άτομα συμμετέχουν στο «The Kiss», και ο άντρας, φυσικά, πρέπει να είναι ο ίδιος ο Klimt. Αλλά ο καλλιτέχνης δήλωσε επίσημα στην εκτύπωση ότι οι αυτοπροσωπογραφίες του δεν υπάρχουν, αφού δεν θεωρεί τον εαυτό του ούτε κατάλληλο υλικό για δημιουργικότητα ούτε ένα αρκετά ενδιαφέρον αντικείμενο για τον θεατή.

Περιγραφή του πίνακα του Gustav Klimt "Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer II"

«...Τρομερά τρυφερό και νωχελικό...Πνευματικό πρόσωπο... Αυτάρεσκο και κομψό», είναι αυτό το απόσπασμα από τη φράση της Μαρίας Άλτμαν, ανιψιάς της Αντέλ Μπλοχ-Μπάουερ, που θυμόταν τη διάσημη θεία της με θαυμασμό και αγάπη, είναι πιο κατάλληλο ως επίγραφο στο τέταρτο και τελευταίο έργο του Κλιμτ, στο οποίο απαθανατίζεται μια από τις ιδιόμορφες «μούσες» του.

Το "Portrait of Adele Bloch-Bauer II" ζωγραφίστηκε από τον δάσκαλο το 1912, πέντε χρόνια μετά τη δημιουργία του "Golden Adele". Η ομορφιά της ηρωίδας δεν έχει ξεθωριάσει με τα χρόνια, τα σκούρα μαλλιά και τα φωτεινά, αισθησιακά χείλη της εξακολουθούν να είναι ελκυστικά. Η αντίθεση τους με τον απαλό τόνο του καμβά τους δίνει μια μέτρια δόση φρεσκάδας. Το βλέμμα είναι εξίσου σίγουρο, αν και προστίθεται μια λεπτή θλίψη. Το στολίδι "υπογραφή" Klimt φαίνεται αρμονικό. Ο πλοίαρχος δεν δημιούργησε βάθος προοπτικής, αποφασίζοντας να παραμείνει στο αεροπλάνο. Το φόρεμα της Adele απεικονίζεται επίσης στο συνηθισμένο δισδιάστατο επίπεδο και αυτό ισχύει και για το εσωτερικό, χωρισμένο σε δύο μέρη: κόκκινο και πράσινο.

Ένα σημαντικό μέρος των στοιχείων της εικόνας είναι φτιαγμένα σε απλοποιημένη μορφή και η εικόνα των χεριών φαίνεται ακόμη σχηματική, αλλά όλη η προσοχή του θεατή στρέφεται στο πρόσωπο, το οποίο ανήκει σε μια κακομαθημένη γυναίκα, αλλά τόσο μυστηριώδη και «βαθιά .»

Η Adele στέκεται στο μονοπάτι του κήπου, η πόζα της μοιάζει με εικονογραφική εικόνα. Ο σύζυγος Φερδινάνδος, προφανώς ικανοποιημένος με την εκπλήρωση του «Ιησουιτικού» σχεδίου του, σύμφωνα με το οποίο ο Κλιμτ θα έπρεπε να είχε αναπτύξει μια αποστροφή προς το μοντέλο-ερωμένη του, δεν είναι πλέον εναντίον της εμφάνισης της γυναίκας του στον κήπο του ζωγράφου. Υπήρχαν πολλές κακές φήμες στη Βιέννη που ανέφεραν αυτόν τον κήπο, όπου μπορούσε κανείς να συναντήσει γυμνές κυρίες διαφορετικών τάξεων. Οι φήμες υποστήριξαν επίσης ότι ο Klimt ζωγράφιζε από αδέσμευτα μοντέλα και τα «έντυσε» με διακοσμητικά ρούχα μόνο στο τέλος της δουλειάς. Πιθανότατα, κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου της σχέσης μεταξύ του ζωγράφου και της Adele, η σύνδεσή τους ήταν ήδη μακριά από το θυελλώδες πάθος με το οποίο ήταν κορεσμένοι οι προηγούμενοι πίνακες.

Το έργο, όπως και η πρώτη του έκδοση, έφυγε από την Αυστρία το 2006 και τώρα βρίσκεται στις ΗΠΑ.

Όχι, δεν πρέπει να αναζητήσετε την «αληθινή και αιώνια αγάπη» στη βιογραφία του Klimt. Αυτός, όπως κανείς άλλος, ήξερε πώς να απεικονίζει τις γυναίκες ως ανείπωτα επιθυμητές, αλλά αυτό δεν σημαίνει καθόλου ότι τον επισκέφτηκε τουλάχιστον μια φορά στη ζωή του ένα παράλογο συναίσθημα ερωτευμένου. Απόλυτος πραγματιστής στη δουλειά και στην καθημερινή ζωή, ο Κλιμτ δεν ήταν σε καμία περίπτωση ένας από τους ανθρώπους που κατακλύζονταν από πάθη. Επιπλέον, σε όλη του τη ζωή προσπάθησε για πλήρη ελευθερία και, πολύ πιθανόν, απέφυγε συνειδητά τυχόν μακροχρόνιες προσκολλήσεις και βαθιά χόμπι - ήταν αρκετά ικανοποιημένος με εύκολα προσβάσιμα μοντέλα και επιπόλαιους θαυμαστές.

Η μόνη γυναίκα που απόλαυσε την ακλόνητη αφοσίωση και αγάπη του Γκουστάβ σε όλη του τη ζωή ήταν η μητέρα του, Άννα Κλιμτ. Ονειρευόταν να κάνει μουσική επαγγελματικά και να ταξιδέψει σε όλο τον κόσμο με συναυλίες, αλλά αυτό δεν έμελλε να γίνει πραγματικότητα. Δεν είναι γνωστό ποιος ακριβώς ήταν ο λόγος: είτε η έλλειψη ταλέντου, είτε ο γάμος και η γέννηση επτά παιδιών. Όπως και να έχει, τελικά, η Άννα αποφάσισε να αφιερώσει ολοκληρωτικά τη ζωή της στον διάσημο γιο της. Δεν βγήκε μαζί του και δεν προσπάθησε να πιστώσει μέρος των προσόντων του Κλιμτ, αλλά απλώς έζησε ήσυχα και απαρατήρητη στο σπίτι του γιου της, φροντίζοντας μόνο να έχει πάντα ένα ζεστό γεύμα και καθαρά ρούχα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης το θεωρούσε δεδομένο, αν και δεν είχε ιδιαίτερες ιδιοτροπίες. Παρασυρμένος από τη δουλειά του, συχνά ξεχνούσε να φάει και προτιμούσε την μπλούζα του παραδοσιακού μπλε καλλιτέχνη από οποιοδήποτε άλλο ρούχο. Όλα τα χρόνια έζησε ήσυχα και απαρατήρητη δίπλα στον διάσημο γιο της, ετοιμάζοντας τα πρωινά του, προετοιμάζοντας τον για σπάνια ταξίδια και προσποιούμενη ότι δεν ήξερε τίποτα για τα έθιμα του εργαστηρίου του. Σχεδόν όλη μου τη ζωή Γκούσταβ Κλιμτπέρασε στη Βιέννη, ζώντας με τη μητέρα του. Παρά την έντονη σωματική του διάπλαση και την αγάπη του για τον αθλητισμό, ολοένα και περισσότερο τον ξεπερνούσαν καταθλιπτικές καταστάσεις και από το 1912 Κλιμταναγκάζονται να πηγαίνουν στο νερό κάθε χρόνο. Ο θάνατος της μητέρας του το 1915 συγκλόνισε τον Κλιμτ περισσότερο από όλες τις φρικαλεότητες του Παγκοσμίου Πολέμου.

Στις 6 Φεβρουαρίου, ο Gustav Klimt πέθανε στη Βιέννη από πνευμονία, έχοντας προηγουμένως υποστεί εγκεφαλικό. Κηδεύτηκε στο νεκροταφείο Hietzing στη Βιέννη. Πολλοί πίνακες έμειναν ημιτελείς.

Γενικά, τα πρώτα χρόνια του αιώνα μας, ο Κλιμτ ήρθε επανειλημμένα σε σύγκρουση με το κοινό, το οποίο δεν δεχόταν τα έργα του. Το 1903, ο Secession οργάνωσε μια προσωπική έκθεση του Klimt, αλλά μετά από αυτό ο καλλιτέχνης έσπασε με τον σύλλογο, γεγονός που δείχνει τις διαφωνίες του με τους συναδέλφους του.

Ωστόσο, παρόλο που ο Κλιμτ δεν ήταν ομαλή καλλιτέχνης και δεν ήταν πάντα κατανοητός από τους συγχρόνους του, είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της αυστριακής τέχνης στις αρχές του 20ού αιώνα. Ο Κλιμτ εισήγαγε για πρώτη φορά την έννοια του μεγάλου στυλ στην αυστριακή ζωγραφική.

Μέχρι το τέλος της ζωής του το 1917, ο Κλιμτ είχε κερδίσει την πλήρη επίσημη αναγνώριση και έγινε επίτιμος καθηγητής στις ακαδημίες της Βιέννης και του Μονάχου.

Το εξαιρετικά ατομικό του στυλ σχεδίασης έγινε η βάση για την αναζήτηση νεότερων καλλιτεχνών, μελλοντικών εκπροσώπων του εξπρεσιονισμού - Oskar Kokoschka και Egon Schiele.

Η ευρεία αναγνώριση του έργου του καλλιτέχνη αποδεικνύεται από το γεγονός ότι κατά τη διάρκεια της ζωής του τα έργα του αγοράστηκαν όχι μόνο από ιδιώτες συλλέκτες, αλλά και από μεγάλες κρατικές γκαλερί. Έτσι, το 1908, η Πινακοθήκη Μοντέρνας Τέχνης στη Ρώμη αγόρασε το έργο του «The Three Ages of a Woman» και η Αυστριακή Κρατική Πινακοθήκη αγόρασε το έργο του «The Kiss». Είναι αλήθεια ότι πριν από εκείνη τη στιγμή κατάφερε να τσακωθεί με τους συμμετέχοντες της Απόσχισης και έφυγε από αυτήν την οργάνωση. Στις 6 Φεβρουαρίου 1918, ο καλλιτέχνης πέθανε στο ζενίθ της φήμης του - κάτι σπάνιο στην ιστορία της ζωγραφικής.

Τα έργα του Κλιμτ πουλήθηκαν με διαρκή επιτυχία ακόμη και μετά το θάνατο του συγγραφέα, αυξάνοντας συνεχώς την τιμή τους. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, οι Ναζί αγόρασαν σχεδόν τίποτα τους πίνακες του καλλιτέχνη από ιδιώτες, πολλοί από τους οποίους ήταν Εβραίοι. Σώζοντας τη ζωή τους, οι συλλέκτες δεν δίστασαν να αποχωριστούν τα υπάρχοντά τους. Στα μέσα του εικοστού αιώνα, οι εμβληματικοί πίνακες του Αυστριακού εγκαταστάθηκαν σε κρατικές γκαλερί. Οι δημοπρασίες περιελάμβαναν κυρίως σχέδια.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, ένα τοπίο του Klimt μπορούσε να αγοραστεί για 400-600 χιλιάδες δολάρια. Το 1978, ο αντιπρόσωπος της Νέας Υόρκης Serge Sabarsky αγόρασε το έργο του πλοιάρχου «Park» για 500 χιλιάδες δολάρια. 1 εκατομμύριο δολάρια Μια δεκαετία αργότερα, οι τιμές για παρόμοια εργασία έχουν αυξηθεί σχεδόν 4 φορές. Για παράδειγμα, το 1987, μια κάτοικος Καναδά, η κα Primavesi, πούλησε στους Sotheby’s ένα υπέροχο πορτρέτο της μητέρας της από τον Gustav Klimt - «Portrait of Eugenia (Mada) Primavesi». Αξιοσημείωτο είναι ότι ο καμβάς ανήκε στην πιο διάσημη λεγόμενη χρυσή περίοδο του πλοιάρχου. Ο Ιάπωνας έμπορος έργων τέχνης Shigeki Kameyama το πήρε μόνο για 3,85 εκατομμύρια δολάρια. Αλλά το 1994, στον οίκο Sotheby's, ένα έργο της ίδιας περιόδου, «Lady with a Fan», πουλήθηκε για 11,5 εκατομμύρια δολάρια. Το 1997, ο πίνακας «Castle of Chambers on Lake Το Attersee II" δημοπρατήθηκε στον Christie's για 23,5 εκατομμύρια δολάρια. Ο πωλητής, ο οποίος αγόρασε αυτόν τον πίνακα δέκα χρόνια νωρίτερα από τον Sotheby's για 5,3 εκατομμύρια δολάρια, κέρδισε 18,2 εκατομμύρια δολάρια. Το 2003, το «Country House in Attersee» πουλήθηκε στον Sotheby's για μόλις 3 εκατομμύρια δολάρια. χρόνια αργότερα, οι τιμές για έργα Klimt του ίδιου επιπέδου και της ίδιας περιόδου αυξήθηκαν ξανά. Μετά από ένα νομικό σκάνδαλο (που συζητείται παρακάτω), το "Houses in Unterach κοντά στο Attersee" θα πουληθεί στον Christie's για 31,4 εκατομμύρια δολάρια. Όχι μόνο τελειωμένοι καμβάδες και σκίτσα με μολύβι πωλήθηκαν σε δημοπρασία, αλλά ακόμη και καρτ ποστάλ με ακουαρέλα ζωγραφισμένα από τον ίδιο τον Klimt. Έτσι, τον Οκτώβριο του 1999. Στον οίκο Sotheby's, ένας άγνωστος αγοραστής αγόρασε ένα σετ 24 καρτ-ποστάλ για 481,4 χιλιάδες δολάρια.

Για την παγκόσμια αγορά τέχνης, το 2003 χαρακτηρίστηκε από μια αίσθηση. Μετά από μεγάλη καθυστέρηση, ένα αμερικανικό δικαστήριο έκανε δεκτή την αίτηση της αμερικανίδας πολίτη Μαρία Άλτμαν κατά της Δημοκρατίας της Αυστρίας. Η 76χρονη ενάγουσα ζήτησε να της παραδοθούν πέντε πίνακες του Γκούσταβ Κλιμτ, που φυλάσσονταν στην Αυστριακή Πινακοθήκη που βρίσκεται στο παλάτι Belvedere της Βιέννης. Η κυρία Altmann, κληρονόμος του αείμνηστου Αυστριακού βιομήχανου Bloch-Bauer, υποστήριξε ότι οι πίνακες αφαιρέθηκαν παράνομα από τον πρόγονό της από τους Ναζί, από τα χέρια των οποίων κατέληξαν στη γκαλερί. Η βάση για την αξίωση ήταν η νέα έκδοση του αυστριακού νόμου περί αποκατάστασης που τέθηκε σε ισχύ αρκετά χρόνια νωρίτερα. Είναι πιθανό ότι η ηλικιωμένη κυρία συμβουλεύτηκε να το κάνει αυτό από επαγγελματίες. «Είναι πιθανό ότι αυτό δεν ήταν μόνο προσωπική της απόφαση. Παραδέχομαι ότι η Μαρία Άλτμαν συμβουλεύτηκε να μπει σε δικαστικές διαμάχες για τους πίνακες από άτομα που σκόπευαν να βγάλουν καλά χρήματα από αυτό», λέει ο ιδιοκτήτης της γκαλερί Bosco. Πράγματι, η παγκόσμια αγορά τέχνης βιώνει μια έλλειψη εμβληματικών έργων ζωγραφικής μεγάλων καλλιτεχνών εδώ και πολλά χρόνια. Και η πρόκληση δοκιμών αποκατάστασης είναι ένας από τους λίγους αποτελεσματικούς τρόπους για να καλυφθεί αυτό το κενό. Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η εκδήλωση έλαβε πρωτοφανή δημοσιότητα λόγω του γεγονότος ότι ανάμεσα στους αμφιλεγόμενους πίνακες υπήρχε ένα μαργαριτάρι όχι μόνο της Αυστριακής Πινακοθήκης και του έργου του Klimt, αλλά και όλης της σύγχρονης τέχνης - ο πίνακας «Πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer I », ζωγραφίστηκε το 1907. Οι Αυστριακοί την αποκαλούσαν τη Μόνα Λίζα τους.

Απαθανατισμένη στον καμβά, η Adele ήταν η νεαρή σύζυγος του ηλικιωμένου επιχειρηματία και φιλάνθρωπου Bloch-Bauer, ο οποίος στήριξε οικονομικά τον Klimt για πολλά χρόνια. Ήταν αυτός που παρήγγειλε το πορτρέτο κάποτε. Παρεμπιπτόντως, η Frau Bloch-Bauer έμεινε επίσης στην ιστορία ως το μοναδικό μοντέλο από το οποίο ο Gustav Klimt ζωγράφισε ένα πορτρέτο δύο φορές.

Φαινόταν ότι η δήλωση της Μαρίας Άλτμαν είχε πολύ ασαφείς νομικές προοπτικές. Ειδικά αν λάβουμε υπόψη την προχωρημένη ηλικία του ενάγοντα. Το πιο εντυπωσιακό όμως το 2006 ήταν η απόφαση του δικαστηρίου υπέρ της. Ξεκίνησε πανικός στην Αυστρία. Μέλη της κυβέρνησης έσπευσαν να αναζητήσουν θαμώνες που ήταν πρόθυμοι να αγοράσουν πέντε πίνακες από τη κληρονόμο, στη συνέχεια τραπεζίτες πρόθυμοι να δώσουν ένα δάνειο για αυτήν την επιχείρηση και τελικά έκαναν μια ανεπιτυχή προσπάθεια να εκδώσουν «ομόλογα Klimt» για να εισπράξουν το απαιτούμενο ποσό. Εν τω μεταξύ, ο νέος ιδιοκτήτης αύξανε την τιμή των εμπορευμάτων: 100 εκατομμύρια δολάρια, 150 εκατομμύρια δολάρια, 200 εκατομμύρια δολάρια... Όταν η ηλικιωμένη γυναίκα ζήτησε 300 εκατομμύρια δολάρια για τους πίνακες, οι Αυστριακοί τα παράτησαν. Τον χειμώνα του 2006, η Ομοσπονδιακή Καγκελάριος της Αυστρίας ανακοίνωσε επίσημα τον τερματισμό των διαπραγματεύσεων και την άρνηση του κράτους στο δικαίωμα προτεραιότητας αγοράς. Και ήδη το καλοκαίρι του ίδιου έτους, μια νέα αίσθηση ξέσπασε: «Το πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer I» αγοράστηκε από τον φιλάνθρωπο Ronald Lauder, κληρονόμο της διάσημης Estee Lauder, ιδρυτή της ομώνυμης αυτοκρατορίας καλλυντικών, για ένα ρεκόρ 135 εκατομμυρίων δολαρίων. Έτσι, αυτός ο πίνακας έγινε ο πιο ακριβός στον κόσμο εκείνη την εποχή, σπάζοντας το ρεκόρ των 104 εκατομμυρίων δολαρίων που είχε τεθεί το 2004 στους Sotheby's για το «Boy with a Pipe» του Πάμπλο Πικάσο. Απαραίτητη προϋπόθεση της αγοράς ήταν ότι ο Lauder συμφώνησε να εκθέσει το πορτρέτο στη δική του γκαλερί της Νέας Υόρκης, Neue Galerie, για δημόσια προβολή. Η συμφωνία ολοκληρώθηκε παρακάμπτοντας τους δημοπρατητές, γεγονός που επέτρεψε στον επιχειρηματία να εξοικονομήσει έως και 20% του κόστους της σε προμήθειες. Παρεμπιπτόντως, πολλοί συλλέκτες επιλέγουν αυτή τη μέθοδο αναπλήρωσης συλλογών. Σύμφωνα με το Ευρωπαϊκό Ίδρυμα Καλών Τεχνών (TEFAF), η παγκόσμια ιδιωτική αγορά τέχνης είχε αξία 30 δισεκατομμυρίων δολαρίων το 2007.

Η μοίρα των άλλων τεσσάρων πινάκων "belvedere" αξίζει επίσης προσοχή. Η διαφημιστική εκστρατεία γύρω από το πρώτο πορτρέτο της Adele έκανε τη δουλειά της: το θερμό κοινό των δημοπρασιών ήταν έτοιμο να αποχωριστεί τα εκατομμύρια χωρίς τύψεις. Το 2006, τέσσερις πίνακες από το Belvedere δημοπρατήθηκαν στον οίκο Christie's για 192,6 $. Για το «Portrait of Adele Bloch-Bauer II» κατάφεραν να κερδίσουν 87,9 εκατομμύρια δολάρια (εκτίμηση: 40-60 εκατομμύρια δολάρια). Για το "Birch Forest" - 40,3 εκατομμύρια δολάρια (εκτίμηση - 20-30 εκατομμύρια), το «Apple Tree I» κέρδισε 33 εκατομμύρια δολάρια (εκτίμηση - 15-25 εκατομμύρια δολάρια) και το «Houses in Unterach κοντά στο Attersee», όπως ήδη αναφέρθηκε, - για $31,4 εκατομμύρια (εκτίμηση: $18-25 εκατομμύρια). Η κ. Άλτμαν παραδέχτηκε τότε με σεμνότητα στον Τύπο ότι ήταν ικανοποιημένη με τα αποτελέσματα της συμφωνίας. Και ο Edward Dolman, εκτελεστικός διευθυντής του Christie's International, επιβεβαίωσε: «Το 2006 ήταν μια εκπληκτική χρονιά για τον Christie's». Ήταν το 2006 που οι πωλήσεις κατοικιών αυξήθηκαν κατά 36% σε νομισματικούς όρους. Μόνο τα έσοδα από την πώληση ιμπρεσιονιστών και μοντερνιστών ξεπέρασαν τα 1,2 δισεκατομμύρια δολάρια Η ιστορία της πώλησης της «Χρυσής Αντέλ» επηρέασε ριζικά την απότομη αύξηση της τιμής όλων των έργων του Κλιμτ που τέθηκαν προς πώληση. Επιπλέον, ορισμένοι ειδικοί αξιολογούν αυτή την επιρροή αρνητικά. Έτσι, η Αμερικανίδα κριτικός τέχνης Elizabeth Kujawski σημειώνει: «Πρόκειται για μια τεχνητή αγορά που δημιουργήθηκε από ένα μόνο άτομο. Σε όλες τις περιπτώσεις πρόσφατων πωλήσεων του Klimt, οι τιμές για τα έργα του διογκώθηκαν αδικαιολόγητα κατά τουλάχιστον δύο φορές. Αυτό οφείλεται κυρίως στη «Golden Adele». Σε απάντηση σε αυτό, ο Lauder απαντά, μισοαστεία και μισοσοβαρά: «Δεν είχα καμία πρόθεση να διαμορφώσω την αγορά με οποιονδήποτε τρόπο. Απλώς με κυρίευσε το πάθος. Κανείς σε ολόκληρο τον κόσμο δεν την ήθελε ("Golden Adele." - Σημείωση του συγγραφέα) όσο εγώ."

Το 2006 κυκλοφόρησε η ταινία του Χόλιγουντ "Klimt". Η εικόνα ξεκινά με τον καλλιτέχνη να πεθαίνει στην κλινική, τον οποίο υποδύεται ο John Malkovich, μουρμουρίζοντας: "Λουλούδια, λουλούδια...". «Τι είδους λουλούδια;» - όλοι στην πτέρυγα κοιτάζουν τριγύρω με σύγχυση... Σε μια συνέντευξη Τύπου, ο σκηνοθέτης Ραούλ Ρουίζ ρωτήθηκε αν αυτό ήταν ένας υπαινιγμός στο σύμβολο ολόκληρης εκείνης της εποχής - «Τα Λουλούδια του Κακού» του Σαρλ Μπωντλαίρ; Σε απάντηση, ο Ruiz γέλασε: «Τα λουλούδια είναι τα ίδια τα κύτταρα των οποίων η διαίρεση σε ένα από τα επεισόδια φαίνεται στον καλλιτέχνη κάτω από ένα μικροσκόπιο από τον φίλο του, έναν γιατρό, - τα κύτταρα σύφιλης που σκότωσαν τον Klimt».

Αναφορά:

Στυλ αρ νουβό(από το γαλλικό moderne - μοντέρνο, άλλο όνομα: art nouveau (γαλλικά art nouveau, λιτ. «νέα τέχνη»), Jugendstil (γερμανικά Jugendstil - «νεανικό στυλ») - ένα καλλιτεχνικό κίνημα στην τέχνη, το πιο δημοφιλές στο δεύτερο μισό XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα Ξεχωριστά χαρακτηριστικά του στυλ Art Nouveau είναι η απόρριψη ευθειών γραμμών και γωνιών προς όφελος πιο φυσικών, «φυσικών» γραμμών, το ενδιαφέρον για τις νέες τεχνολογίες (για παράδειγμα, στην αρχιτεκτονική) και η άνθηση της εφαρμοσμένης τέχνης.

Η Art Nouveau προσπάθησε να συνδυάσει τις καλλιτεχνικές και χρηστικές λειτουργίες των έργων που δημιουργήθηκαν και να εμπλέξει όλους τους τομείς της ανθρώπινης δραστηριότητας στη σφαίρα της ομορφιάς. Σε άλλες χώρες ονομάζεται επίσης: «Tiffany» (ονομάστηκε από τον L. K. Tiffany) στις ΗΠΑ, «Art Nouveau» και «fin de siècle» (λιτ. «τέλος του αιώνα») στη Γαλλία, «Jugendstil» (ακριβέστερα , " "Jugendstil" - Γερμανικό Jugendstil, από το όνομα του εικονογραφημένου περιοδικού Die Jugend που ιδρύθηκε το 1896) στη Γερμανία, "Secession style" (Secessionsstil) στην Αυστρία, "μοντέρνο στυλ" (κυριολεκτικά "μοντέρνο στυλ") στην Αγγλία, " Liberty style στην Ιταλία, μοντερνισμός στην Ισπανία, Nieuwe Kunst στην Ολλανδία, στυλ ερυθρελάτης (style sapin) στην Ελβετία.

Η ερωτική είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με την τέχνη, ιδιαίτερα με την τέχνη, τα μέσα έκφρασης της οποίας είναι ορατά, απτά αντικείμενα - καμβάς, γλυπτική, φωτογραφία. Ο Ιταλός ψυχολόγος, φιλόσοφος και καλλιτέχνης Antonio Meneghetti είπε: «Κατά τη δημιουργία, ο καλλιτέχνης βιώνει στιγμές της σεξουαλικότητάς του· ο καλλιτέχνης, απεικονίζοντας το σώμα κάποιου άλλου, στην πραγματικότητα απεικονίζει τον δικό του ερωτισμό». Ο άνθρωπος σμίλεψε και ζωγράφιζε γυμνά σώματα στην παλαιολιθική εποχή, η αρχαία εποχή είναι επίσης γεμάτη από γλυπτά που εξυμνούν το ανδρικό και γυναικείο γυμνό, και στη σύγχρονη τέχνη ο ερωτισμός έχει φτάσει στο αποκορύφωμά του. Ένας από τους καλύτερους εκπροσώπους της υψηλής τέχνης, που εμπνεύστηκε από τον ερωτισμό, είναι ο Αυστριακός μοντερνιστής καλλιτέχνης Gustav Klimt, του οποίου οι καμβάδες κορυφώνονται στις πιο έγκυρες δημοπρασίες των ημερών μας.

Ο Gustav Klimt ήταν ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους της αυστριακής Art Nouveau, καθώς και ο πρόεδρος του " Απόσχιση της Βιέννης», εξελέγη σε αυτή τη θέση το 1897 από τους ομοϊδεάτες του. Ο πατέρας του Gustav Klimt, Ernest Klimt, ήταν καλλιτέχνης - χαράκτης και κοσμηματοπώλης και η μητέρα του, Anna Klimt, μεγάλωνε τρεις γιους και τέσσερις κόρες. Ο μελλοντικός καλλιτέχνης ήταν ο δεύτερος γιος αυτής της μεγάλης οικογένειας. Τα δύο αδέρφια του έγιναν επίσης καλλιτέχνες αργότερα. Το 1862, όταν γεννήθηκε ο Γκούσταβ, η Αυστρία περνούσε δύσκολες στιγμές. Ο Ότο φον Μπίσμαρκ στάθηκε επικεφαλής της Πρωσίας και συζητήθηκε το έργο της ενοποίησης των γερμανικών χωρών. Δεν ήθελαν να συμπεριλάβουν την Αυστρία σε αυτή τη γερμανική «οικογένεια». Στη χώρα βασίλευε η φτώχεια, η πολιτική κατάσταση ήταν ασταθής και το 1866 σε όλα αυτά προστέθηκε και ο Πρωσοαυστριακός πόλεμος. Οικογένεια Κλιμτζούσε σε ακραία φτώχεια. Ο πρώτος δάσκαλος του μελλοντικού καλλιτέχνη ήταν ο πατέρας του. Το 1876, ο 14χρονος Γκούσταβ μπήκε στη Σχολή Τεχνών και Χειροτεχνίας στο Αυστριακό Μουσείο Τέχνης και Βιομηχανίας, όπου ειδικεύτηκε στην αρχιτεκτονική ζωγραφική για 7 χρόνια. Δάσκαλοι του Γκουστάβ ήταν οι διάσημοι Αυστριακούς καλλιτέχνες Karl Grachovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser, αλλά ο ίδιος ο Gustav εκείνη την εποχή θεωρούσε ως πρότυπο τον ζωγράφο του ιστορικού είδους, οπαδό του ακαδημαϊσμού, Hans Makart. Είναι περίεργο το γεγονός ότι ο Κλιμτ, ο οποίος έλαβε συντηρητική ακαδημαϊκή εκπαίδευση, προχωρά τόσο μακριά στη δουλειά του, τελειοποιώντας τον εαυτό του σε ένα εντελώς διαφορετικό στυλ.

Ίχνη ακαδημαϊκής και αρχιτεκτονικής ζωγραφικής στους καμβάδες του εκφράζονται μόνο με μνημειακότητα και ολιστική σύνθεση. Ωστόσο, σε αντίθεση με άλλους επαναστατικούς νέους καλλιτέχνες, εκείνα τα χρόνια δεν εναντιώθηκε στον παλιομοδίτικο ακαδημαϊσμό. Για να κερδίσουν τα προς το ζην, ο Γκούσταβ και ο αδερφός του ζωγραφίζουν πορτρέτα από φωτογραφίες με μια πενιχρή αμοιβή. Μετά από λίγο καιρό εμφανίζονται πιο σοβαροί πελάτες. Οι αδερφοί Klimt και ο φίλος τους Franz Match άρχισαν να ζωγραφίζουν διακοσμητικούς πίνακες στην αυλή του Μουσείου Kunsthistorisches στη Βιέννη και ένα χρόνο αργότερα άρχισαν να ζωγραφίζουν ταβάνια σε ένα από τα παλάτια της Βιέννης, καθώς και στο περίπτερο του συγκροτήματος υγείας στο Carlsbad. Αυτά τα έργα βοήθησαν τον Gustav να βρει σταδιακά το δικό του στυλ και ήδη το 1886 χώρισε πραγματικά από τους συντρόφους του, ενεργώντας ως μεμονωμένος καλλιτέχνης και διακοσμητής, αποκτώντας φήμη και εξουσία. Το σκηνικό του Burgtheater της Βιέννης είναι η τελευταία συνεργασία της ομάδας, αν και ο Klimt στη συνέχεια συνεργάζεται σε ξεχωριστές περιπτώσεις με τον Franz Matsch. Γκούσταβ Κλιμττελικά απομακρύνθηκε από τον ακαδημαϊσμό και οι στυλιστικές ιδέες των φίλων του δεν ήταν πλέον συμβατές. Το 1888, ο Gustav έλαβε ένα βραβείο από τον αυτοκράτορα Franz Joseph για τις υπηρεσίες του στην τέχνη. Χρυσός σταυρός" Την ίδια χρονιά έγινε επίτιμο μέλος των Πανεπιστημίων του Μονάχου και της Βιέννης. Το 1889, ο Klimt ταξιδεύει σε όλη την Ευρώπη αναζητώντας νέα μέσα έκφρασης. Ονειρεύεται να δημιουργήσει καμβάδες και να πετύχει ως ζωγράφος. Ωστόσο, λόγω κάποιων συνθηκών, δεν έχει καταφέρει ακόμα να πραγματοποιήσει το όνειρό του. Το 1892, ο πατέρας και ο αδελφός του Γκούσταβ πεθαίνουν και η ευθύνη για την οικογένεια πέφτει στους ώμους του. Ήταν απαραίτητο να φροντίσει τις ανάγκες της και άρχισε να αναλαμβάνει νέες παραγγελίες για διακοσμητική ζωγραφική για να έχει σταθερό εισόδημα.

Η απώλεια των αγαπημένων προσώπων άφησε ένα βαρύ αποτύπωμα στον εσωτερικό κόσμο του καλλιτέχνη: ως αποτέλεσμα ισχυρών εμπειριών, το στυλ του έγινε ακόμα πιο πρωτότυπο και δραματικό. Η εσωτερική διαμαρτυρία αντικατοπτρίστηκε αμέσως στα έργα του και δεν είναι τυχαίο ότι το 1893 το Υπουργείο Πολιτισμού της Αυστρίας αρνήθηκε να τον εγκρίνει που είχε απομακρυνθεί από τις αρχές του ακαδημαϊσμού Κλιμτως καθηγητής στην Ακαδημία Τεχνών. Σε αυτό το στάδιο της ζωής του, το μόνο χαρούμενο γεγονός ήταν να συναντήσει τη μελλοντική του σύζυγο - μια Αυστριακή σχεδιάστρια μόδας, την κόρη ενός μεγάλου επιχειρηματία, της Emily Flege, την οποία ο καλλιτέχνης απεικόνισε στους καμβάδες του. Αν και ο Κλιμτ δεν ήταν ποτέ πιστός στον έγγαμο βίο του και η Έμιλυ γνώριζε για τις πολυάριθμες υποθέσεις του, παρέμειναν αχώριστοι μέχρι το τέλος της ζωής του καλλιτέχνη. Η αγάπη που τους ένωσε ήταν πολύ πιο ισχυρή και σταθερή από τις περιοδικές ερωτικές παρορμήσεις του Κλιμτ. Στο τέλος, η Emily συνειδητοποίησε ότι ένας καλλιτέχνης τα χρειαζόταν όλα αυτά για να δημιουργήσει και να βελτιωθεί. Όπως και να έχει, μέχρι το 1897, ο Klimt, όπως και πριν, ήταν απασχολημένος με τη ζωγραφική πολιτιστικών ιδρυμάτων. Εργάστηκε όχι μόνο στην Αυστρία, αλλά και στο Βέλγιο, την Ουγγαρία, την Ολλανδία, την Τσεχία και άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Το 1897, ένα νέο στάδιο ξεκίνησε στη δημιουργική ζωή του Klimt, το οποίο σημαδεύτηκε από μια δυνατή επανάσταση. Ο Κλιμτ ιδρύει μια δημιουργική ένωση» Απόσχιση» και γίνεται ο πρώτος πρόεδρος αυτής της οργάνωσης. Σε μετάφραση από τα γερμανικά, Sezession σημαίνει «χωρισμός». Μια ομάδα καλλιτεχνών με επικεφαλής τον Κλιμτ, παθιασμένοι με το πνεύμα και τις αρχές του μοντερνισμού, ουσιαστικά χωρίστηκαν από την Ακαδημία Τεχνών της Βιέννης και τους συντηρητικούς καλλιτεχνικούς κύκλους. Σύντομα η οργάνωση άρχισε να δημοσιεύει τη δική της έκδοση με τίτλο Ver Sacrum (" Ιερή άνοιξη"). Σε πολύ σύντομο χρονικό διάστημα συγκέντρωσε γύρω του Ευρωπαίους καλλιτέχνες με σύγχρονες απόψεις που απέρριπταν τον ξεπερασμένο ακαδημαϊσμό. Ο Ver Sacrum έγινε επίσης το φερέφωνο των Αυστριακών Συμβολιστών συγγραφέων. για καλλιτέχνες" Απόσχιση«Χαρακτηρίστηκε από μια σειρά από στυλιστικά κοινά: πολύχρωμα ψηφιδωτά, χαριτωμένη κλίμακα, καθαρά περιγράμματα. Μεταξύ των οπαδών αυτού του στυλ ήταν οι Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Joseph Hoffmann, Karl Moser και άλλοι.

Ο ίδιος ο Κλιμτ δεν είχε μαθητές· ως οπαδός του στυλ του μπορεί κανείς να ξεχωρίσει τον ταλαντούχο Αυστριακό εξπρεσιονιστή καλλιτέχνη Egon Schiele. Ενώ οι καλλιτεχνικοί κύκλοι συνέχισαν να διαμαρτύρονται σε σχέση με την εμφάνιση του " Απόσχιση», ο Gustav Klimt, απαλλαγμένος από τον ακαδημαϊσμό, απόλαυσε καλοκαιρινές διακοπές με την Emily μακριά από την πόλη, στην αγκαλιά της φύσης. Ήταν χαρούμενος γιατί πλησίαζε η στιγμή της εκπλήρωσης του ονείρου του - να δημιουργήσει καμβάδες και να είναι ανεξάρτητος. Και ήταν αυτό το καλοκαίρι που ο Κλιμτ ζωγράφισε τα πρώτα του τοπία.

Σε αντίθεση με τους οπαδούς της ακαδημαϊκής σχολής, η αυστριακή κυβέρνηση αντιμετώπιζε πιο ευνοϊκά τους νέους καλλιτέχνες. Λαμβάνοντας υπόψη το γεγονός ότι η οργάνωση ήταν συνδεδεμένη με πολυάριθμες ομάδες φυσιολατρών, ρεαλιστών και συμβολιστών, των οποίων η φωνή είχε βάρος στους δημόσιους κύκλους, η κυβέρνηση για τα μέλη " Απόσχιση» διέθεσε ένα μεγάλο οικόπεδο στην πόλη για να κατασκευάσουν οι τελευταίοι μια γκαλερί για τα έργα τους. Το σύμβολο " Απόσχιση«Ήταν η Παλλάς Αθηνά - η θεά της σοφίας, της δικαιοσύνης και των τεχνών. Σύντομα η οργάνωση αρχίζει να πραγματοποιεί εκθέσεις. Σε αυτά συμμετέχει και ο Κλιμτ με τα έργα του. Ολοκλήρωσε τους πίνακες που ανέθεσε το Πανεπιστήμιο της Βιέννης το 1894, οι οποίοι επρόκειτο να διακοσμήσουν τους τοίχους αυτού του εκπαιδευτικού ιδρύματος, το 1900.

Το 1899, ο Klimt ετοίμασε τρία διακοσμητικά πάνελ για τη Μεγάλη Αίθουσα του Πανεπιστημίου της Βιέννης: "", "" και "". Ωστόσο, αυτοί οι πίνακες επικρίνονται αυστηρά από το κοινό για το ρητό περιεχόμενό τους, αποκαλώντας τους «ερωτικά άσεμνους» και ο καμβάς «υπό την πίεση 87 καθηγητών απομακρύνεται από τους εκθεσιακούς χώρους της γκαλερί». Απόσχιση».

Παρεμπιπτόντως, ο συγκεκριμένος πίνακας βραβεύτηκε αργότερα με χρυσό μετάλλιο στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι. Και στους τρεις πίνακες, ο Κλιμτ μεταμόρφωσε τις παραδοσιακές αλληγορίες σε νέα σύμβολα, που στην πραγματικότητα περιείχαν φανερό ερωτισμό... Έργα Κλιμτεπικρίνονται τόσο από κριτικούς τέχνης όσο και από πολιτικούς και θρησκευτικούς κύκλους. Αυτός, ο ιδρυτής Απόσχιση«Έμοιαζε να είναι εκτός της δικής του οργάνωσης και όλων των αποδεκτών κριτηρίων και ορίων. Όπως ήταν φυσικό, οι πίνακες δεν πήραν ποτέ τη θέση τους μέσα στους τοίχους του πανεπιστημίου και ο Κλιμτ απλώς αρνήθηκε να συνεργαστεί με πελάτες. Το 1945 και τα τρία έργα καταστράφηκαν από τους Ναζί. Το 1899, ο καλλιτέχνης δημιούργησε έναν άλλο σκανδαλώδη πίνακα - "".

Η γυμνή γυναίκα στον πίνακα κρατά στα χέρια της έναν καθρέφτη της αλήθειας, πάνω από τον οποίο υπάρχει ένα διάσημο απόφθεγμα του μεγάλου Γερμανού ποιητή Φρίντριχ Σίλερ: «Αν δεν μπορείς να ευχαριστήσεις τους πάντες με τις πράξεις σου και την τέχνη σου, παρακαλώ λίγους. Το να είσαι αρεστός σε πολλούς είναι κακό». Αυτές οι γραμμές αντικατοπτρίζουν όλη την ουσία της φύσης του Klimt. Το 1902, για τη γκαλερί Secession, ο Klimt δημιούργησε μια τοιχογραφία βασισμένη στη διάσημη Ένατη Συμφωνία του συνθέτη. Το έργο εκτίθεται μόνο μία φορά κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη, τη δεύτερη φορά που γίνεται διαθέσιμο στο κοινό στις μέρες μας - το 1986.

Οι αρχές του 1900 θεωρούνται η χρυσή περίοδος στη δημιουργική δραστηριότητα του Klimt. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτών των ετών που το αληθινό του μεγαλείο εκδηλώθηκε πλήρως και γεννήθηκαν οι καλύτεροι πίνακές του. Είναι περίεργο, αλλά ακόμη και οι κριτικοί κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έγιναν πιο ευνοϊκοί για το έργο του καλλιτέχνη. Οι κριτικοί τέχνης ορίζουν τη «χρυσή περίοδο» όχι μόνο με μεταφορική έννοια, αλλά και με κυριολεκτική έννοια: κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο Klimt χρησιμοποίησε το χρυσό χρώμα σε μεγάλες ποσότητες. Τα πιο διάσημα έργα αυτής της περιόδου είναι "", "", "", "", "", "", " Χρυσή Αντέλ».

Ο καλλιτέχνης πούλησε τον καμβά στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Ρώμης και στην Εθνική Πινακοθήκη της Αυστρίας.

Το γυναικείο ιδανικό του Κλιμτ αλλάζει μαζί με τη δουλειά του. Φαίνεται ότι στην αρχή της καριέρας του καλλιτέχνη, έλκεται μάλλον από μια γενικευμένη αρχαία εικόνα. Στα πρώτα έργα του, οι γυναίκες μοιάζουν με αγάλματα, που στέκονται σε κλασικές πόζες. Η γραμμή μολυβιού είναι συνεχής και τεταμένη. Ωστόσο, ο κρυμμένος ερωτισμός είναι ήδη παρών στα πρώτα του έργα. Η εκπληκτική ικανότητα του καλλιτέχνη να περνά τα πάντα μέσα από τον δικό του αισθησιασμό θα εντείνεται καθώς απομακρύνεται από τον ακαδημαϊκό τρόπο. Ήδη αυτή τη στιγμή τα σχέδια εμφανίζονται εμποτισμένα με ερωτισμό, οι γραμμές σε αυτά είναι πιο νευρικές, διακοπτόμενες, σαν ο ενθουσιασμός του ίδιου του καλλιτέχνη να αντικατοπτρίστηκε αμέσως στο χαρτί.

Περίπου 1915. Χαρτί, μολύβι

Περίπου το 1907. Χαρτί, γραφίτης και χρωματιστό μολύβι

1906 – 1907. Χαρτί, μολύβι, κόκκινο μολύβι

Σε κανέναν άλλο τομέα της δουλειάς του ο Κλιμτ δεν έρχεται τόσο κοντά στον εαυτό του. Σε αυτά τα σχέδια είναι χωρίς μάσκα, χωρίς κοινό, χωρίς συλλέκτες. Ζωγραφίζει για τον εαυτό του, για τον εαυτό του. Το σχέδιο είναι απαλλαγμένο από συμβάσεις, περιορισμούς και υπόκειται μόνο στις απαιτήσεις που θέτει ο δημιουργός του. Είναι γνήσιος. Με αυτό το σχέδιο Κλιμταπελευθερώνεται από τον εαυτό του. Η τέχνη είναι μια πράξη μεταμόρφωσης. Τα σχέδιά του είναι ένα ημερολόγιο ομορφιάς· προκαλούν και μεταφέρουν την ελαφριά ευφορία που βίωσε από την παρουσία μιας γυναίκας ή γυναικών που τον ενθουσίασαν και έγιναν εθελοντές και απαραίτητοι συνεργάτες σε αυτή τη δημιουργική διαδικασία.

Στη δημιουργημένη διψήφια σύνθεση «» (1908), μια άλλη παραδοσιακή βάση του έργου του Γκούσταβ Κλιμτ καταστρέφεται: η γυναίκα γίνεται υποταγμένη, τώρα ο άντρας την κυριαρχεί. Υποχωρεί στον σαγηνευτή, εγκαταλείπει τον εαυτό της για χάρη του.

Εδώ όλα τα εμπόδια καταστρέφονται και η ενέργεια της αγάπης δεν θα διαρρεύσει από τα δάχτυλά σας. Ανικανοποίητες σεξουαλικές επιθυμίες ακτινοβολούν μέσα από το ελαφρύ φόρεμα που αγκαλιάζει τη λεπτή της σιλουέτα. Αυτό ήταν αρκετό για να παραπλανήσει τους λογοκριτές, οι οποίοι επέβαλαν ένα ταμπού στην ερωτική έκσταση και τη σαρκική επαφή. Ο Κλιμτ, που σαν σε καθρέφτη έδειχνε στην πουριτανική βιεννέζικη αστική τάξη τη δική της υποκρισία, τώρα ανταμείφθηκε με τη χαρά του. Στον πίνακα, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του και την αγαπημένη του, Emilia Flege.

Μοναδικός και ισόβιος φίλος Γκούσταβ Κλιμτ- Η Emilia Flege, ήταν δημοφιλής σχεδιάστρια.

Διηύθυνε το πρώτο σαλόνι υψηλής ραπτικής στη Βιέννη». Flege Sisters" Χρησιμοποιούσε σκίτσα του Klimt στις συλλογές της. Πέρασαν μαζί το καλοκαίρι στη λίμνη Attersee στους πρόποδες των Άλπεων. Ο Κλιμτ δεν είχε κανέναν πιο στενό, αλλά η σχέση του με την Εμίλια, όπως είναι πεπεισμένοι οι βιογράφοι, ήταν πλατωνική. Στο πορτρέτο του Klimt, η Emilia είναι σαν μια παράξενη τροπική πεταλούδα στο τρεμόπαιγμα της λιλά, της λιλά, της βιολέτας.

Στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητας, μετά την ολοκλήρωση του " χρυσή περίοδος» και στην αρχή του εξπρεσιονιστικού σταδίου, ο Κλιμτ στράφηκε στην ιαπωνική χαρακτική, την αλληγορία και το τοπίο, που του επέτρεψαν να επιδείξει πλήρως το ταλέντο του.

Στα τοπία μπορεί κανείς να διακρίνει την επιρροή των ιμπρεσιονιστών: ασταθή περιγράμματα πινελιών, φως, εικόνες κομμένες από πάνω και από το πλάι και η επίπεδη επεξεργασία της επιφάνειας μιλάει για την επιρροή της Ανατολής χαρακτηριστική της Art Nouveau. Η απεικόνιση της φύσης είναι μωσαϊκό, πολλά από τα έργα μοιάζουν με ταπισερί.

Δεν υπάρχει ορίζοντας μέσα τους· κάθετες, οριζόντιες και χρωματικές κηλίδες καταστρέφουν και γεμίζουν ρυθμικά τον ελεύθερο χώρο. Και όμως - δεν υπάρχει καν ένας υπαινιγμός για την παρουσία ανθρώπων σε αυτά. Στους πίνακές του η φύση είναι αυτάρκης και αδιάφορη για τον άνθρωπο· τρομάζει και ελκύει τον Κλιμτ. Ακριβώς όπως οι γυναίκες.«στην Παγκόσμια Έκθεση της Ρώμης έλαβε βραβείο και υψηλούς επαίνους. Ο Κλιμτ απεικονίζει, όπως στην αλληγορία " Παρθένος«(1913), ανθρώπινα σώματα συνυφασμένα μεταξύ τους, επιπλέουν στον παγκόσμιο χώρο και προσωποποιούν τη μοίρα της ανθρωπότητας.

Η εικόνα μπορεί να ερμηνευθεί ως η κύρια εντολή του Κυρίου - να μην απογοητεύουμε ο ένας τον άλλον, να στέκεται ο καθένας στη δική του περιοχή. Όλοι οι άνθρωποι είναι κρίκοι μιας αλυσίδας, ή ακριβέστερα, ενός δικτύου. Στο πορτοκαλί στρώμα, η ανθρωπότητα εμφανίζεται ως πορτοκαλί δαχτυλίδια συνυφασμένα μεταξύ τους. Και όταν έσπασε ένα δαχτυλίδι (ένας από εμάς έπεσε, ανίκανος να αντισταθεί), εμφανίστηκε ένα κενό στο οποίο χύθηκε βρωμιά πάνω σε όλους τους άλλους. Κίνητρο θανάτου Κλιμταπεικονίζει με τη μορφή χρωματικών προφορών - μαύρα, μπλε, μοβ χρώματα, σύμβολα που είναι υφασμένα στη ροή των ανθρώπων, την εικόνα ενός γερασμένου ή άσχημου σώματος. Σημαντική είναι επίσης η στιγμή της έλξης των εικονιστικών μορφών στη βύθισή τους στο σκοτάδι (μαύρος χώρος), που υποδηλώνει την απεικόνιση του θανάτου μέσω της βύθισης στη λήθη, την απόσυρση στο ανεκδήλωτο άπειρο μέσω της απάρνησης της συνείδησης. Ο θάνατος κατανοείται από τον Κλιμτ ως απαραίτητο στοιχείο της ζωής του Σύμπαντος, που επιτρέπει στο Πεπερασμένο να συγχωνευθεί στο στοιχείο του Άπειρου. Στην εικόνα κυριαρχεί η αίσθηση της μοίρας, το μυστήριο της ανθρώπινης ζωής, η ηλικία της ζωής, η σχέση θανάτου και αγάπης. Όλα αυτά φαίνονται μέσα από στυλιζαρισμένη γλώσσα γεμάτη αλληγορίες και μεταφορές.

Ο Κλιμτ αποδίδει ένα εντελώς διαφορετικό νόημα σε όλα όσα υπονοούνταν από τη δημιουργικότητα του πρώιμου διακοσμητισμού. Πολυτέλεια, κολακευτικότητα, συνέχεια γραμμών, στυλιζαρισμένες φόρμες, ποικιλία βασικών χρωμάτων - μετατράπηκαν σε ένα φωτεινό μωσαϊκό από εικόνες γεμάτες έντονη μελαγχολική γοητεία, μια επιστροφή στην αναζήτηση του χαμένου παραδείσου.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Κλιμτ ταξίδεψε πολύ - επισκέφτηκε την Ιταλία, το Βέλγιο, την Αγγλία, την Ισπανία και άλλες χώρες, ανακαλύπτοντας νέα ονόματα καλλιτεχνών - Τουλούζη - Λωτρέκ, Βαν Γκογκ, Γκωγκέν, Μουνκ, Ματίς... Γράφει με μεγάλη χαρά ότι η σύγχρονη ζωγραφική είναι γεμάτο ταλαντούχες προσωπικότητες. Δυστυχώς, ο Κλιμτ δεν άφησε ημερολόγια και δεν μίλησε σχεδόν τίποτα για τις μεθόδους και την κοσμοθεωρία του. Έχει διασωθεί η λακωνική αλληλογραφία του με την Έμιλυ, καθώς και το δοκίμιο «

Αυτό το άρθρο είναι αφιερωμένο στη σημερινή εκδήλωση. Στις 14 Ιουλίου 2012, ο Gustav Klimt θα γινόταν 150 ετών.. Ο Gustav Klimt είναι Αυστριακός καλλιτέχνης, γεννημένος στις 14 Ιουλίου 1862. Πολλοί τον αποκαλούν ιδρυτή του αυστριακού μοντερνισμού. Ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε κυρίως γυναίκες, γυμνές γυναίκες. Οι πίνακές του περιείχαν συχνά φανερό ερωτισμό.

Ο πατέρας του Klimt ήταν επίσης καλλιτέχνης και χαράκτης χρυσού. Η μητέρα μου ονειρευόταν να γίνει μουσικός σε όλη της τη ζωή, αλλά δεν της βγήκε ποτέ. Υπήρχαν 8 παιδιά στην οικογένεια Klimt, ο Gustav γεννήθηκε δεύτερος.

Το παιδί πέρασε τα παιδικά του χρόνια στη φτώχεια, παρά το καλό επάγγελμα του πατέρα του. Δεν υπήρχε μόνιμη δουλειά στη χώρα, οπότε έπρεπε να περάσω οικονομικές δυσκολίες. Ο Γκουστάβ έμαθε να σχεδιάζει από τον πατέρα του, αλλά ήδη το 1876 μπήκε στη σχολή τέχνης και χειροτεχνίας, όπου μπήκε και ο αδελφός του το 1877. Και οι τρεις γιοι του Ernest Klimt έγιναν καλλιτέχνες στο μέλλον.

Τα αδέρφια δούλεψαν μαζί για μεγάλο χρονικό διάστημα, διακοσμώντας θέατρα, διάφορα κτίρια και μουσεία με τοιχογραφίες. Το 1888, ο Gustav έλαβε ένα βραβείο που άξιζε - " Χρυσός σταυρός«από τον ίδιο τον αυτοκράτορα Φραντς Ιωσήφ. Όλα πήγαιναν καλά, και τα πράγματα κοίταζαν καλά, αλλά το 1892, ο πατέρας και ο αδερφός του Gustav Klimt πέθανε, και ως εκ τούτου όλη η ευθύνη για την παροχή της οικογένειας έπεσε στους ώμους του καλλιτέχνη.

Γκούσταβ ΚλιμτΈγραψα πολλά, ειδικά όταν αυτός και η οικογένειά του πήγαιναν στη λίμνη Attersee, και αυτό ήταν αρκετά συχνά. Εδώ ολοκλήρωσε τα όμορφα τοπία του. Αυτό είναι το μόνο είδος που ενδιέφερε τον καλλιτέχνη, όπου δεν εμφανιζόταν κόσμος. Αλλά παρόλα αυτά, πολλοί επιστήμονες βρίσκουν ανθρώπινες φιγούρες στα τοπία του Klimt και υπάρχει κάποια αλήθεια σε αυτό.

Το 1894, ο Klimt έλαβε μία από τις μεγάλες παραγγελίες. Χρειάστηκε να ζωγραφιστούν 3 πίνακες που θα διακοσμούσαν την οροφή του Πανεπιστημίου της Βιέννης. Έτσι, το 1900 γεννήθηκαν η «Φιλοσοφία», η «Ιατρική» και η «Νομολογία». Αλλά η κοινωνία δεν δέχτηκε αυτούς τους πίνακες, θεωρώντας τους πολύ σαφείς, και ως εκ τούτου δεν εκτέθηκαν στο πανεπιστήμιο. Αυτή ήταν η τελευταία δημόσια αποστολή του Κλιμτ.

Από τις αρχές του 1900, το λεγόμενο « Χρυσή περίοδος«Δημιουργικότητα του καλλιτέχνη. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου που δημιουργήθηκαν πίνακες όπως "Το παλάτι της Αθηνάς", "Ιουδίθ" και άλλοι. Αυτή τη στιγμή, η κοινωνία αντιλήφθηκε επαρκώς τα έργα του Klimt, αλλά αυτός δεν είναι ο μόνος λόγος για τον οποίο αυτή η περίοδος ονομάστηκε χρυσή. Το χρώμα του χρυσού και της επιχρύσωσης επικρατούσε πολύ συχνά στους πίνακες του καλλιτέχνη, κάτι που άρεσε πολύ στους θαυμαστές του έργου του.

Γκούσταβ Κλιμτέζησε μια κανονική ζωή, δούλεψε πολύ και στο σπίτι. Ήταν διάσημος καλλιτέχνης, οπότε του έρχονταν τακτικά παραγγελίες και αναλάμβανε μόνο ενδιαφέρουσες. Γυναίκες του πόζαραν με μεγάλη ευχαρίστηση, μερικές από αυτές ήταν ιερόδουλες. Ο Κλιμτ είπε ότι δεν τον ενδιέφερε να ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες· ήταν πολύ πιο συναρπαστικό να ζωγραφίζεις άλλες προσωπικότητες, και ειδικά γυναίκες. Ο Γκούσταβ ισχυρίστηκε ότι οι πίνακές του μπορούσαν να πουν πολλά για εκείνον, απλώς κοιτάζοντάς τους προσεκτικά.

6 Φεβρουαρίου 1918 βιογραφία του Gustav Klimtτελειώνει. Πέθανε από πνευμονία, έχοντας προηγουμένως υποστεί εγκεφαλικό. Κηδεύτηκε στη Βιέννη. Σήμερα συμπληρώνονται 150 χρόνια από τη γέννηση αυτού του υπέροχου καλλιτέχνη και αυτή η ημερομηνία δεν πρέπει να περάσει απαρατήρητη. Λοιπόν, όπως υποσχεθήκαμε, στο τέλος αυτού του άρθρου μπορείτε να παρακολουθήσετε ένα βίντεο αφιερωμένο στους πίνακες του Gustav Klimt.