Δημιουργία Ρέμπραντ Χάρμενς βαν Ράιν(1606-1669) σηματοδοτεί την υψηλότερη άνθηση της ολλανδικής τέχνης του 17ου αιώνα και μια από τις κορυφές της παγκόσμιας τέχνης γενικότερα. Δημοκρατικό και αληθινά ανθρώπινο, εμποτισμένο με μια διακαή πίστη στον θρίαμβο των δίκαιων αρχών της ζωής, ενσάρκωσε τις πιο προηγμένες και επιβεβαιωτικές ιδέες της εποχής του. Ο καλλιτέχνης ανέβασε την εικαστική τέχνη σε ένα νέο επίπεδο, εμπλουτίζοντάς την με πρωτόγνωρη ζωντάνια και ψυχολογικό βάθος. Ο Ρέμπραντ δημιούργησε μια νέα εικονογραφική γλώσσα, στην οποία τον κύριο ρόλο έπαιξαν οι καλά ανεπτυγμένες τεχνικές του chiaroscuro και του πλούσιου, συναισθηματικά έντονου χρώματος. Η πνευματική ζωή του ανθρώπου έχει πλέον γίνει προσιτή στην απεικόνιση μέσω της ρεαλιστικής τέχνης.
Ο Ρέμπραντ ήταν καινοτόμος σε πολλά είδη. Ως προσωπογράφος, ήταν ο δημιουργός ενός μοναδικού είδους πορτραίτου-βιογραφίας, όπου η μακρά ζωή ενός ανθρώπου και ο εσωτερικός του κόσμος αποκαλύφθηκαν σε όλη του την πολυπλοκότητα και τις αντιφάσεις. Ως ιστορικός ζωγράφος, μετέτρεψε μακρινούς αρχαίους και βιβλικούς θρύλους σε μια ιστορία για πραγματικά γήινα ανθρώπινα συναισθήματα και σχέσεις, που θερμαινόταν από τον υψηλό ανθρωπισμό.
Τα μέσα της δεκαετίας του 1630 είναι η εποχή της μεγαλύτερης εγγύτητας του Ρέμπραντ με το πανευρωπαϊκό μπαρόκ στυλ, πλούσιο και θορυβώδες, γεμάτο θεατρικό πάθος και θυελλώδη κίνηση, αντιθέσεις φωτός και σκιάς, την αντιφατική αντιπαράθεση νατουραλιστικών και διακοσμητικών στιγμών, αισθησιασμό και σκληρότητα.
ΣΕΓραπτή περίοδος μπαρόκ «Κάθοδος από τον Σταυρό»(1634). Ο πίνακας απεικονίζει τον θρύλο του Ευαγγελίου για το πώς ο Ιωσήφ από την Αριμαθαία, ο Νικόδημος και άλλοι μαθητές και συγγενείς του Χριστού, έχοντας λάβει την άδεια του Πιλάτου, κατέβασαν το σώμα του Χριστού τη νύχτα, το τύλιξαν σε ένα πλούσιο σάβανο και το έθαψαν.
Ο θρύλος αφηγείται ο Ρέμπραντ με εκπληκτική αληθινή ζωή. Ο τραγικός θάνατος δασκάλου και γιου βύθισε σε βαθιά θλίψη τους συμμετέχοντες στην εκδήλωση. Ο καλλιτέχνης κοιτάζει σε πρόσωπα, προσπαθώντας να διεισδύσει στις ψυχές των ανθρώπων, να διαβάσει την αντίδραση όλων σε αυτό που συμβαίνει. Συγκινημένος μεταφέρει τη λιποθυμία της Μαρίας, της μητέρας του Χριστού, το κλάμα και τον στεναγμό των γυναικών, τα βάσανα και τη θλίψη των αντρών, τον φόβο και την περιέργεια των εφήβων.Σε αυτό το έργο, ο Ρέμπραντ βασίστηκε στον ομώνυμο διάσημο πίνακα του Ρούμπενς, χρησιμοποιώντας μεμονωμένα μοτίβα σύνθεσης του μεγάλου Φλέμινγκ και προσπαθώντας να τον ξεπεράσει στην έκφραση των πνευματικών κινήσεων των χαρακτήρων.
Ένα άλλο σημαντικό επίτευγμα αυτού του πίνακα, μαζί με την εξατομίκευση των συναισθημάτων των χαρακτήρων, ήταν η χρήση του φωτός για την επίτευξη της ακεραιότητας της πολυμορφικής σύνθεσης. Οι τρεις κύριες στιγμές του μύθου - η κάθοδος από τον σταυρό, η λιποθυμία της Μαρίας και το άπλωμα του σάβανου - φωτίζονται από τρεις διαφορετικές πηγές φωτός, η ένταση των οποίων μειώνεται ανάλογα με τη φθίνουσα σημασία της σκηνής.
Η αρχή μιας νέας περιόδου στη ζωή και τη δημιουργική δραστηριότητα του δασκάλου σηματοδοτήθηκε από δύο σημαντικά γεγονότα που συνέβησαν το 1642: ο πρόωρος θάνατος της Saskia, της αγαπημένης του συζύγου, που του άφησε έναν γιο ενός έτους, και τη δημιουργία του πίνακα "Night Watch" - ένα μεγάλο ομαδικό πορτρέτο των σκοπευτών του Άμστερνταμ, τα πιο διάσημα έργα του πλοιάρχου. Μια οικογενειακή τραγωδία και η ολοκλήρωση μιας σημαντικής αποστολής έφερε αντιμέτωπο τον Ρέμπραντ με δύσκολα προβλήματα στην προσωπική και δημιουργική του ζωή. Ο καλλιτέχνης βγαίνει από αυτή την κρίση ώριμος και σοφός. Η τέχνη του γίνεται πιο σοβαρή, πιο συλλογική και βαθύτερη, και το πιο σημαντικό, το ενδιαφέρον του για την εσωτερική ζωή ενός ανθρώπου, για το τι συμβαίνει στην ψυχή του, γίνεται όλο και πιο ξεκάθαρο.
Σε στενή σχέση με την εξέλιξη του έργου του Ρέμπραντ στη δεκαετία του 1640, ένα από τα πιο σημαντικά έργα του καλλιτέχνη θα πρέπει να θεωρηθεί - "Δανάη", αν και υπάρχει ημερομηνία στην εικόνα 1636. Ο Ρέμπραντ εμπνεύστηκε από την πρώτη του αγάπη, τη Σάσκια, για να δημιουργήσει την εικόνα της Δανάης, της θρυλικής Ελληνίδας πριγκίπισσας που φυλακίστηκε από τον πατέρα της για να αποφύγει τον προβλεπόμενο θάνατό του στα χέρια του εγγονού του. Όμως, δέκα χρόνια αργότερα, όπως έδειξε πρόσφατη έρευνα, ο καλλιτέχνης, δυσαρεστημένος με την αρχική απόφαση, επεξεργάζεται σημαντικά την εικόνα του κύριου χαρακτήρα. Προφανώς, το μοντέλο για την τελική έκδοση του πίνακα ήταν η Geertje Dirks, μια νεαρή χήρα που εγκαταστάθηκε στο σπίτι του Rembrandt μετά το θάνατο της Saskia, πρώτα ως νταντά για τον ενός έτους Titus και μετά ως πλήρης ερωμένη. Έτσι, το κεφάλι, το δεξί χέρι και, σε μεγάλο βαθμό, το σώμα της Δανάης, που περίμενε στη φυλακή της τον εραστή της (σύμφωνα με το μύθο, ο Δίας, που ερωτεύτηκε τη Δανάη, μπήκε μέσα της με τη μορφή χρυσού ντους) , καθώς και η φιγούρα της παλιάς υπηρέτριας, ζωγραφίστηκαν εκ νέου, με τολμηρό, πλατύ τρόπο στα μέσα και στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1640. Σχεδόν όλες οι άλλες λεπτομέρειες της εικόνας παρέμειναν ίδιες όπως ζωγραφίστηκαν το 1636, με μια τακτοποιημένη, ζωγραφική, χαρακτηριστική της προηγούμενης περιόδου.
Ο χρωματισμός του πίνακα έχει επίσης υποστεί σημαντικές αλλαγές. Στην αρχική έκδοση κυριαρχούσαν ψυχροί τόνοι, τυπικοί στα μέσα της δεκαετίας του 1630. Έχοντας αντικαταστήσει τη χρυσή βροχή της πρώτης έκδοσης με χρυσό φως, σαν να προμηνύει την εμφάνιση ενός ερωτευμένου θεού, ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει τώρα το κεντρικό μέρος της εικόνας σε ζεστό τόνο με κυρίαρχη τη χρυσή ώχρα και την κόκκινη κιννάβαρη. Στη δεύτερη εκδοχή, δηλαδή το 1646-1647, η Δανάη έλαβε μια εις βάθος ψυχολογική περιγραφή, χάρη στην οποία αποκαλύφθηκε ο πιο εσωτερικός κόσμος μιας γυναίκας, όλο το περίπλοκο και αντιφατικό εύρος των συναισθημάτων και των εμπειριών της. Η «Δανάη», λοιπόν, είναι ένα ξεκάθαρο συγκεκριμένο παράδειγμα της διαμόρφωσης του περίφημου ψυχολογισμού του Ρέμπραντ.
Το έργο του Ρέμπραντ στη δεκαετία του 1650 χαρακτηρίζεται κυρίως από επιτεύγματα στον τομέα της προσωπογραφίας. Εξωτερικά, τα πορτρέτα αυτής της περιόδου διακρίνονται, κατά κανόνα, από το μεγάλο τους μέγεθος και τις μνημειακές τους μορφές. ήρεμες πόζες. Τα μοντέλα συνήθως κάθονται σε βαθιές καρέκλες, με τα χέρια στα γόνατα και στραμμένα προς τον θεατή. Το πρόσωπο και τα χέρια τονίζονται με φως. Αυτοί είναι πάντα ηλικιωμένοι άνθρωποι, σοφοί από μακρόχρονη εμπειρία - ηλικιωμένοι άντρες και γυναίκες με τη σφραγίδα των σκοτεινών σκέψεων στα πρόσωπά τους και της σκληρής δουλειάς στα χέρια τους. Τέτοια μοντέλα έδωσαν στον καλλιτέχνη λαμπρές ευκαιρίες να δείξει όχι μόνο τα εξωτερικά σημάδια της ηλικίας, αλλά και την πνευματική εμφάνιση ενός ατόμου. Στη συλλογή Ερμιτάζ αυτά τα έργα αντιπροσωπεύονται καλά από πορτρέτα χωρίς παραγγελία:
«The Old Man in Red», «Portrait of an Old Lady» και «Portrait of a Old Jew».
Δεν γνωρίζουμε το όνομα του ατόμου που λειτούργησε ως μοντέλο για το πορτρέτο «Ο γέρος με τα κόκκινα»Ο Ρέμπραντ το ζωγράφισε δύο φορές: σε ένα πορτρέτο του 1652 (Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο) απεικονίζεται καθισμένος σε μια οπίσθια καρέκλα, με το κεφάλι σκυμμένο στο δεξί του χέρι σε βαθιά σκέψη. Η έκδοση Ερμιτάζ αντιμετωπίζει το ίδιο θέμα - ένα άτομο μόνο με τις σκέψεις του. Αυτή τη φορά ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μια αυστηρά συμμετρική σύνθεση, που απεικονίζει έναν ηλικιωμένο άνδρα να κάθεται ακίνητος από μπροστά. Αλλά το πιο αισθητό είναι η κίνηση της σκέψης, μια λεπτή αλλαγή στην έκφραση του προσώπου: φαίνεται τώρα αυστηρή, τώρα πιο απαλή, τώρα κουρασμένη, τώρα ξαφνικά φωτισμένη από ένα κύμα εσωτερικής δύναμης και ενέργειας. Το ίδιο συμβαίνει και με τα χέρια: φαίνονται είτε σφιγμένα σπασμωδικά είτε ξαπλωμένα. Ο καλλιτέχνης το πετυχαίνει κυρίως χάρη στη λαμπρή μαεστρία του chiaroscuro, το οποίο, ανάλογα με τη δύναμη και την αντίθεσή του, εισάγει ελεγειακή χαλάρωση ή δραματική ένταση στην εικόνα. Ο τρόπος εφαρμογής του χρώματος στον καμβά παίζει επίσης τεράστιο ρόλο. Το ζαρωμένο πρόσωπο και το πόμολο, τα φθαρμένα χέρια του ηλικιωμένου αποκτούν καλλιτεχνική εκφραστικότητα χάρη σε ένα παχύρρευστο μείγμα χρωμάτων, στο οποίο συμπλέκονται χοντρές πινελιές μεταδίδουν τη δομή της φόρμας και τα λεπτά λούστρο του δίνουν κίνηση και ζωή.
Ο ανώνυμος γέρος στα κόκκινα, με τονισμένη αξιοπρέπεια, σθένος και αρχοντιά, έγινε έκφραση της νέας ηθικής θέσης του καλλιτέχνη, ο οποίος ανακάλυψε ότι η αξία ενός ατόμου δεν εξαρτάται από την επίσημη θέση ενός ατόμου στην κοινωνία.
Στα μέσα της δεκαετίας του 1660, ο Ρέμπραντ ολοκλήρωσε το πιο έμψυχο έργο του - "Επιστροφή του Άσωτου Υιού"Μπορεί να θεωρηθεί ως απόδειξη για τον Ρέμπραντ τον άνθρωπο και τον Ρέμπραντ τον καλλιτέχνη. Εδώ είναι που η ιδέα της συγχωρητικής αγάπης για τον άνθρωπο, για τους ταπεινωμένους και τους υποφέροντες -η ιδέα που υπηρέτησε ο Ρέμπραντ σε όλη του τη ζωή- βρίσκει την υψηλότερη, πιο τέλεια ενσάρκωσή της. Και είναι σε αυτό το έργο που συναντάμε όλο τον πλούτο και την ποικιλία της ζωγραφικής και των τεχνικών τεχνικών που έχει αναπτύξει ο καλλιτέχνης για πολλές δεκαετίες δημιουργικότητας.
Ραγισμένος, εξουθενωμένος και άρρωστος, έχοντας σπαταλήσει την περιουσία του και εγκαταλειμμένος από τους φίλους του, ο γιος εμφανίζεται στο κατώφλι του πατρικού του σπιτιού και εδώ, στην αγκαλιά του πατέρα του, βρίσκει συγχώρεση και παρηγοριά. Η απέραντη λαμπερή χαρά αυτών των δύο -του γέρου, που έχει χάσει κάθε ελπίδα να συναντήσει τον γιο του, και του γιου, ντροπιασμένος και τύψεις, κρύβοντας το πρόσωπό του στο στήθος του πατέρα του- αποτελεί το κύριο συναισθηματικό περιεχόμενο του έργου. Οι ακούσιοι μάρτυρες αυτής της σκηνής στάθηκαν σιωπηλοί, σοκαρισμένοι. Ο καλλιτέχνης περιορίζεται εξαιρετικά στο χρώμα. Στην εικόνα κυριαρχούν οι αποχρώσεις της χρυσής ώχρας, του κόκκινου κανέλας και του μαύρου-καφέ αποχρώσεις με έναν ατελείωτο πλούτο λεπτών μεταβάσεων σε αυτό το πενιχρό εύρος. Μια βούρτσα, μια σπάτουλα και μια λαβή βούρτσας εμπλέκονται στην εφαρμογή χρώματος στον καμβά. αλλά ακόμη και αυτό φαίνεται ανεπαρκές στον Ρέμπραντ - εφαρμόζει μπογιά στον καμβά απευθείας με το δάχτυλό του (έτσι ζωγραφίζεται, για παράδειγμα, η φτέρνα του αριστερού ποδιού του άσωτου γιου). Χάρη σε μια ποικιλία τεχνικών, επιτυγχάνεται αυξημένος κραδασμός της επιφάνειας του χρώματος - τα χρώματα είτε καίγονται, είτε αστράφτουν, είτε σιγοκαίει, είτε σαν να λάμπουν από μέσα, και ούτε μια λεπτομέρεια, ούτε μια, ακόμη και η πιο ασήμαντη , γωνία του καμβά αφήνει τον θεατή αδιάφορο.
Μόνο ένας σοφός άνθρωπος με τεράστια εμπειρία ζωής και ένας σπουδαίος καλλιτέχνης που έχει ταξιδέψει πολύ θα μπορούσε να δημιουργήσει αυτό το λαμπρό και απλό έργο.
Το έργο του λαμπρού Rembrandt Harmens van Rijn είναι μια από τις κορυφές της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το εξαιρετικό εύρος του θεματικού εύρους, ο βαθύτερος ανθρωπισμός που πνευματοποιεί τα έργα, η αληθινή δημοκρατία της τέχνης, η συνεχής αναζήτηση των πιο εκφραστικών καλλιτεχνικών μέσων και η αξεπέραστη δεξιοτεχνία έδωσαν στον καλλιτέχνη την ευκαιρία να ενσαρκώσει τις βαθύτερες και πιο εξελιγμένες ιδέες του φορά. Ο χρωματισμός των πινάκων του Ρέμπραντ της ώριμης και ύστερης περιόδου, βασισμένος σε έναν συνδυασμό ζεστών στενών τόνων, λαμπυρίζοντας με τις πιο λεπτές αποχρώσεις, φως, τρέμουλο και συμπυκνωμένο, σαν να εκπέμπεται από τα ίδια τα αντικείμενα, συμβάλλει στην εξαιρετική συναισθηματικότητα των έργων του. Αλλά τους δίνουν ιδιαίτερη αξία τα υψηλά, ευγενή συναισθήματα, που δίνουν στα καθημερινά πράγματα ποίηση και υπέροχη ομορφιά.
The Apprentice and His Mentor, 1629-1630, Μουσείο Getty, Λος Άντζελες, Καλιφόρνια
Ο Ιερεμίας θρηνεί την καταστροφή της Ιερουσαλήμ, 1630, Rijksmuseum
Μινέρβα, γύρω στο 1631, Κρατικό Μουσείο, Βερολίνο
Ο Ρέμπραντ ζωγράφιζε ιστορικούς, βιβλικούς, μυθολογικούς και καθημερινούς πίνακες, πορτρέτα και τοπία. ήταν ένας από τους μεγαλύτερους δεξιοτέχνες της χαρακτικής και του σχεδίου. Αλλά ανεξάρτητα από την τεχνική με την οποία δούλευε ο Ρέμπραντ, το κέντρο της προσοχής του ήταν πάντα ένας άνθρωπος, με τον εσωτερικό του κόσμο, τις εμπειρίες του. Ο Ρέμπραντ έβρισκε συχνά τους ήρωές του ανάμεσα στους εκπροσώπους των φτωχών Ολλανδών, σε αυτούς αποκάλυπτε τα καλύτερα χαρακτηριστικά του χαρακτήρα και τον ανεξάντλητο πνευματικό πλούτο. Ο καλλιτέχνης μετέφερε την πίστη του στον άνθρωπο σε όλη του τη ζωή, μέσα από αντιξοότητες και δοκιμασίες. Τον βοήθησε μέχρι τις τελευταίες του μέρες να δημιουργήσει έργα που εκφράζουν τις καλύτερες φιλοδοξίες του ολλανδικού λαού.
Ο βιασμός της Προσερπίνας, περίπου το 1631, Πινακοθήκη, Δρέσδη
Μάθημα ανατομίας του Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, Χάγη
The Rape of Europa, 1632, Μουσείο Getty, Λος Άντζελες
Ο Rembrandt Harmens van Rijn γεννήθηκε το 1606 στο Leiden, γιος ενός ιδιοκτήτη μύλου. Δάσκαλοί του ήταν ο Swannenburch και μετά ο Lastman. Από το 1625, ο Ρέμπραντ άρχισε να εργάζεται ανεξάρτητα. Τα πρώτα έργα του φέρουν ίχνη της επιρροής του Lastman, και μερικές φορές των ζωγράφων της Ουτρέχτης, οπαδών του Caravaggio. Σύντομα ο νεαρός Ρέμπραντ βρήκε το μονοπάτι του, ξεκάθαρα σκιαγραφημένο σε πορτρέτα φτιαγμένα κυρίως από τον ίδιο και τα αγαπημένα του πρόσωπα. Ήδη σε αυτά τα έργα, το chiaroscuro έγινε γι 'αυτόν ένα από τα κύρια μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης. Μελέτησε διάφορες εκδηλώσεις χαρακτήρων, εκφράσεις προσώπου, εκφράσεις προσώπου και ατομικά χαρακτηριστικά.
Ο Δανιήλ και ο Πέρσης βασιλιάς Κύρος πριν από το είδωλο του Βάαλ, 1633, Μουσείο Getty
Θεά του Πολέμου Bellona, 1633, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη
The Shipbuilder and his Wife, 1633, Picture Gallery, Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ
Το 1632, ο Ρέμπραντ μετακόμισε στο Άμστερνταμ και κέρδισε αμέσως φήμη με τον πίνακα «The Anatomy Lesson of Doctor Tulp» (1632, Χάγη, Mauritshuis). Ουσιαστικά, αυτό είναι ένα μεγάλο ομαδικό πορτρέτο γιατρών που περιβάλλουν τον Δρ Τούλπα και ακούν με προσήλωση τις εξηγήσεις του σε ένα ανατομικό πτώμα. Αυτή η κατασκευή της σύνθεσης επέτρεψε στον καλλιτέχνη να μεταφέρει τα μεμονωμένα χαρακτηριστικά κάθε ανθρώπου που απεικονίζεται και να τα συνδέσει σε μια ελεύθερη ομάδα με μια κοινή κατάσταση βαθύ ενδιαφέροντος, δίνοντας έμφαση στη ζωτικότητα της κατάστασης. Σε αντίθεση με τα ομαδικά πορτρέτα του Χαλς, όπου το καθένα από τα θέματα καταλαμβάνει ίση θέση, στη ζωγραφική του Ρέμπραντ όλοι οι χαρακτήρες υποτάσσονται ψυχολογικά στην Τούλπα, της οποίας η φιγούρα τονίζεται από μια φαρδιά σιλουέτα και μια κίνηση ελεύθερου χεριού. Το έντονο φως αποκαλύπτει το κέντρο της σύνθεσης, συμβάλλει στην εντύπωση της ψυχραιμίας της ομάδας και αυξάνει την έκφραση.
Η επιτυχία του πρώτου πίνακα έφερε στον καλλιτέχνη πολλές παραγγελίες, και μαζί τους πλούτο, ο οποίος αυξήθηκε με τον γάμο του με την πατρίκια Saskia van Uylenburgh. Η μία μετά την άλλη, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε μεγάλες θρησκευτικές συνθέσεις, όπως η «Θυσία του Αβραάμ» (1635, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), γεμάτες δυναμική και πάθος, και τελετουργικά πορτρέτα. Τον γοητεύουν οι ηρωικές-δραματικές εικόνες, οι εξωτερικά θεαματικές δομές, τα πλούσια, φανταχτερά ρούχα, οι αντιθέσεις φωτός και σκιάς και έντονες γωνίες. Ο Ρέμπραντ συχνά απεικονίζει τη Σάσκια και τον εαυτό του, νέους, χαρούμενους, γεμάτους δύναμη. Πρόκειται για το «Portrait of Saskia» (περίπου 1634, Kassel, Picture Gallery), «Self-Portrait» (1634, Παρίσι, Λούβρο), «Self-Portrait with the Saskia on her knees» (περίπου 1636, Δρέσδη, Picture Gallery). Ο Ρέμπραντ εργάστηκε πολύ στον τομέα της χαρακτικής, γοητευμένος από τα μοτίβα του είδους, τα πορτρέτα, τα τοπία και δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά εικόνων εκπροσώπων των κατώτερων κοινωνικών τάξεων.
Η Judith λαμβάνει τον Ολοφέρνη (παλαιότερα γνωστή ως Artemisia), 1634, Museo del Prado, Μαδρίτη
Η Νταϊάνα και οι νύμφες κάνουν μπάνιο ενώ αφηγούνται ιστορίες του Actaeon and Callisto, 1635, Μουσείο Wasserburg Anholt
Saskia van Uylenburch με αρκαδική φορεσιά, 1635, Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο
Ήδη από τα τέλη της δεκαετίας του 1630, αποκαλύφθηκε η έλξη του καλλιτέχνη για ρεαλιστικές εικόνες σε πίνακες ζωγραφικής μεγάλης κλίμακας. Το μυθολογικό θέμα στον πίνακα «Δανάη» (1636, το μεγαλύτερο μέρος του πίνακα ξαναγράφτηκε στα μέσα της δεκαετίας του 1640, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ) απέκτησε μια ασυνήθιστα ζωτική και πειστική λύση. Αρνούμενος το βίαιο πάθος και τις εξωτερικές επιδράσεις, ο Ρέμπραντ προσπάθησε για ψυχολογική εκφραστικότητα. Ο συνδυασμός ζεστών χρωμάτων έχει γίνει πιο πλούσιος και το φως έχει αποκτήσει ακόμα μεγαλύτερο ρόλο, προσδίδοντας ιδιαίτερη τρόμο και ενθουσιασμό στο έργο.
Άνδρας με ανατολίτικη στολή, 1633, Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον
Unbelief of the Apostle Thomas, 1634, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα
Ο Σαμψών απειλεί τον πεθερό του, 1635, Κρατικό Μουσείο, Βερολίνο
Καθώς η ρεαλιστική δεξιοτεχνία του καλλιτέχνη βάθυνε, οι διαφωνίες του με το γύρω αστικοπατρικιακό περιβάλλον αυξάνονταν. Το 1642, κατόπιν παραγγελίας μιας ομάδας τυφεκιοφόρων, ζωγράφισε έναν μεγάλο πίνακα (3,87 Χ 5,02 μ.), ο οποίος, λόγω της σκουρόχρωσης των χρωμάτων με την πάροδο του χρόνου, ονομάστηκε αργότερα «Νυχτερινή Φρουρά» (Άμστερνταμ, Rijksmuseum). Αντί για ένα παραδοσιακό γλέντι με πορτρέτα των συμμετεχόντων του, όπου ο καθένας απαθανατιζόταν με όλη τη φροντίδα των ατομικών χαρακτηριστικών του, όπως γινόταν προηγουμένως, ο καλλιτέχνης απεικόνισε την παράσταση τουφεκιού σε μια εκστρατεία. Έχοντας σηκώσει το πανό, με επικεφαλής τον καπετάνιο, περπατούν υπό τον ήχο ενός τυμπάνου κατά μήκος της φαρδιάς γέφυρας κοντά στο κτίριο της συντεχνίας. Μια ασυνήθιστα φωτεινή δέσμη φωτός, που φωτίζει μεμονωμένες φιγούρες, τα πρόσωπα των συμμετεχόντων στην πομπή και ένα μικρό κορίτσι με έναν κόκορα στη ζώνη του, σαν να διασχίζει τις τάξεις των σκοπευτών, τονίζει την έκπληξη, τη δυναμική και τον ενθουσιασμό της εικόνας. Εικόνες θαρραλέων ανθρώπων, που καταλαμβάνονται από μια ηρωική παρόρμηση, συνδυάζονται εδώ με μια γενικευμένη εικόνα του ολλανδικού λαού, εμπνευσμένη από τη συνείδηση της ενότητας και την πίστη στις δικές τους δυνάμεις. Έτσι, ένα ομαδικό πορτρέτο παίρνει τον χαρακτήρα ενός μοναδικού ιστορικού πίνακα στον οποίο ο καλλιτέχνης επιδιώκει να αξιολογήσει τη νεωτερικότητα. Ο Ρέμπραντ ενσαρκώνει την ιδέα του για υψηλά πολιτικά ιδεώδη, για έναν λαό που ξεσηκώνεται για να αγωνιστεί για την ελευθερία και την εθνική ανεξαρτησία. Στα χρόνια που αποκαλύπτονταν όλο και περισσότερο οι εσωτερικές αντιθέσεις που χώριζαν τη χώρα, ο καλλιτέχνης έκανε έκκληση για ηρωισμό των πολιτών. Ο Ρέμπραντ προσπάθησε να δημιουργήσει μια εικόνα της ηρωικής Ολλανδίας και να δοξάσει την πατριωτική ανάταση των πολιτών της. Ωστόσο, ένα τέτοιο σχέδιο ήταν ήδη σε μεγάλο βαθμό ξένο στους πελάτες του.
Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1640, οι διαφορές του καλλιτέχνη με την αστική κοινωνία αυξήθηκαν. Αυτό διευκολύνεται από δύσκολα γεγονότα στην προσωπική του ζωή, ο θάνατος της Saskia. Αλλά ήταν ακριβώς αυτή τη στιγμή που ξεκίνησε η εποχή της ωριμότητας στο έργο του Ρέμπραντ. Οι θεαματικές δραματικές σκηνές των πρώιμων έργων του αντικαθίστανται από την ποιητοποίηση της καθημερινής ζωής: κυριαρχούν τα λυρικά θέματα, όπως το «Αποχαιρετισμός του Δαυίδ στον Τζόναθαν» (1642), «Η Αγία Οικογένεια» (1645, και οι δύο πίνακες – Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), του οποίου το βάθος των ανθρώπινων συναισθημάτων αιχμαλωτίζει με μια εκπληκτικά λεπτή και δυνατή ενσάρκωση. Φαίνεται ότι σε απλές καθημερινές σκηνές, σε ελεύθερες και με ακρίβεια εντοπισμένες χειρονομίες και κινήσεις, ο καλλιτέχνης αποκαλύπτει όλη την πολυπλοκότητα της ψυχικής ζωής, τη ροή των σκέψεων των χαρακτήρων. Μεταφέρει τη σκηνή του πίνακα «Η Αγία Οικογένεια» σε ένα φτωχικό αγροτικό σπίτι, όπου ο πατέρας εργάζεται ως ξυλουργός και η νεαρή μητέρα φρουρεί προσεκτικά τον ύπνο του μωρού. Κάθε πράγμα εδώ είναι γεμάτο με την πνοή της ποίησης, τονίζοντας τη διάθεση της σιωπής, της γαλήνης και της ηρεμίας. Αυτό διευκολύνεται από το απαλό φως που φωτίζει τα πρόσωπα της μητέρας και του μωρού, οι πιο λεπτές αποχρώσεις του ζεστού χρυσού χρώματος.
Ο Χριστός και η Μαρία Μαγδαληνή στον τάφο, 1638, Βασιλική Συλλογή, Ουίνδσορ
Η Αγκάθα Μπας ενάντια σε ένα παράθυρο, 1641, Πινακοθήκη, Ανάκτορα του Μπάκιγχαμ
Ο ιεροκήρυκας Cornelis Claes Anslo και η σύζυγός του Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Μουσείο Βερολίνου-Dahlem
Οι εικόνες των γραφικών έργων του Ρέμπραντ - σχέδια και χαρακτικά - είναι γεμάτες βαθιά εσωτερική σημασία. Ο δημοκρατισμός της τέχνης του εκφράζεται με ιδιαίτερη ισχύ στο χαρακτικό «Χριστός Θεραπεύει τους Ασθενείς» (περίπου το 1649, «Φύλλο Εκατό Γκίλντερ», ονομάστηκε έτσι λόγω της υψηλής τιμής που απέκτησε σε δημοπρασίες). Εντυπωσιακή η διείσδυση των εικόνων των αρρώστων και των πονεμένων, των ζητιάνων και των φτωχών, που έρχονται σε αντίθεση με τους αυτοικανοποιημένους, πλούσια ντυμένους Φαρισαίους. Το αυθεντικό μνημειακό εύρος, η γραφικότητα, οι λεπτές και έντονες αντιθέσεις του chiaroscuro και ο τονικός πλούτος διακρίνουν τα χαρακτικά και τα σχέδια του με στυλό, τόσο θεματικά όσο και τοπικά.
Στην ύστερη περίοδο, τεράστια θέση καταλαμβάνουν απλές αλλά συνθέσεις, τις περισσότερες φορές πορτρέτα γενεών συγγενών και φίλων, στις οποίες ο καλλιτέχνης εστιάζει στην αποκάλυψη του πνευματικού κόσμου αυτών που απεικονίζονται. Πολλές φορές γράφει στον Hendrikje Stoffels, αποκαλύπτοντας την καλοσύνη και τη φιλικότητα, την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά της - όπως, για παράδειγμα, το «Hendrikje at the Window» (Βερολίνο, Μουσείο). Συχνά το μοντέλο είναι ο γιος του Τίτος, ένας άρρωστος, εύθραυστος νεαρός με ένα απαλό, πνευματικό πρόσωπο. Στο πορτρέτο με ένα βιβλίο (περίπου 1656, Βιέννη, Μουσείο Kunsthistorisches), η εικόνα φαίνεται να διαπερνάται από τις ακτίνες του ήλιου. Από τα πιο εγκάρδια είναι το πορτρέτο του Breuning (1652, Kassel, Gallery), ενός νεαρού χρυσαυγίτη με κινούμενο πρόσωπο, που φωτίζεται από ένα εσωτερικό φως, και ένα πορτρέτο του αποτραβηγμένου και λυπημένου Jan Six (1654, Amsterdam, Six συλλογή), σαν να σταματούσε στη σκέψη, τραβώντας ένα γάντι.
Αυτοπροσωπογραφία με τσόχα, 1642, Βασιλική Συλλογή, Κάστρο Ουίνδσορ, Λονδίνο
Η τουαλέτα του Bathsheba, 1643, Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη
Πορτρέτο μιας κυρίας με σφιχτά χέρια (Hendrickje Stoffels?), περίπου 1650, Βασιλική Συλλογή, Λονδίνο
Αυτός ο τύπος πορτρέτου περιλαμβάνει επίσης τις όψιμες αυτοπροσωπογραφίες του καλλιτέχνη, οι οποίες είναι εντυπωσιακές με τα πολύπλευρα ψυχολογικά τους χαρακτηριστικά και την έκφραση των πιο άπιαστων κινήσεων της ψυχής. Η «Αυτοπροσωπογραφία» του Μουσείου της Βιέννης (περίπου 1652) είναι γεμάτη με ευγενή απλότητα και μεγαλοπρέπεια. στο «Αυτοπροσωπογραφία» από το Λούβρο (1660), ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του να αντανακλάται, λυπημένος στη συγκέντρωση. Παράλληλα, ζωγραφίστηκε το πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας, της γυναίκας του αδελφού του (1654, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), ένα πορτρέτο-βιογραφία που μιλάει για μια δύσκολη ζωή, για σκληρές μέρες που άφησαν τα εύγλωττα ίχνη τους στο ζαρωμένο πρόσωπο και φθαρμένα χέρια αυτής της γυναίκας που είχε δει πολλά και επιζών. Συγκεντρώνοντας το φως στο πρόσωπο και τα χέρια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή του θεατή σε αυτά, αποκαλύπτοντας τον πνευματικό πλούτο και την ανθρώπινη αξιοπρέπεια αυτών που απεικονίζονται. Σχεδόν όλα αυτά τα πορτρέτα δεν παραγγέλθηκαν: κάθε χρόνο γίνονταν όλο και λιγότερες παραγγελίες.
Η τελευταία δεκαετία είναι η πιο τραγική περίοδος της ζωής του Ρέμπραντ. κηρύχθηκε αφερέγγυος οφειλέτης, εγκαθίσταται στη φτωχότερη συνοικία του Άμστερνταμ, χάνοντας τους καλύτερους φίλους και συγγενείς του. Ο Hendrickje και ο γιος Titus πεθαίνουν. Αλλά οι ατυχίες που τον συνέβησαν δεν μπορούσαν να σταματήσουν την ανάπτυξη της δημιουργικής ιδιοφυΐας του καλλιτέχνη. Τα πιο βαθιά και όμορφα έργα του γράφτηκαν αυτή την εποχή. Το ομαδικό πορτρέτο του «Σινδίκι» (οι πρεσβύτεροι του εργαστηρίου ρούχων, 1662, Άμστερνταμ, Rijksmuseum) ολοκληρώνει τα επιτεύγματα του καλλιτέχνη σε αυτό το είδος. Η ζωντάνια του έγκειται στο βάθος και τον χαρακτήρα καθενός από αυτά που απεικονίζονται, στη φυσικότητα της σύνθεσης, καθαρή και ισορροπημένη, στη λιτότητα και την ακρίβεια της επιλογής των λεπτομερειών, στην αρμονία ενός συγκρατημένου χρωματικού συνδυασμού και ταυτόχρονα στο δημιουργώντας μια ολοκληρωμένη εικόνα μιας ομάδας ανθρώπων που ενώνονται από τα κοινά συμφέροντα που υπερασπίζονται. Η ασυνήθιστη γωνία τονίζει τη μνημειακή φύση της εικόνας, τη σημασία και τη σοβαρότητα αυτού που συμβαίνει.
Νεαρή γυναίκα που δοκιμάζει σκουλαρίκια, 1657, Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη
Αρταξέρξης, Αμάν και Εσθήρ, 1660, Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών Πούσκιν, Μόσχα
Οικογενειακό πορτρέτο, 1668, Μουσείο Duke Anton Ulrich, Brunswick
Αρκετοί μεγάλοι θεματικοί πίνακες του πλοιάρχου ανήκουν επίσης στην ύστερη περίοδο: «The Conspiracy of Julius Civilis» (1661, Στοκχόλμη, Εθνικό Μουσείο), μια ιστορική σύνθεση που απεικονίζει τον αρχηγό της φυλής Batavian, που θεωρούνταν οι πρόγονοι της Ολλανδία, που τον 1ο αιώνα ξεσήκωσε τον λαό σε εξέγερση κατά της Ρώμης, καθώς και πίνακες με βιβλικές σκηνές: «Αρταξέρξης, Αμάν και Εσθήρ» (1660, Μόσχα, Μουσείο Πούσκιν). Η πλοκή της βιβλικής παραβολής για τον άσωτο γιο είχε προσελκύσει τον καλλιτέχνη και εμφανίζεται σε ένα από τα χαρακτικά του. Αλλά μόνο προς το τέλος της ζωής του ο Ρέμπραντ ήρθε στην πιο βαθιά του αποκάλυψη. Η εικόνα ενός κουρασμένου, μετανοημένου άνδρα που γονάτισε μπροστά στον πατέρα του εκφράζει την τραγική διαδρομή της μάθησης για τη ζωή και η εικόνα ενός πατέρα που συγχώρεσε τον άσωτο γιο ενσωματώνει την υψηλότερη ευτυχία που έχει ο άνθρωπος, το όριο των συναισθημάτων που γεμίζουν η καρδιά. Η λύση σε αυτή τη μεγάλη σύνθεση είναι εκπληκτικά απλή, όπου οι κύριοι χαρακτήρες φαίνονται να φωτίζονται από ένα εσωτερικό φως, όπου η χειρονομία των χεριών του πατέρα, που βρήκε ξανά τον γιο του, εκφράζει την απέραντη καλοσύνη του και η πεσμένη φιγούρα του ένας περιπλανώμενος με βρώμικα κουρέλια, προσκολλημένος στον πατέρα του, εκφράζει όλη τη δύναμη της μετάνοιας, την τραγωδία της αναζήτησης και των απωλειών. Άλλοι χαρακτήρες υποβιβάζονται στο παρασκήνιο, στο μισό, και η συμπόνια και η στοχαστικότητα τους αναδεικνύουν ακόμη περισσότερο, σαν να λάμπουν με μια ζεστή λάμψη, την πατρική αγάπη και τη συγχώρεση που άφησε ο μεγάλος Ολλανδός καλλιτέχνης στους ανθρώπους ως διαθήκη.
Η επιρροή της τέχνης του Ρέμπραντ ήταν τεράστια. Επηρέασε όχι μόνο το έργο των άμεσων μαθητών του, από τους οποίους ο Carel Fabricius έφτασε πιο κοντά στην κατανόηση του δασκάλου, αλλά και την τέχνη κάθε λίγο πολύ σημαντικού Ολλανδού καλλιτέχνη. Η τέχνη του Ρέμπραντ είχε βαθύ αντίκτυπο στην ανάπτυξη όλης της παγκόσμιας ρεαλιστικής τέχνης στη συνέχεια. Ενώ ο μεγαλύτερος Ολλανδός καλλιτέχνης, έχοντας έρθει σε σύγκρουση με την αστική κοινωνία, πέθανε στη φτώχεια, άλλοι ζωγράφοι, έχοντας κατακτήσει την ικανότητα να μεταφέρουν με ειλικρίνεια αυτό που απεικόνιζαν, κατάφεραν να επιτύχουν αναγνώριση και ευημερία. Συγκεντρώνοντας τις προσπάθειές τους στον τομέα του ενός ή του άλλου είδους ζωγραφικής, πολλοί από αυτούς δημιούργησαν σημαντικά έργα στον τομέα τους.
Ο Rembrandt Harmens van Rijn είναι ένας από τους διάσημους καλλιτέχνες παγκοσμίως. Όπως πολλοί ταλαντούχοι καλλιτέχνες από τη Χρυσή Εποχή, τα έργα παρουσιάζουν θρησκευτικά μοτίβα. Αυτός είναι ένας μοναδικός δεξιοτέχνης βιβλικών, μυθολογικών θεμάτων, πορτρέτων και της παρουσίασης του chiaroscuro. Τα έργα του Rembrandt Van Rijn αποτυπώνουν περισσότερα από απλά πρόσωπα. Ολόκληρες ιστορίες παρουσιάζονται εδώ.
Η ζωή ενός μεγάλου καλλιτέχνη
Η βιογραφία του Ρέμπραντ ξεκινά από τη γέννηση. Αυτό συνέβη το 1606 (ολλανδική πόλη Leiden), στις 15 Ιουλίου. Ο πατέρας του αγοριού είναι πλούσιος μυλωνάς, η μητέρα του είναι κόρη αρτοποιού. Van Rhein σημαίνει «Από τον Ρήνο» (ποτάμι). Από τα 10 παιδιά, ο Van Rijn είναι το μικρότερο. Τα αδέρφια, όταν μεγάλωσαν, άρχισαν να κάνουν τα ίδια πράγματα με τους γονείς τους. Ο Ρέμπραντ επέλεξε να λάβει καλλιτεχνική εκπαίδευση (Λατινική Σχολή). Μετά το σχολείο, μπήκε για λίγο στο Πανεπιστήμιο του Λέιντεν. Δεν υπάρχει καμία επιθυμία να συνεχίσω τις σπουδές λόγω του πάθους μου για τη ζωγραφική. Υπάρχει μια άποψη μεταξύ των επιστημόνων ότι ο Van Rijn αποφοίτησε από το πανεπιστήμιο για να λάβει αναβολή από τη στρατιωτική θητεία.
Ο δημιουργός άρχισε να μαθαίνει να σχεδιάζει σε ηλικία 13 ετών. Ο πρώτος δάσκαλος είναι ο Jacob Van Swanenburch. Αφού σπούδασε για 3 χρόνια, ο δάσκαλος προτίμησε το Άμστερνταμ, όπου ο Peter Lastman έγινε δάσκαλος. 1626 - ο καλλιτέχνης επέστρεψε στο σπίτι. Μετά από πολλή σκέψη, επέλεξε να ακολουθήσει μια καριέρα ως καλλιτέχνης στην πρωτεύουσα, επισκεπτόμενος ξανά το Άμστερνταμ.
Αυτή είναι η εποχή της συγκρότησής του ως καλλιτέχνη. Μετά με τράβηξε το έργο του Καραβάτζιο. Εμφανίστηκαν πολυάριθμα πορτρέτα του Ρέμπραντ. Απεικόνιζε μέλη της οικογένειας και ζωγράφισε αυτοπροσωπογραφίες. Δίνεται μεγάλη προσοχή στο φωτισμό και στη μετάδοση πνευματικών εμπειριών. Ο νεαρός καλλιτέχνης προτίμησε να ντύνει μοντέλα: διαφορετικά ρούχα, όμορφα υφάσματα, μεταφέροντας υφές και χρώματα.
Το Άμστερνταμ είναι ευνοϊκό: ο νεαρός γίνεται γρήγορα διάσημος και δέχεται παραγγελίες. Δεν υπάρχει λόγος να αρνηθείτε να βελτιώσετε τις δεξιότητές σας. Η δεκαετία του '30 ήταν μια περίοδος υπέρτατης δόξας. Οι πόζες και οι πράξεις είναι φυσικές, δεν υπάρχει περιττός νατουραλισμός.
1634 - παντρεύεται τη Σάσκια. Την εποχή του γάμου τους, οι νέοι είχαν καλή τύχη (ο Ρέμπραντ δικαιούταν δικαιώματα για πίνακες, η Σάσκια έλαβε κληρονομιά από τους γονείς της). Η αγάπη βασίλευε αληθινά, δεν έγινε λόγος για υπολογισμό. Ο καλλιτέχνης αναγνωρίστηκε από κύκλους πατρικίων. Ξεκινά μια ευτυχισμένη περίοδος ζωής: αμοιβαία, παθιασμένη αγάπη, υλική ευημερία, συνεχείς παραγγελίες. Ο ζωγράφος συχνά απεικονίζει τη νεαρή σύζυγό του.
1635–1640 - Η σύζυγος του Ρέμπραντ γέννησε τρία παιδιά, τα οποία πέθαναν όλα ως νεογέννητα. 1641 - εμφανίστηκε ο γιος Τίτος. Το παιδί επέζησε, αλλά ένα χρόνο αργότερα (η ηλικία της Saskia ήταν 29 ετών) η μητέρα της πέθανε. Η ζωή του Van Rijn είναι μια κατάσταση από την πολυτέλεια στην παρακμή. Η αρχή είναι μια χαρούμενη παιδική ηλικία, πλούτη, αναγνώριση. Η κατάσταση άλλαζε: οι πελάτες έφυγαν, τα γηρατειά που πλήττονταν από τη φτώχεια. Η διάθεση του πλοιάρχου φαίνεται από τους καμβάδες.
Μετά τον θάνατο της αγαπημένης του, ο ζωγράφος υπέφερε, το σχέδιο τον παρηγόρησε. Ηθική κατάθλιψη, σπατάλη (πάθος - συλλογή) μετέτρεψαν σταδιακά τον πλούσιο σε ζητιάνο. Σημαντικό ρόλο στην επιδείνωση της οικονομικής κατάστασης έπαιξε η αλλαγή στα γούστα του κοινού. Οι προσεκτικά λεπτομερείς πίνακες φωτός έγιναν σε ζήτηση. Ο Δημιουργός, όντας οπαδός μιας διαφορετικής τεχνικής (αντιθέσεις φωτός και σκιάς), αρνήθηκε να συμβιβάσει τις αρχές του. Υπήρχαν λιγότερες παραγγελίες. Τη χρονιά του θανάτου της Saskia, ο πλοίαρχος ολοκλήρωσε το αριστούργημα "Night Watch".
Ο Τίτου ενός έτους είναι ένα πρόβλημα του μπαμπά. Εμφανίστηκε μια νταντά - η Gertje Dirks. Το κορίτσι έγινε ερωμένη του καλλιτέχνη. Μερικά χρόνια αργότερα, προσλήφθηκε μια άλλη νταντά - η Hendrikje Stoffels. Αυτή και ο Τίτος άνοιξαν μια εταιρεία που πουλούσε έργα τέχνης και αντίκες για να βοηθήσουν τον καλλιτέχνη. Η ιδέα απέτυχε και η οικονομική κατάσταση χειροτέρεψε. Ο καλλιτέχνης πούλησε μέρος της συλλογής, αλλά δεν βοήθησε πολύ. Ο κύριος παραλίγο να πεταχτεί πίσω από τα κάγκελα. Το δικαστήριο έκρινε ότι η υπόθεση ήταν αποδεκτή. Πουλήθηκε περιουσία, εξοφλήθηκαν τα χρέη. Ο Δημιουργός έζησε για κάποιο διάστημα σε ένα σπίτι που δεν ήταν πλέον ιδιοκτησία.
Ο Hendrikje Stoffels έφερε στον κόσμο δύο παιδιά. Το πρώτο παιδί, ένα αγόρι, πέθανε ως βρέφος. Η κόρη Καρνέλια επέζησε από τον πατέρα της. Ο Geertje Dirks ήθελε να καταδικάσει τον καλλιτέχνη: ο πλοίαρχος παραβίασε το συμβόλαιο γάμου. Η διαμάχη χάθηκε, ο Ντιρκς περίμενε ένα σωφρονιστικό σπίτι. Έμεινε εκεί για 5 χρόνια, αφέθηκε ελεύθερη και πέθανε ένα χρόνο αργότερα.
Μέχρι το τέλος της ζωής του, ο καλλιτέχνης χρωστάει πολλά στους ανθρώπους, αλλά το έργο του Ρέμπραντ είναι μια απαγόρευση να βλάψει τη φήμη του ζωγράφου. Ο πλοίαρχος παρέμεινε ένας άξιος άνθρωπος για τις μάζες των ανθρώπων που εκτιμούσαν το έργο μιας ιδιοφυΐας.
Λίγοι γνωρίζουν: υπάρχει μια μοναδική συλλογή που περιλαμβάνει έργα Ιταλών καλλιτεχνών, χαρακτικά, προτομές, όπλα. Αντιπροσωπεύονται από το Μουσείο Ρέμπραντ (Άμστερνταμ).
1663 - Πέθανε ο Hendrickje. Λίγο καιρό αργότερα (1668), ο κύριος έθαψε τον γιο και τη νύφη του Τίτου. Η πανούκλα τους σκότωσε. Το θλιβερό γεγονός επιδείνωσε απότομα την ψυχική κατάσταση του πλοιάρχου. 1669, 4 Οκτωβρίου - ο ίδιος έφυγε από τον κόσμο, παραμένοντας για πάντα αγαπημένος από τους αγαπημένους του. Ο τόπος ταφής είναι η ολλανδική εκκλησία Westerkerk (Άμστερνταμ).
Διάσημοι πίνακες του Ρέμπραντ με τίτλους
αυτοπροσωπογραφία Rembrandt Κατηγορία Ρέμπραντ Χάρμενς βαν Ράιν- ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες στον κόσμο. Γεννήθηκε στις 15 Ιουλίου 1606 στο Λέιντεν (Ολλανδία, Νότια Ολλανδία). Μαθήτευσε για αρκετά χρόνια με έναν ζωγράφο του Λάιντεν και στη συνέχεια μελέτησε τις περιπλοκές της ζωγραφικής με τον Πίτερ Λάστμαν στο Άμστερνταμ, ο οποίος με τη σειρά του σπούδασε στην Ιταλία. Ήταν ο Lastman που εισήγαγε για πρώτη φορά τον Rembrandt στην τέχνη του chiaroscuro, στα εφέ της μεταφοράς όγκου, βάθους και στο δράμα της πλοκής.
Ο Ρέμπραντ είναι ένας αληθινός και αξεπέραστος δεξιοτέχνης των βιβλικών και μυθολογικών θεμάτων, της προσωπογραφίας και της απόδοσης. Αφού μετακόμισε στο Άμστερνταμ το 1631 (1632), σύντομα απέκτησε πραγματική φήμη ως ταλαντούχος καλλιτέχνης. Ο πίνακας «The Anatomy Lesson of Doctor Tulpe» του έφερε φήμη και αναγνώριση μεταξύ των καλλιτεχνών και των γνώστες της τέχνης. Εκείνη την εποχή ήταν ένας μοντέρνος και επιτυχημένος ζωγράφος που είχε πολλές παραγγελίες. Η επιχείρησή του απογειώθηκε απότομα και έγινε ένας αρκετά πλούσιος άνθρωπος.
Ωστόσο, παρά την ευημερία του ως καλλιτέχνη, ο Ρέμπραντ υπέφερε πολλά προβλήματα στην προσωπική του ζωή. Τρία από τα παιδιά του πέθαναν σε βρεφική ηλικία. Ο τέταρτος γιος, ο Τίτος, επέζησε, αλλά η σύζυγός του Σάσκια πέθανε ένα χρόνο μετά τη γέννησή του. Σε αυτά τα δύσκολα και κρίσιμα χρόνια για κάθε άνθρωπο, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε τον πίνακα «The Night Watch», που του έφερε πραγματική φήμη και εξακολουθεί να είναι ένας από τους πιο εντυπωσιακούς πίνακες ολόκληρου του έργου του. Το Night's Watch είναι ένα ομαδικό πορτρέτο μελών της συντεχνίας τοξοβολίας. Στη συνέχεια, εγκατέλειψε τον κλασικό τρόπο διάταξης προσώπων σε ένα ομαδικό πορτρέτο και δημιούργησε μια εικόνα στην οποία υπάρχει δυναμική και κίνηση. Επιπλέον, η ασυνήθιστη αντίθεση, ο τρόπος εφαρμογής του φωτός και της σκιάς, έδωσαν μια ιδιαίτερη συναρπαστική γεύση στο έργο. Οι πελάτες, ομολογουμένως, δεν κατάλαβαν την ιδέα του Ρέμπραντ, αφού ήθελαν να πάρουν κάτι παρόμοιο με τα έργα άλλων κλασικών καλλιτεχνών εκείνης της εποχής, εκείνων που είχαν αναγνωριστεί ως πρότυπο στη ζωγραφική.
Με τα χρόνια, ρεαλιστική τέχνη Ρέμπραντ Βαν Ράινόλα βελτιώνονται και εξελίσσονται. Μπαίνει βαθύτερα στη δημιουργικότητά του, διαφέροντας όλο και περισσότερο από τους συγχρόνους του. Το βάθος και η συναισθηματικότητα φτάνουν στο απόγειο της έντασης. Οι καλλιτεχνικές εικόνες στους καμβάδες του μοιάζουν να ζουν τη δική τους ζωή και δεν είναι καθόλου αντίγραφο του πρωτότυπου ή απλή εικόνα ενός ανθρώπου. Ήταν η καινοτομία της καλλιτεχνικής έρευνας που του επέτρεψε να γίνει ένας από τους πιο αξιόλογους καλλιτέχνες όλων των εποχών. Δεν κουράστηκε να εκπλήσσει τους ανθρώπους σε όλη του τη ζωή. Ακόμη και όταν ο Ρέμπραντ έφυγε από τη μόδα και συνέχισε να ζωγραφίζει συνηθισμένα πορτρέτα κατά παραγγελία, απροσδόκητα για όλους ζωγράφισε τον μεγαλοπρεπή πίνακα «Η Επιστροφή του Άσωτου Υιού». Κι όμως, παρά την ικανότητα και την αξία του, ο κόσμος και η κοινωνία ήταν σκληροί ακόμη και σε εκείνους τους καιρούς. Ο Ρέμπραντ βαν Ράιν πέθανε στις 4 Οκτωβρίου 1669 μέσα στη φτώχεια και τη δυστυχία. Ο τάφος του χάθηκε, αλλά μια μεγάλη κληρονομιά έμεινε στη μνήμη του για πολλούς αιώνες.
Θέλετε να φαίνεστε μοντέρνα και μοντέρνα; Η εκτύπωση T-shirt υψηλής ποιότητας από το Print Salon είναι στη διάθεσή σας. Μπλουζάκια, επιγραφές και εικόνες για κάθε γούστο.
Αλληγορία της Μουσικής
Ανδρομέδα
Ο Αριστοτέλης με την προτομή του Ομήρου
Πτήση για Αίγυπτο
Η ευλογία του Ιακώβ
Η βάρκα του Χριστού κατά τη διάρκεια της καταιγίδας
Άνθρωπος με χρυσό κράνος
Ο Ντέιβιντ και ο Ιωνάθαν
Ο Ευαγγελιστής Ματθαίος και ο άγγελος
Εβραία νύφη
Ο Frederick Riehl έφιππος
Θυσία
Πέτρινη γέφυρα
Μύλος
Νεκρή φύση με παγώνι
Νυχτερινή βάρδια
Η κατηγορία του Ιωσήφ
Τύφλωση του Σαμψών
Άρνηση του Αποστόλου Πέτρου
Η γιορτή του Βαλτάσαρ
Η απαγωγή του Γανυμήδη
Πορτρέτο του Jeremiah Decker
Πορτρέτο της Maria Trip
Πορτρέτο ενός παλιού πολεμιστή
Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας
Πορτρέτο του Jan Six
Πορτρέτο του Jan Utenbogaert
Ο Rembrandt Harmens van Rijn είναι ο μεγαλύτερος Ολλανδός καλλιτέχνης και γραφίστας. Είναι εκπρόσωπος των «μεγάλων Ολλανδών»: Ολλανδοί καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν τους πίνακές τους σε καμβάδες μεγάλου μεγέθους.
Ο Rembrandt Harmens van Rijn γεννήθηκε στις 15 Ιουλίου 1606 στην Ολλανδία, στην πόλη Leiden. Ο πατέρας του Harmen van Rijn ήταν πλούσιος μυλωνάς και η μητέρα του Neltje Willems van Zeitburg ήταν κόρη αρτοποιού. Ο Ρέμπραντ ήταν το έκτο παιδί μιας μεγάλης οικογένειας.
Στο Λάιντεν, ο Ρέμπραντ σπούδασε σε ένα λατινικό σχολείο και σε ηλικία 13 ετών μπήκε στο Πανεπιστήμιο του Λέιντεν, αλλά δεν έμεινε εκεί. Το αγόρι ενδιαφερόταν περισσότερο για τη ζωγραφική και ο πατέρας του Ρέμπραντ, βλέποντας το ταλέντο του γιου του, τον βοήθησε. Σε ηλικία 16 ετών, ο Ρέμπραντ άρχισε να σπουδάζει εικαστικές τέχνες με τον πρώτο του δάσκαλο. Jacob van Swanenburch -Ιστορικός ζωγράφος του Leiden, γιος του Isaac Claes Swanenburch - ο πιο εξέχων καλλιτέχνης της πόλης στα τέλη του 16ου αιώνα. Επιπλέον, ο Ρέμπραντήταν μακρινός συγγενής Jacob van Swanenburch.
Το 1623, ο Ρέμπραντ μετακόμισε στο Άμστερνταμ, όπου σπούδασε για έξι μήνες με τον Πίτερ Λάστμαν, ο οποίος έγινε διάσημος για τα ιστορικά, μυθολογικά και βιβλικά του θέματα. Ο Ρέμπραντ ήρθε στο εργαστήριό του ως έφηβος, οπότε έμαθε πολλά από αυτόν τον πολύ διάσημο τότε καλλιτέχνη. Στο εργαστήριό του ο Ρέμπραντ έμαθε την τέχνη της χαρακτικής. Το γούστο του Lastman για την ποικιλομορφία και την υπερβολική λεπτομέρεια είχε αρχικά τεράστια επιρροή στον νεαρό Ρέμπραντ. Οι πρώιμοι πίνακες του Ρέμπραντ: «Λιθοβολισμός του Αγίου Στεφάνου του Αποστόλου» (1625. Λυών. Μουσείο Καλών Τεχνών), «Η Παλαμήδεια πριν από τον Αγαμέμνονα» (1626), «Βάπτιση του Ευνούχου» (1626. Ουτρέχτη. Κρατικό Μουσείο της μονής Katharine), «Concert» (Musical Lesson of Voluptuous Love) (1626. Amsterdam State Museum. Rijksmuseum), «David with the Head of Goliath» (1627. Basel. Open art collection), «Tobit Praying» (Ο Tobit κατηγορεί την Άννα για κλοπή παιδιού ) (1626. Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Rijksmuseum), «Balaam and the Donkey» (1627). Αυτοί οι πίνακες είναι πολύ πολύχρωμοι, οι λεπτομερείς λεπτομέρειες απεικονίζονται προσεκτικά και το ίδιο το σκηνικό του βιβλικού θρύλου μεταφέρεται αξιόπιστα. Αλλά ήδη σε αυτούς τους πρώιμους πίνακες εμφανίζονται τα εφέ φωτός και σκιάς που έκαναν τον συγγραφέα τόσο διάσημο.
Το 1627, ο Ρέμπραντ επέστρεψε στο Λέιντεν. Σε ηλικία είκοσι ετών, δούλεψε ανεξάρτητα πάνω σε πίνακες ζωγραφικής και επίσης χάραξε. Ο Ρέμπραντ, περπατώντας στους δρόμους, απαθανάτισε τις εικόνες που του άρεσαν με μια σμίλη σε μια λουστραρισμένη σανίδα. Δημιουργεί επίσης μια σειρά από εκτυπώσεις που απεικονίζουν τους συγγενείς του και αυτοπροσωπογραφίες. Στο Λέιντεν, ο Ρέμπραντ εργάστηκε μαζί με τον φίλο του Γιαν Λίβενς, ο οποίος ήταν ισάξιος σε ταλέντο. Οι καλλιτέχνες επηρεάζουν αμοιβαία το έργο του άλλου και μερικές φορές εργάζονται για το ίδιο θέμα σε ένα είδος συν-συγγραφικής. Για το λόγο αυτό, είναι αρκετά δύσκολο για τους ιστορικούς τέχνης να χαράξουν μια διαχωριστική γραμμή ανάμεσα στους πίνακες του Rembrandt και του Lievens του 1628-1632. Μερικά από τα αριστουργήματα του Λίβενς αποδόθηκαν στον Ρέμπραντ, ενώ οι λιγότερο πολύτιμοι πίνακες του τελευταίου θεωρήθηκαν έργα του Λέβινς.
Ήδη στα χρόνια του Λάιντεν, η πρωτοτυπία του Ρέμπραντ άρχισε να εμφανίζεται στον τρόπο του να αναπτύσσει θέματα. Όπως και άλλοι δεξιοτέχνες του μπαρόκ, ο Ρέμπραντ διερεύνησε τη σημασία του chiaroscuro στη μετάδοση συναισθημάτων. Το έργο του Ρέμπραντ επηρεάστηκε από καλλιτέχνες όπως ο Joris van Schooten, ο δημιουργός μιας ολόκληρης σειράς ομαδικών έργων ζωγραφικής, ο Luca Leiden, του οποίου το πινέλο ανήκει στον πίνακα Last Judgment, ο Peter Paul Rubens, ο οποίος τότε θεωρούνταν ο καλύτερος καλλιτέχνης στην Ευρώπη, ο Γερμανός. καλλιτέχνη Adam Elsheimer, καθώς και πίνακες των δασκάλων του Caravaggists σχετικά με την εργασία με το φως και τη σκιά. Οι πίνακες του Ρέμπραντ που είναι πιο κοντά σε στυλ στους Καραβαγκιστές είναι «The Money Changer» (Parable of the Foolish Rich Man) (1627, Βερολίνο), «Introduction to the Temple» (1628), «Christ at Emmaus» (1629) . Το πορτρέτο στο οποίο ο καλλιτέχνης απαθανάτισε τον εαυτό του στο στούντιο ενώ εργαζόταν πάνω στον πίνακα είναι το πρώτο ζωγραφικό αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ που μας έχει φτάσει (1628).
Το 1629, ο καλλιτέχνης έγινε αντιληπτός από τον γραμματέα του stadtholder Konstantin Heygens, ποιητή και φιλάνθρωπο. Σε μια από τις επιστολές του, ο Hagens περιγράφει τους Lievens και Rembrandt ως πολλά υποσχόμενους νέους καλλιτέχνες. Συγκρίνει τον καμβά του Ρέμπραντ «Ο Ιούδας επιστρέφει τριάντα κομμάτια ασήμι» (1629. Ιδιωτική συλλογή) με τα καλύτερα έργα της Ιταλίας, αν και καταδικάζει την παραμέληση του καλλιτέχνη στο σχέδιο. Πιθανώς χάρη στη μεσολάβηση του Χάγκενς, ο Ρέμπραντ επικοινώνησε με πλούσιους πελάτες και ο κάτοχος του σταδίου άρχισε να αποκτά πίνακες του Ρέμπραντ και του Λίβενς. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε αρκετούς πίνακες με θρησκευτικά θέματα για τον Πρίγκιπα του Πορτοκαλιού. Ωστόσο, το πάθος του Χριστού δεν είχε μεγάλη επιτυχία.
Το 1631, ο Ρέμπραντ μετακόμισε ξανά στο Άμστερνταμ, που εκείνη την εποχή θεωρούνταν η δεύτερη Βενετία. Ο Ρέμπραντ συναντά πολλούς ανθρώπους διαφορετικών τάξεων. Πολλά πορτρέτα δείχνουν ότι ο καλλιτέχνης περιλαμβανόταν στα υψηλότερα στρώματα της κοινωνίας του Άμστερνταμ. Οι απλοί άνθρωποι του πόζαραν για βιβλικές σκηνές. Τα πρώτα δέκα χρόνια μετά τη μετακόμιση του Ρέμπραντ στο Άμστερνταμ σημαδεύτηκαν από τη δημιουργία πολλών έργων εντυπωσιακού μεγέθους και θεματολογίας. Σε μελέτες ανδρικών και γυναικείων κεφαλιών, εξερευνά τις εκφράσεις του προσώπου και τη μοναδικότητα κάθε μοντέλου. Ο καλλιτέχνης συχνά ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες, απεικονίζοντας τον εαυτό του με φανταστικά ρούχα και περίπλοκες πόζες. Ο Ρέμπραντ τυπώνει τα δικά του χαρακτικά και κάθε εκτύπωση διαφέρει από την προηγούμενη σε πολλές πινελιές ή γραμμές. Αυτές οι εκτυπώσεις εξαντλήθηκαν γρήγορα. Τα έργα του έχουν βρει αγοραστές τόσο στη χώρα του όσο και στο εξωτερικό.
Ο Ρέμπραντ γίνεται δεινός συλλέκτης ακριβών και σπάνιων αντικειμένων. Γέμισε την έπαυλή του στις όχθες ενός πρόσφατα σκαμμένου καναλιού με αντικείμενα τέχνης που αγόρασε από αντικέρ. Αυτοί ήταν πίνακες Ιταλών δασκάλων και γκραβούρες, πολλά έργα του Ρούμπενς, καθώς και προτομές αντίκες, όπλα, μουσικά όργανα, ινδική πανοπλία και φανταχτερά καθημερινά σκεύη. Ο καλλιτέχνης μελέτησε προσεκτικά τα έργα μεγάλων προκατόχων και συγχρόνων του, όπως ο Τιτσιάν και το «Αριοστό» του, το πορτρέτο του Μπαλταζάρ Καστιλιόνε του Ραφαήλ και τα πορτρέτα του βαν Ντικ.
Το ομαδικό πορτρέτο «The Anatomy Lesson of Doctor Tulp» (1632. Η Χάγη, Mauritshuis) δόξασε τον Ρέμπραντ και θεωρείται το πρώτο σπουδαίο έργο του καλλιτέχνη. Το 1555, ψηφίστηκε νόμος στην Ολλανδία που επέτρεπε στους γιατρούς να εξετάζουν το ανθρώπινο σώμα και πολλοί γιατροί έδωσαν διαλέξεις για την ανατομική δομή του ανθρώπου σε ειδικά ανατομικά θέατρα. Στον πίνακα «Το μάθημα της ανατομίας του Δρ. Τουλπ», ο Δρ. Νίκολας Τουλπ (πραγματικό όνομα Claes Pieterszoon), ένας εξαιρετικός χειρουργός και επιστήμονας του Άμστερνταμ που ηγήθηκε του τμήματος ανατομίας, δείχνει στους γιατρούς τη δομή των μυών του αριστερού αντιβραχίου. Η εικόνα εκπλήσσει με τον ρεαλισμό και τον νατουραλισμό της. Η σύνθεση είναι αρκετά πρωτότυπη, δεν ανταποκρίνεται στο συνηθισμένο σχήμα, όταν οι φιγούρες τοποθετούνταν γύρω από ένα τραπέζι ή παρατάσσονταν σε παράλληλες σειρές έτσι ώστε τα κεφάλια αυτών που απεικονίζονται να είναι εξίσου ορατά στον θεατή. Σε αντίθεση με αυτήν την επικρατούσα επίσημη παράδοση, οι χειρουργοί απεικονίζονται σε φυσικές πόζες και τους ενώνει μια πυραμιδοειδής σύνθεση ανθρώπων που παθιάζονται με τη διαδικασία. Ο Ρέμπραντ ήταν σε θέση να μεταφέρει μέσω εκφράσεων του προσώπου και χειρονομιών τις σκέψεις και τα συναισθήματα του καθηγητή και των μαθητών του. Ο Ρέμπραντ δίνει μεγάλη προσοχή στον φωτισμό που γεμίζει την εικόνα, δημιουργώντας μια ιδιαίτερη ένταση στον καμβά. Ο πίνακας «Το μάθημα της ανατομίας του Δρ Τουλπ» τράβηξε την προσοχή πολλών κατοίκων του Άμστερνταμ που προσπάθησαν να μπουν στο αμφιθέατρο ενός ιατρικού ιδρύματος για να τον δουν.
Το 1634, ο Ρέμπραντ παντρεύτηκε τη Saskia van Uylenburgh, μια πλούσια κοπέλα που καταγόταν από μια πολύ ευγενή οικογένεια. Αυτό το γεγονός αύξησε την περιουσία τους, ανοίγοντας τις πόρτες των αρχοντικών των burghers στον καλλιτέχνη. Με ειδική παραγγελία, ο Ρέμπραντ έκανε ομαδικά πορτρέτα. Οι πελάτες προτιμούσαν να τραβηχτούν με τη σύζυγό τους. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε δεκάδες τέτοια πορτρέτα, που συνήθως απεικονίζουν συζύγους σε δύο διαφορετικούς καμβάδες. Μόνο δύο φορές ένας ζωγράφος ζωγραφίζει ένα διπλό πορτρέτο, γιατί η πειστική τοποθέτηση δύο ανθρώπων σε έναν καμβά δεν είναι εύκολη.
«The Shipbuilder and His Wife» (πορτρέτο του Jan Rijksen και της συζύγου του Griet Jans) (1633. Λονδίνο. Βασιλική Συλλογή).
Ο καλλιτέχνης τοποθετεί το ζευγάρι σε ένα ιδιωτικό περιβάλλον. Το επεισόδιο με τη σύζυγο να παραδίδει ένα γράμμα στον άντρα της, ο οποίος εργάζεται στο γραφείο του, μετατρέπει την εικόνα σε σκηνή είδους. Ο συνδυασμός χρωμάτων της εικόνας είναι συγκρατημένος. Οι κύριες πινελιές τοποθετούνται από τον καλλιτέχνη σε πρόσωπα και σε ορισμένα εσωτερικά αντικείμενα. Αυτό είναι το πιο όμορφο ολλανδικό ομαδικό πορτρέτο εκείνης της εποχής. Οκτώ χρόνια αργότερα, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε ένα άλλο διπλό πορτρέτο: «Ο σεκτυμενονίτης ιεροκήρυκας Cornelis Claes Anslo και η σύζυγός του Altier Gerrit Schouten» (1641. Βερολίνο. Κρατικά Μουσεία, Πινακοθήκη Τέχνης). Η σύνθεση είναι αρκετά απροσδόκητη, οι φιγούρες μετατοπίζονται προς τα δεξιά και καταλαμβάνουν μόνο το μισό του καμβά. Η σύνθεση ισορροπεί από τη χειρονομία του Anslo και τα βιβλία που βρίσκονται στο τραπέζι.
Σε πορτρέτα γυναικών και ανδρών, ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει προσεκτικά το κεφάλι, γυρισμένο προς τα εμπρός ή τα τρία τέταρτα, και απεικονίζει εκφραστικά τα χέρια. Τα ολόσωμα πορτρέτα του θεωρούνται λιγότερο επιτυχημένα. Τον 17ο αιώνα, η ομοιότητα ήταν πολύ σημαντική, αλλά τα πορτρέτα του Ρέμπραντ είναι βαθιά ψυχολογικά. Το φόντο αλλάζει σταδιακά από σκούρο σε ανοιχτό, με αποτέλεσμα η φιγούρα να φαίνεται να αναδύεται από τις σκιές. Ορισμένα θέματα προτιμούν να απεικονίζονται χωρίς κοσμήματα, συχνά με ένα απλό κοστούμι, διακοσμημένο μόνο με δαντέλα στον γιακά και τις μανσέτες. Τα πορτρέτα του Ρέμπραντ διακρίνονται για την πληρότητα, την αίσθηση οικειότητας και οικειότητας. Πολλά έχουν οβάλ σχήμα. Ο Ρέμπραντ απεικόνιζε κυρίως εμπόρους με τις συζύγους τους, προτιμώντας ένα ανδρικό πορτρέτο. “Marten Looten” (1632. Los Angeles. District Museum of Art), “Man Repairing a Pen” (1632. Kassel. Art Gallery), “Woman with a Book of Psalms” (1632. Nivaa. City Collection of Paintings), «A Man with a Pointed Beard» (1632. Νέα Υόρκη. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης), «Albert Kuyper» (1632. Παρίσι. Λούβρο), «Jacob de Geyn the Third» (1632. Λονδίνο. Dulwich Gallery) και δεκάδες άλλα πορτρέτα δημιουργήθηκαν σε σύντομο χρονικό διάστημα. Ίσως οι μαθητές βοήθησαν τον καλλιτέχνη να ζωγραφίσει τα φόντα και τα ρούχα των μοντέλων. Υπήρχαν πολλές παραγγελίες και ο Ρέμπραντ δεν είχε την πολυτέλεια να πετύχει αυτή τη διαπεραστική ψυχολογία που υπάρχει στα πρώτα του πορτρέτα.
“Portrait of a Scientist” (1631. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Ο πίνακας απεικονίζει έναν άνδρα με στοχαστική ματιά στη διαδικασία της εργασίας. Είναι πλέον πολύ δύσκολο να διαπιστωθεί αξιόπιστα το επάγγελμα όσων απεικονίζονται από τον Ρέμπραντ. Δεν υπάρχει φορμαλισμός στο πορτρέτο. Αυτός ο πίνακας κατέχει μια άξια θέση στα πορτρέτα δωματίου του καλλιτέχνη.
Τα πιο σημαντικά πορτρέτα εκείνων των χρόνων ζωγραφίστηκαν από τη σύζυγο του καλλιτέχνη, Saskia, σε διάφορα περιβάλλοντα «Saskia» (1633. Dresden. Picture Gallery), «Portrait of Saskia» (Kassel Portrait) (1635. Kassel. Art Gallery). Στο πορτρέτο «Flora» (1634. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ), ο καλλιτέχνης απεικονίζει τη Saskia με τη φορεσιά της Flora, δημιουργώντας την εικόνα μιας θεάς. Ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει προσεκτικά το πρόσωπο, τις λεπτομέρειες των ρούχων και το στεφάνι από λουλούδια στο κεφάλι της Σάσκια. Στην ουσία, η εικόνα είναι μια ποιμαντική. «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια στα γόνατα» (Άσωτος γιος σε μια ταβέρνα, Αλληγορία της αγάπης και του κρασιού) (1638. Δρέσδη. Πινακοθήκη) είναι η μόνη αυτοπροσωπογραφία του ζωγράφου στην οποία δεν απεικονίζεται μόνος. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον εαυτό του σε μεγάλα κέφια με τη Saskia να κάθεται στην αγκαλιά του και να κρατά ένα ποτήρι κρασί. Το παγώνι στο τραπέζι είναι σύμβολο πλούτου. Τα ρούχα τους είναι κομψά και εξωτικά.
Ο Ρέμπραντ δημιουργεί μια σειρά από πίνακες με μυθολογικά και ιστορικά θέματα. Ο καλλιτέχνης γέμισε αυτούς τους πίνακες με συναισθηματικό περιεχόμενο, ενώ το φιλοσοφικό νόημα παρέμεινε στο βάθος. «The Rape of Europa» (1632. Λος Άντζελες. Μουσείο Paul Getty) η πλοκή είναι παραδοσιακή για την ιταλική ζωγραφική. «Ο βιασμός του Γανυμήδη» (1635. Δρέσδη. Γκαλερί εικόνων) στο μύθο, ένας αετός απήγαγε τον νεαρό Γανυμήδη για να γίνει ο κύπελλος του Δία. Και εδώ ο Ρέμπραντ αγνόησε την παράδοση και, αντί για έφηβο, απεικόνισε ένα ιδιότροπο, παχουλό παιδί τεσσάρων ετών. Ο Γανυμήδης του μοιάζει περισσότερο με τον Έρως του Ρούμπενς. Η απαγωγή τρομάζει το παιδί και βγάζει ένα ρυάκι με ένα πρόσωπο παραμορφωμένο από φρίκη.
«Δανάη» (1636. Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Σύμφωνα με το μύθο, ο Αργείος βασιλιάς Ακρίσιος, προειδοποιημένος από χρησμό ότι θα πέθαινε στα χέρια του μελλοντικού εγγονού του, φυλάκισε την κόρη του Δανάη σε ένα δωμάτιο. Ο Δίας επισκέφτηκε την κοπέλα με τη μορφή βροχής χρυσού, συλλαμβάνοντας τον Περσέα. Ο Ρέμπραντ δεν απεικονίζει χρυσές ντους. Δεν είναι τυχαίο ότι ο Έρως απεικονίζεται πάνω από το κρεβάτι της Δανάης. Εκλεπτυσμένη, αισθησιακή και θηλυκή, η Δανάη θεωρείται συχνά η «Αφροδίτη του Βορρά». Ολόκληρη η εικόνα διαποτίζεται από φως. Ο πίνακας δόθηκε από τον καλλιτέχνη στον Huygens.
Ο Ρέμπραντ ζωγράφιζε επίσης βιβλικά θέματα, επιλέγοντας θέματα που δεν ήταν δημοφιλή μεταξύ άλλων καλλιτεχνών. “Praying Tobit” (Ο Tobit κατηγορεί την Άννα για κλοπή ενός παιδιού) (1626. Άμστερνταμ. Rijksmuseum), “David with the head of Goliath” (1627. Basel. Open art collection), “The Lamentation of Jeremiah” (1630. State Museum του Άμστερνταμ) ζωγραφίστηκαν από τον καλλιτέχνη την περίοδο του Λέιντεν. Το “The Feast of Belshazzar” (Mene, Tekel, Fares) (1635. Λονδίνο. Εθνική Πινακοθήκη) προκαλεί περίεργη εντύπωση στον θεατή λόγω του ότι ο πίνακας ήταν ανομοιόμορφα κομμένος και στις δύο πλευρές. Ο Βαλτάσαρ κυριαρχεί στην ομάδα, ο γνήσιος τρόμος είναι γραμμένος στα πρόσωπα των χαρακτήρων, επειδή η επιγραφή προβλέπει την ήττα στη μάχη με τον Πέρση βασιλιά Δαρείο. Η εντύπωση του άγχους ενισχύεται από τον δραματικό φωτισμό της σκηνής.
Το «The Sacrifice of Abraham» (1635. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ) είναι δραματικό στην πλοκή του. Ο άγγελος πιάνει το χέρι του Αβραάμ την τελευταία στιγμή, αποτρέποντας έτσι την τραγωδία. Το μαχαίρι παγωμένο στον αέρα προσθέτει επιπλέον ένταση στη σκηνή. «Samson’s Wedding» (Ο Σαμψών ζητά από τους καλεσμένους έναν γρίφο) (1638. Δρέσδη. Πινακοθήκη). Σε αυτόν τον πίνακα, ο Ρέμπραντ λύνει ένα δύσκολο πρόβλημα σύνθεσης: τοποθετώντας έναν μεγάλο αριθμό ανθρώπων γύρω από ένα τραπέζι. Ίσως ο καλλιτέχνης βοηθήθηκε από ένα σκίτσο που έγινε από τον πίνακα του Λεονάρντο ντα Βίντσι «Ο Μυστικός Δείπνος». «Αποχαιρετισμός του Δαβίδ στον Ιωνάθαν» (1642. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Η Βίβλος λέει πώς ο Δαβίδ και ο Ιωνάθαν αγκαλιάστηκαν και έκλαψαν μαζί. Ο Ρέμπραντ μπόρεσε να μεταφέρει το εσωτερικό δράμα του Τζόναθαν απεικονίζοντάς τον από πίσω. Το chiaroscuro σε αυτούς τους πίνακες αγγίζει έναν πρωτοφανή πλούτο αποχρώσεων. Τα ζεστά χρώματα κυριαρχούνται από τα λαμπερά κόκκινα και τα χρυσοκάστανα.
Ο πίνακας «The Night Watch» (1642. Άμστερνταμ. Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Rijksmuseum) είναι πλέον εθνικό σύμβολο της Ολλανδίας. Το 1642, ο Ρέμπραντ έλαβε διαταγή να απεικονίσει μια από τις έξι πολυάριθμες ομάδες σωματοφυλάκων του Άμστερνταμ του Λοχαγού Φρανς Μπάνινγκ Κοκ για το νέο κτίριο της Σκοποβολής. Δύο άλλες παραγγελίες για τη δημιουργία ενός πορτρέτου πήγαν στους μαθητές του. Το "The Night Watch" είναι ένα μοναδικό ομαδικό πορτρέτο, που απεικονίζει ένα γεγονός και όχι απλώς σωματοφύλακες να ποζάρουν. Επιπλέον, το μέγεθος του καμβά είναι εντυπωσιακό στην κλίμακα του. Ο Ρέμπραντ έφυγε από τους κανόνες της ολλανδικής προσωπογραφίας, προλαβαίνοντας έτσι τις καλλιτεχνικές ανακαλύψεις της ρεαλιστικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα.
Ο πίνακας απεικονίζει μια παρέα να ξεκινά μια εκστρατεία και αρκετούς άγνωστους περαστικούς στην πύλη. Η ομάδα απεικονίστηκε σε κίνηση και η σκηνή αποδείχθηκε πολύ ρεαλιστική. Από απόσταση δημιουργείται η ψευδαίσθηση ότι οι φιγούρες κινούνται προς τον θεατή. Είναι δύσκολο να μιλήσουμε για τη σύνθεση του πίνακα λόγω του γεγονότος ότι ήταν αποκομμένος από τις τρεις πλευρές, οπότε φαίνεται ότι οι φιγούρες είναι στριμωγμένες στο εσωτερικό του καμβά. Η εικόνα βασίζεται στο παιχνίδι φωτισμένων και σκιασμένων περιοχών. Ο Ρέμπραντ χρησιμοποιεί το φως για να τονίσει δύο φιγούρες στο προσκήνιο. Μια φιγούρα στα μαύρα - ο καπετάν Κοκ απλώνει το χέρι του προς τα εμπρός. Ο σύντροφός του φωτίζεται αποτελεσματικά, κάθε λεπτομέρεια των ρούχων του είναι προσεκτικά λεπτομερής. Την προσοχή του θεατή τραβάει η φωτισμένη φιγούρα του κοριτσιού στο φόντο της εικόνας. Ο πίνακας απεικονίζει περισσότερες από είκοσι φιγούρες. Στους πελάτες δεν άρεσε το γεγονός ότι κάποιοι από τους σωματοφύλακες βρίσκονταν στο βάθος ή σχεδόν εντελώς επικαλύπτονταν από τις φιγούρες που στέκονταν μπροστά. Επιπλέον, η εικόνα θύμιζε την πρόσφατη ολλανδική απελευθερωτική επανάσταση. Οι πελάτες αρνήθηκαν να δεχτούν αυτόν τον πίνακα. Ο πίνακας «The Night Watch» αποδείχθηκε σημείο καμπής στην καριέρα του Ρέμπραντ. Πολλοί μαθητές τον εγκαταλείπουν και γίνονται περιζήτητοι καλλιτέχνες. Η Saskia πεθαίνει το 1642, ένα χρόνο μετά τη γέννηση του γιου της Τίτου. Οι χαρούμενοι, πολύχρωμοι πίνακες με μια πληθώρα λεπτομερειών και μοτίβων που εκτελούνται με κόπο γίνονται μοντέρνοι. Ο ίδιος ο Ρέμπραντ έλαβε μια νέα δημόσια τάξη μόλις 14 χρόνια αργότερα.
Πληροφορίες ντοκιμαντέρ για την ιδιωτική ζωή του Ρέμπραντ τη δεκαετία του 1640. Ελάχιστοι έχουν επιβιώσει. Η νταντά του γιου του, Geertje Dirks, τον μήνυσε επειδή αθέτησε την υπόσχεσή του να παντρευτεί, οπότε ο καλλιτέχνης έπρεπε να πληρώσει για να διευθετήσει τη σύγκρουση. Στα τέλη της δεκαετίας του 1640, ο Ρέμπραντ έμπλεξε με μια άλλη από τις υπηρέτριές του, τον Hendrikje Stoffels. Το ενοριακό συμβούλιο καταδίκασε τον Hendrickje για «αμαρτωλή συμβίωση» μετά τη γέννηση της κόρης τους Cornelia το 1654. Οι υπηρέτριες πόζαραν στον Ρέμπραντ για τους πίνακες: «Γυναίκα στο κρεβάτι» (Gertje Dirks?) (1647. Εδιμβούργο. Εθνική Πινακοθήκη της Σκωτίας), «Hendrickje Stoffels» (1650. Παρίσι. Λούβρο) «Γυναίκα που λούζει στον ποταμό» (Hendrickje Stoffels Bathing in river) (1654. Λονδίνο. Εθνική Πινακοθήκη), «Hendrickje Stoffels at the Open Door» (περίοδος 1650-1660. Βερολίνο. Κρατικά Μουσεία. Πινακοθήκη Τέχνης).
Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε επίσης πορτρέτα του γιου του: «Titus at his desk» (1655. Rotterdam. Boijmans-van Beuningen Museum), «Titus» (1657. London. Wallace Collection), «Titus in the robes of a monk (Titus in the μορφή του Αγίου Φραγκίσκου) "(1660. Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Rijksmuseum). Το 1653, ο καλλιτέχνης μεταβίβασε σχεδόν όλη την περιουσία του στον γιο του Τίτο και κήρυξε πτώχευση το 1656. Μετά την πώληση το 1657-58. Αφού έχασε το σπίτι και την περιουσία του, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, στην εβραϊκή συνοικία. Ο θάνατος του Τίτου το 1668 ήταν ένα από τα τελευταία χτυπήματα της μοίρας για τον καλλιτέχνη. Ο Ρέμπραντ πεθαίνει ένα χρόνο αργότερα.
«The Syndics of the Clothmakers' Workshop» (1661. Άμστερνταμ. Rijksmuseum) - ένα αυστηρό και συγκρατημένο ομαδικό πορτρέτο. Οι άντρες που κάθονται στο τραπέζι είναι γεμάτοι σημασία. Το κόκκινο χαλί ξεχωρίζει απέναντι στους μαυροφορεμένους εμπόρους.
Οι δύο τελευταίες δεκαετίες της ζωής του Ρέμπραντ έγιναν το αποκορύφωμα της ικανότητάς του ως προσωπογράφος. Του ποζάρουν φίλοι και άγνωστοι στρατιώτες, γέροι και γυναίκες. Τα πρόσωπά τους φωτίζονται με εσωτερικό φως. Το “Jan Six” (1654. Amsterdam. Six Foundation), τραβώντας ένα γάντι στο χέρι του, ξεχωρίζει για την αρμονία του χρώματος και το εύρος των πινελιών impasto. Ο Ρέμπραντ δημιουργεί δραματικούς και έντονους πίνακες: «Artaxerxes, Haman and Esther» (1660. Moscow. Pushkin State Museum of Fine Arts) και «The Denial of the Apostle Peter» (1660. State Museum of Amsterdam. Rijksmuseum). «The Return of the Prodigal Son» (1666. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ)
«Haman μαθαίνει τη μοίρα του» (David and Uriah) (1666. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Έχουν προσπαθήσει να ερμηνεύσουν την εικόνα πολλές φορές, αλλά δεν υπάρχει ούτε μια πειστική εκδοχή. Μοιάζει περισσότερο με τη φαντασίωση του Ρέμπραντ για το θέμα της βιβλικής ιστορίας. Η εικόνα είναι πολύ συγκινητική χάρη στη χειρονομία και την έκφραση του προσώπου του κύριου χαρακτήρα.
Συνολικά, κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Ρέμπραντ δημιούργησε περίπου 500 πίνακες (από τους οποίους έχουν διασωθεί περίπου 300), 600 χαρακτικά και χαρακτικά, 1.400 σχέδια.
Μεταξύ όλων των ζωγράφων του δυτικού κόσμου, ο Ρέμπραντ αναγνωρίζεται ως ο πιο οξυδερκής ψυχολογικά προσωπογράφος. Ο Rembrandt Harmens van Rijn είναι ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ολλανδικής τέχνης.
- VKontakte 0
- Google+ 0
- ΕΝΤΑΞΕΙ 0
- Facebook 0
